HOLLYWOOD, Crónica Negra (1 Viewer)

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BETTE DAVIS




Ruth Elizabeth Davis nació en Lowell (Massachusetts) el 5 de abril de 1908, en una familia de clase media con tendencia a la irritación, por no decir a la histeria. Marcada por una infancia difícil, que discurrió bajo la sombra del divorcio de sus padres, la futura Bette Davis se empeñó en ser actriz después de ver a Peg Entwistle en El pato salvaje de Ibsen. Con su madre en los talones no paró hasta abrirse un camino discreto en los teatros de Nueva York antes de iniciar su carrera cinematográfica en Hollywood. En esos años resultaban una extraña pareja, ambas con una sensibilidad exacerbada, si hemos de creer a la directora teatral Blanche Yurka:

- "La verdad es que su madre era una pelma y es un milagro que no hundiera la carrera de Bette desde el mismísimo principio. Estaba preocupada incesantemente y de forma sensiblera por la hija. Incluso Bette sobreexcitada y hecha un mar de lágrimas era un caso para volverse loca"-



Samuel Goldwyn la sometió a una prueba para el cine, que resultó desastrosa, y sólo unos meses después pisaría Hollywood de la mano de la Universal. Con 57 dólares en el bolsillo y el sueño de los 450 dólares mensuales que habían prometido los estudios Universal. Madre, hija y el perro Boogun, llegaron a la meca del cine para hacer la primera película de la actriz. Ese mismo año firmó un contrato con la Warner Brothers, donde trabajaría las siguientes dos décadas. Durante todo ese tiempo gastó muchísima energía luchando, incluso en los tribunales, por guiones a la altura de su talento y por un salario justo, pese a sus dos Oscars de la Academia... era la actriz de su categoría peor pagada de los estudios; en consecuencia, se labró una reputación de actriz indómita, intratable e incómoda, agravada por su absentismo en los rodajes debido a incesantes problemas de salud y sus muchas crisis familiares. No era una mujer guapa, pero la especial fotogenia de su piel finísima y translúcida, consecuencia de las graves quemaduras que sufrió en el rostro de niña jugando con las velas de un árbol de Navidad, y los desorbitados y penetrantes ojos, hicieron de ella la perfecta protagonista de los melodramas de mujeres sacrificadas por la depresión que entonces gustaban a la Warner. Entre otros muchos filmes, en la década de los 30 rodó "Esclavos de la tierra" y "20.000 años en Sing Sing". Fué una extraordinaria camarera malvada creada por Maughan para "Cautivo del deseo"; Interpretó "El bosque petrificado", con Bogart y Leslie Howard, a los que acabó detestando, al uno por rudo y borracho, y al otro por vanidoso; conmovió a todos con "Barreras infranqueables", " La mujer marcada y Amarga Victoria" y fué premiada con dos Oscars por "Dangerous" y por su magistral e irrepetible interpretación de "JEZABEL", a las órdenes de William Wyler, quien dijo:

-“Era bella, pero no una belleza. Hay una diferencia. Hoy pienso que era guapa. Entonces, no, y siempre quiso parecer otra persona. Su rostro era particular y no encajaba en los cánones de belleza de la industria del cine. Hasta sus últimos años de vida no supo reconocer su belleza. Incluso con setenta años confesaba que odiaba cuando mencionaban una y otra vez sus ojos saltones, como característica principal de su rostro. Provocaba sensaciones intensas en todo el que la conocía. Muchos la pintaron como una mujer insoportable, cruel, cínica y en eso no estoy de acuerdo. Bette era maravillosa en todo, creo que sus ataques de ira comenzaron cuando tenía dos años como respuesta a la tensión que había entre sus padres y nunca supo abandonar el comportamiento obsesivo y sus arranques de genio de los que hablan muchos de los que la rodearon "-.



Los testimonios más extremos son los de su hija, Bárbara Davis Hyman, que escribió en los años ochenta el libro “El guardián de mi madre”, una biografía en la que destacaba los problemas con el alcohol, las amenazas de suicidio frente a la niña cuando ésta tenía ocho años… La resentida hija dibuja a la estrella de Hollywood como una neurótica, manipuladora y malvada que canalizaba la rabia abusando de los que estaban más cerca de ella:

-“ Podía haberlo escrito y enviado a mi madre sin publicarlo. No lo hubiera leído. No va a escuchar nada que no quiera, así que me decidí por el único camino que sentí que podía llegar a ella: la opinión pública. Lo que puede ver el mundo es lo más importante para mi madre y esta es, en esencia, una carta pública para ella”.-


Cautivo del deseo (Of Human Bondage)



Este film le dio la oportunidad de escapar de los roles femeninos convencionales. Davis vio en el personaje de la camarera Mildred Rogers una oportunidad para dar rienda suelta a las emociones violentas de su carácter. Para hacerse con el papel de camarera cruel en Cautivo del deseo, de la productora RKO, Davis puso todas sus energías en convencer a los estudios Warner para poder hacer la película. En el proceso descubrió que estaba embarazada y decidió abortar para no echar a perder sus planes: ya había actuado en 22 títulos y tenía la certeza de que el papel de Mildred Rogers era su última oportunidad de ser la actriz que deseaba. El personaje le dio confianza en sí misma. La cruda y despiadada mujer que maltrataba verbalmente al inocente Philip Carey, que arruina su vida en el intento de ser amado, representaba el lado más oscuro y fascinante de sus capacidades interpretativas y roza su propia vida personal.






Bette Davis y el director conectaron a pesar de lo que se podía esperar. Los dos tenían arranques de mal genio y eran de un perfeccionismo enfermizo y eso fue precisamente lo que equilibró la relación, que pronto se convirtieron en amantes. Ambientada en los años anteriores a la Guerra Civil estadounidense, Jezabel cuenta la historia de una caprichosa belleza sureña de Nueva Orleans comprometida con un banquero. Ante la negativa de él a acompañarla a comprar un vestido para uno de los bailes más importantes del año, ella se venga adquiriendo un vestido de noche rojo y rompe la estricta norma de vestir de blanco en la fiesta. Tras el escándalo, él pone fin al compromiso y ella se niega a pedir perdón, pensando que su prometido volverá desesperado a sus brazos. Davis ganó con el papel el segundo Oscar de su carrera a la mejor actriz protagonista. Volvía a interpretar a la mujer soberbia y antipática en un rodaje plagado de retrasos. Su relación con Wyler durante el rodaje, cuando ella todavía estaba casada, la alteraba y le producía reacciones psicosomáticas: le salió un enorme grano que paró el rodaje durante semana y media, sufrió una contractura en la pierna… Cuando Jezabel llegaba a su fin, ambos hablaban de trabajar juntos de nuevo en una versión de Cumbres borrascosas en la que Bette haría de Cathy, pero al final el proyecto escapó de las manos de Warner y los amantes se fueron separando sin remedio. Dos días después del último día del rodaje, ella descubrió que estaba embarazada del director y abortó de nuevo. Las precauciones que tomó para que su marido no se enterara de la aventura desaparecieron con el siguiente romance, esta vez con el magnate Howard Hughes, con el que se dejaba ver descaradamente ante Nelson hasta que pidió el divorcio alegando un trato cruel.

EVA AL DESNUDO





Extraordinario film, narra cómo Eve Harrington intenta poco a poco usurpar el trono y la vida de una grande del teatro Margot Channing. Recrea un mundo de envidias, traiciones y rumores del espectáculo en Broadway. El director Edmund Goulding advertía a Joseph Mankiewicz sobre la decisión de elegir a Bette Davis como protagonista:

-" Esa mujer te destruirá, te convertirá en fino polvo blanco y soplará. Eres guionista, querido. Ella llegará al escenario con un paquete gordo de papel amarillo y lápices. Escribirá y entonces ella, y no tú, dirigirá. Ya lo verás”-

Pero la actriz llegaba en son de paz. A punto de terminar su contrato con Warner, con la que llevaba casi dos décadas, no tenía nada clara su renovación. Tenía 41 años y se veía desterrada del cine. El guión y el papel le fascinaron, la forma de fumar y apagar con nerviosismo los cigarrillos, la mirada comunicativa y la voluntad de afearse sin problemas si el guión lo pedía mezclaban a la persona con el personaje. Recién divorciada de William Grant Sherry, un hombre violento y peligroso con el que tuvo una relación destructiva... Tenia un guardaespaldas que la protegía a ella y a su única hija, Bette se enamoró de Gary Merrill, el actor que interpretaba a Bill Sampson, director de teatro y pareja del personaje de Bette. Él, casado, se divorció y la pareja se convirtió en matrimonio. Adoptaron dos niños y se divorciaron diez años después. Pero la interpretación que brindó a todos con el film ha quedado sellada con letras de oro, nadie podría haber sido Margot que Bette Davis.


¿QUÉ FUE DE BABY JANE?




- “¡Tiene la mejor propiedad de California! Yo quise comprarla y me la quitó. Si piensa que voy a interpretar a esa estúpida perra en silla de ruedas, ya sabe lo que le espera”-

Esa fue la respuesta de Davis cuando la actriz Joan Crawford le entregó una copia del guión de ¿Qué fue de Baby Jane? Al final fue Crawfrod quien interpretó a Blanche Hudson, la antigua estrella de cine que se había quedado parapléjica y al cuidado de su hermana Jane, que había sido una estrella infantil de cine.

- “A veces me he esforzado por verme lo peor posible, a veces me superaba y eso dolía. Eso empeoró cuando me hice mayor. Cuando me vi por primera vez como Baby Jane, lloré“-

Eso admitía Bette Davis años más tarde. Crawford tuvo la valentía de ofrecerle el papel a una de sus mayores enemigas. Bette Davis siempre manifestó su odio hacia ella, incluso tras la muerte de la actriz. “Puede que exista un cielo, pero si Joan Crawford está allí, no voy”, dijo en varias ocasiones. Se rumoreaba que Crawford, como bisexual, se había insinuado a Davis y ella la había rechazado, pero parece ser que la raíz de la enemistad fue un hombre: Franchot Tone, un actor del que Davis se enamoró durante el rodaje de Peligrosa. Crawford era entonces una de las mujeres más deseadas de Hollywood y le costó poco cautivar a Tone, al que invitó una noche a cenar y recibió desnuda en su casa. Se casaron nada más finalizar el rodaje de Peligrosa:

- “Se ha acostado con todas las estrellas de MGM, menos con Lassie”- dijo Davis.

-“Pobre Bette. Da la impresión de que no fue feliz ni un solo día en toda su vida”- contestó Crawford.



Con ese historial de insultos y rencores, las dos estrellas se encontraron en el set de Baby Jane, en un rodaje tenso que sometía a todo el equipo. Hubo incluso agresiones físicas: en la escena en que Jane patea a su hermana en el suelo, hubo una patada más fuerte que las demás. A Crawford le tuvieron que dar tres puntos. La película fue un enorme éxito de taquilla: Bette Davis fue nominada al Oscar y Joan Crawford, no, y ante la visión de ver a su rival recoger el premio, hizo todo lo que pudo. Se puso en contacto con las otras tres actrices nominadas para poder recoger el premio en caso de que cualquiera de ellas ganara. Anne Bancroft se hizo con el premio y Joan, triunfante, recibió la estatuilla. Pese a lo incombustible, despótica y altiva que parecía en sus películas, la verdadera Bette Davis era una mujer con mala suerte y corazón de víctima que ofrecía el cuello al primer quebrantahuesos que encontraba en su camino. La más famosa malvada de la historia del cine tuvo una vida real de lo más dura y hostil y fue a menudo presa de seres desaprensivos. Ella tampoco era una santa, pero resulta difícil creer que lejos de la estela de fortaleza que desprendía en pantalla, tuviera que soportar durante muchos años los desprecios de algunos estudios cinematográficos. La presión constante de una madre aprovechada y las vejaciones de varios maridos violentos...Lo cierto es que tres de sus cuatro maridos llegaron a maltratarla físicamente, mientras la madre derrochaba el dinero de Bette a manos llenas y ella mantenía al inútil de turno, trabajando a destajo para la Warner, a fin de pagar los gastos de los demás y sufragar las facturas del Centro psiquiátrico de su desequilibrada hermana.




Cuando en 1935 recogió su primer Oscar por la interpretación de uno de sus personajes más lacrimógenos por el film Dangerous, Bette Davis llevaba un sencillo vestido a cuadros y vivía acosada por las deudas; su madre, en cambio, iba ataviada como una reina, disponía de coches flamantes y disfrutaba de una vida de lujo. También es posible que si no hubiera sido por la ambición desaforada y la tenacidad de la progenitora de Bette Davis, que siempre ejerció de "madre de la artista", el mundo se hubiera quedado sin esa magistral actuación en Eva al desnudo, metida la actriz en la piel de Margo Channing, la declinante diva de la escena que verá cómo la trepadora Eva Harrington corroe los cimientos de su gloria.

-"Si he llegado a la cima ha sido a fuerza de mucho arañar e incluso habría recurrido al asesinato para conseguirlo"-, dijo en una ocasión Bette.



La vida privada de Elizabeth y Essex





Volviendo a William Wyler, la relación entre ambos se saldó con una apasionada historia de amor y con tres de las mejores películas de Bette: Jezabel, La loba y La carta. Wyler controló la tendencia a sobreactuar de Davis, le enseñó a modular su histrionismo y supo extraer de ella los matices de su vena dramática, hasta que sacó a la luz bajo la piel los personajes despóticos, resentidos, las vetas de la vulnerabilidad y el patetismo. Es probable que Bette Davis, como pasaría en adelante con otros amantes, necesitara olvidar sus desastres domésticos con Wyler, y también con el mujeriego millonario Howard Hughes, a quien el marido de la actriz, un músico de jazz sin ningún talento, acabó chantajeando. Su matrimonio estaba en plena crisis y podría haberse casado con Wyler, recién divorciado de Margaret Sullavan, si la mala suerte, o su propio carácter, no se hubiera cruzado en su camino. Cuando el director le escribió una carta pidiéndole que se casara con él, Bette tardó una semana en abrirla, histérica por alguna de sus disputas. Al leer la misiva varios días más tarde, Wyler le comunicaba que a menos que aceptara casarse con él inmediatamente, lo haría en breve con otra mujer. Un poco más tarde la radio anunciaba que William Wyler y Margaret Tallichet se habían casado aquella misma mañana. La actriz siempre pensó que había sido el mayor error de su vida: La siguiente película que hizo con el director se tituló, La carta. Ya en el año 1961 rueda con Frank Capra otra de sus películas de enorme éxito, Un gángster para un milagro, y dirigida por Robert Aldrich, la que para mi personalmente, es la mejor aportación al cine de una actriz irrepetible...¿Qué fue de Baby Jane?, y debido a la acogida en todo el mundo con Baby Jane, repetiría con Aldrich en Canción de cuna para un cadáver... otro film a tener en cuenta, con una compañera de lujo: Olivia deHavilland.


Acostumbrada a los éxitos, se sabe que llegó a poner un anuncio en Variety: "Se ofrece actriz con 30 años de experiencia en el cine. Con dos Oscar", decía el mensaje en el tono irónico y exasperante que la caracterizaba.


Cuando entró en la tercera edad, Davis fue reconocida por sus logros. John Springer, que organizaba sus giras de conferencias a principios de la década de 1970, escribió que a pesar de los éxitos de muchas de sus contemporáneas, Davis fue «la estrella de los treinta, cuarenta y principios de los cincuenta», que logró notoriedad por la variedad de sus caracterizaciones y su habilidad para hacerse valer, incluso cuando su material era mediocre. Sus interpretaciones personales siguieron recibiendo elogios; en 1987, Bill Collins analizó La carta y describió su actuación como un «logro brillante y sutil», y escribió: «Bette Davis hace de Leslie Crosbie uno de los personajes más extraordinarias del cine». En otro articulo del año 2000 sobre Eva al desnudo , Roger Ebert apuntó que «Davis era un mito, un ícono con estilo, tanto que incluso sus excesos son realistas». En 2006, la revista Premiere situó su recreación de Margo Channing en el puesto quinto de su lista «Las 100 interpretaciones más grandes de todos los tiempos», comentando que:


-"Hay algo deliciosamente audaz en su alegre voluntad de interpretar emociones tan desagradables como los celos, la amargura y la necesidad. En ¿Qué fue de Baby Jane?, Yo, Roger Ebert afirmó que nadie la olvidará jamás».



Davis se convirtió en la primera mujer galardonada con el premio a los logros de una vida, el American Film Institute publicó la lista «100 años de la AFI... 100 estrellas», resultado de una encuesta entre la industria cinematográfica para determinar las «50 mayores leyendas estadounidenses de la pantalla» por conseguir el reconocimiento público y el aprecio del cine clásico. De las 25 actrices elegidas para la lista, Davis quedó en el segundo puesto, el primero era para Katharine Hepburn.


En 1962, Davis se convirtió en la primera intérprete en recibir diez nominaciones a los Oscar por sus actuaciones. Desde entonces, sólo cuatro personas han igualado o superado esta cifra:

Meryl Streep (diecinueve nominaciones y tres victorias)

Katharine Hepburn (doce nominaciones y cuatro victorias),

Jack Nicholson (doce nominaciones y tres victorias)

Laurence Olivier (diez nominaciones y una victoria)

A principios de los años 2000, Steven Spielberg compró en una subasta los dos Oscars que Davis ganó por Peligrosa y Jezabel por 207 500 dólares y 578 000 dólares, respectivamente y los devolvió a la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas.


LAS BALLENAS DE AGOSTO







En 1972, interpretó el papel protagonista en dos películas para televisión, cada una pensada como pilotos para una serie de la NBC: Madame Sin, con Robert Wagner y The Judge and Jake Wyler, con Joan Van Ark. A pesar de que fueron estrenadas, la cadena de televisión decidió no producir las series en ambos casos. Apareció en la producción teatral Miss Moffat, una adaptación musical de la película El trigo está verde, pero después de que fuera reprobada por críticos de Filadelfia, Davis alegó una lesión en la espalda y abandonó el espectáculo, que finalizó inmediatamente. Interpretó papeles secundarios en Pesadilla diabólica y La desaparición de Aimee, en las cuales se enfrentó con Karen Black y Faye Dunaway, las estrellas de las dos respectivas producciones. Siempre estuvo indignada por estos dos trabajos, alegando que no le dirigieron con el respeto apropiado y que sus compañeros en los sets no fueron profesionales.

En 1977, Davis se convirtió en la primera actriz en recibir el premio a toda su trayectoria profesional. El homenaje que fué televisado, incluyó comentarios de varios de sus compañeros, como William Wyler, Jane Fonda, Henry Fonda, Natalie Wood y Olivia de Havilland, quien comentó que Davis «consiguió los papeles que yo siempre he querido». Después de la transmisión, recibió varias ofertas de trabajo y aceptó interpretar los papeles de la miniserie de televisión The Dark Secret of Home Harvest (1978) y Muerte en el Nilo (1978), basada en una obra de Agatha Christie. El nombre de Bette Davis se puso de moda entre el público más joven cuando la canción de Jackie DeShannon, «Bette Davis Eyes», se convirtió en un éxito mundial gracias a la versión interpretada por Kim Carnes y fue uno de los discos más vendidos de 1981, donde se mantuvo en el primer puesto de las listas por más de dos meses. La nieta de Davis quedó impresionada de que su abuela fuera el tema de una canción de tanta repercusión. La actriz aceptó los Discos de Oro y Platino y los colgó en la pared, al lado de sus muchos premios.


Durante este tiempo, su relación con su hija, B.D. Hyman, se deterioró cuando esta última se convirtió en una cristiana renacida y trató de persuadir a su madre a seguir su ejemplo, pero Bette obvió como siempre las palabras de su hija y con su salud estable, viajó a Inglaterra para filmar "Murder with Mirrors", basada en una obra de Agatha Christie. A su regreso, se enteró de que su hija había publicado un libro de memorias, ""El guardián de mi madre"", en el que hablaba de la difícil relación madre-hija, el comportamiento prepotente y los muchos episodios de alcoholismo de su madre. Varios de los amigos de Davis comentaron que las descripciones de Hyman sobre los hechos no eran del todo exactas; uno de ellos dijo que «la mayor parte del libro está fuera de contexto». Mike Wallace retransmitió una entrevista de 60 minutos que había grabado con Hyman unos años antes, en donde elogiaba las habilidades como madre y dijo que había adoptado varios de los principios de Davis en la crianza de sus propios hijos. Muchos medios de prensa señalaron que Davis había apoyado económicamente a la familia de su hija durante muchos años y recientemente los había salvado de perder su casa. A pesar de las asperezas de los primeros años de divorcio, Gary Merrill también defendió a Davis; entrevistado por CNN, Merrill dijo que Hyman había escrito el libro por crueldad y codicia. El hijo adoptivo de Davis, Michael Merrill, terminó todo contacto con Hyman y se negó a dirigirle la palabra... Bette Davis automáticamente la desheredó.

En sus segundas memorias Bette escribió:


-"Todavía me estoy recuperando del hecho de que una hija mía escriba sobre mí a mis espaldas, no diré nada sobre el tipo de libro que es. Nunca me recuperaré completamente de ello, como hice con el accidente cerebrovascular. Ambas fueron experiencias demoledoras "-

Sus memorias concluyeron con una carta a su hija, en la que se dirigió a ella como «Hyman» y describió sus acciones como «notoria falta de lealtad y agradecimiento por la vida privilegiada que creo que te he dado». Para concluir con una referencia al título del libro de Hyman, expresó:

-"Si se refiere al dinero, si mi memoria no falla, he sido tu guardián todos estos años. Sigo siéndolo, ya que mi nombre ha hecho de tu libro un éxito "-


A lo largo de toda su carrera, Davis fue señalada como una actriz de carácter difícil, lo que se vio reflejado en diversas discusiones que mantuvo con directores y productores. A diferencia de otras actrices de su época, optó por interpretar papeles poco simpáticos y fuera de los comunes para una mujer de ese momento, como manipuladoras, asesinas o personas de mayor edad a la suya. Muchos de sus contemporáneos señalan que, si bien muchas de sus películas no tuvieron el éxito esperado, Davis destacaba triunfante por la recreación de personajes muy variados y su personalidad fuerte. En 1964, Jack Warner comentó la «cualidad mágica que transformaba a esta muchachita a veces sosa y poco hermosa en una gran artista», y en una entrevista de 1988, Davis remarcó que, a diferencia de muchas de sus contemporáneas, había forjado una carrera sin la ventaja de la belleza. Admitió que estaba aterrada durante el rodaje de sus primeras películas y que se volvió dura por necesidad. Dijo que:


-"En mi profesión hasta que no tienes fama de monstruo, no eres una estrella, pero yo nunca luché por nada de forma desleal. Nunca luché por nada que no fuera por el bien de la película». Cuando rodábamos Eva al desnudo, Joseph L. Mankiewicz me dijo que en Hollywood existía la idea de que mi carácter era difícil, y le aclaré que cuando el publico la veía en pantalla, no tenía en cuenta que su apariencia era el resultado del trabajo de numerosas personas entre bastidores. Si fui presentada como una burra de cuarenta pies de ancho, y treinta de alto, eso sería todo lo que mi público iba a ver y valorar "-


MUERTE EN EL NILO






Atrajo muchos seguidores gay, y con frecuencia era imitada por transformistas como Tracey Lee y Charles Pierce. En un intento de explicar su popularidad entre la audiencia homosexual, el periodista Jim Emerson escribió:


-"¿Ella es el mascarón de proa simplemente por su estilo de actuar crispado, melodramático y que no ha envejecido bien? ¿o porque fue «Más grande que la vida», una mujer dura que ha sobrevivido?... Probablemente por ambas cosas "-


Unos meses antes de su muerte en 1989, Bette Davis fue portada de la revista Life. En una retrospectiva cinematográfica que homenajeaba a varios de sus Films, Life concluía diciendo que fue la actriz más significativa de su época y destacaba Amarga victoria como una de sus películas más importantes. Angela Lansbury resumió el sentimiento de los miembros de la comunidad de Hollywood que asistieron a su funeral, comentando tras la proyección de una muestra de sus películas, que habían presenciado «un extraordinario legado de la interpretación del siglo veinte por una auténtica maestra del oficio», y eso debería proporcionar «estímulo y ejemplo para futuras generaciones de aspirantes a actores




Cuando Bette Davis recibió la invitación para acudir al Festival de Cine de San Sebastián, seguramente quedó perpleja. El motivo no era un homenaje a su larga y brillante carrera, sino la retrospectiva que aquel año dedicaban al director James Whale, con quien ella había trabajado. Se encontraba ya muy enferma. El cáncer se le había generalizado y los médicos le aconsejaban reposo total. Pero sus cálculos eran distintos: la cita en San Sebastián podría transformarse en un homenaje a ella misma, y no estaba dispuesta a perder la oportunidad de despedirse de la vida en olor de multitudes. Ése podía ser el mejor adiós. El espectáculo era lo primero, y sólo cuando éste hubo finalizado, en aquella memorable última cena del Festival, se permitió expresar un infinito amor, que trascendía en todos los rostros que la miraban...Solo ella, la inmortal Bette Davis, a pesar de las enormes sombras en su larga vida, dejó inmóviles a todos cuando se acercó al micrófono con aquella larga boquilla humeante. Supo de esa forma regalar al mundo una mítica imagen y ser feliz hasta su último momento de gloria.




Cuando en octubre de 1989 fue al Festival de San Sebastián, estaba tan débil que ya no pudo regresar a casa.

Murió el 6 de octubre con 81 años en París.




https://cineclasico4.webcindario.com/b.davis.html
Estupendo este hilo, pepivilla, gracias.
 

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Lupe Vélez: ¿cómo murió la primera estrella latina de Hollywood?
Hace 70 años que Lupe Vélez era hallada sin vida en su domicilio. Aún hoy se sigue debatiendo sobre cómo y por qué se ...

06 feb 2014

HOY CORAZÓN - CARLOS ALCELAY
  • Decoró su dormitorio para que fuera una espléndida capilla ardiente, se arregló y se llenó el cuerpo de pastillas. Su suicidio provocó todo tipo de especulaciones y sórdidos rumores sobre los que hoy, 70 años después, se sigue discutiendo sobre cómo murió Lupe Vélez.



70 años después de su muerte, quienes conocieron a la diva mexicana Lupe Vélez y los biógrafos que han investigado sus últimos meses continúan sin poder responder con certeza las preguntas que se formularon sotto voce durante su funeral y que luego fueron objeto de debate en la prensa sensacionalista.



¿Es posible que aquella mujer sin inhibiciones, alumna avanzada del Hollywood más mundano y promiscuo, temiera hasta tal punto las consecuencias en la opinión pública de un hijo ilegítimo? ¿Resulta creíble que quien encajó el abandono de sus dos grandes amores no pudiera soportar la reticencia a casarse de un hombre con el que llevaba apenas seis meses de relación? A sus 36 años y con una carrera todavía sólida, veía aún lejana la inevitable decadencia con que la industria castigaba la madurez de sus antiguas estrellas. Entonces, ¿por qué?



Lo cierto es que nada como un trágico final y un bonito cadáver para afianzar el mito y agrandar un personaje que, junto con Dolores del Río, fue la primera que convirtió en objeto de culto la belleza latina en EE.UU. Llegó curtida a Hollywood, aunque apenas tenía 20 años: antes había librado una guerra despiadada con las 'vedettes' veteranas que dominaban la escena en México, para las que no era más que una niñata que provocaba los babeos masculinos con sus obscenas insinuaciones. Y tenían razón. Era provocadora, altanera y desinhibida. Por eso sus padres, un militar y una cantante de ópera, la habían mandado con 13 años a un internado de mojas en EE.UU. Solo lograron que aprendiera inglés.



A la adolescente Lupe le habían bastado un par de años para ser una estrella en su país. La meca del cine no se le resistió mucho más. Vendía 'sex-appeal' y un carácter volcánico que se percibía en sus interpretaciones, el cóctel que sedujo al afamado Douglas Fairbanks durante el 'casting' para 'El gaucho' (1927). "Quítate los zapatos", le espetó. "¿Para qué? Eso no es necesario", contestó soberbia. Él insistió y ella comenzó a insultarle en español: "Ese es el tipo de mujer que quiero, estás contratada".



Le sobraban los hombres



Durante todo el rodaje, la actriz Mary Pickford, pareja de Fairbanks, no les perdió de vista. Sus reticencias estaban justificadas. A Lupe le gustaban los hombres y no tenía reparo alguno en hacerlo notar. "Cuando llegaba a una fiesta, nadie sabía lo que podía ocurrir -asegura Gabriel Ramírez, autor de Lupe Vélez. La mexicana que escupía fuego-. Era muy descarada. Una roba-hombres. Se acostó con todo el mundo". En efecto, la lista conocida es larga: Clark Gable, Al Jolson, Charles Chaplin, John Gilbert… Pero lo hubiera dejado todo por Gary Cooper, al que conoció en el rodaje de El canto del lobo (1929).



Fue su primer gran amor. Dos años de relación muy intensa resumidos en una frase de Marlene Dietrich: «Gary está completamente controlado por Lupe». Fue él quien le ayudó a pagar su nueva mansión en Beverly Hills, donde convivieron algunos meses y donde ella residió hasta su muerte. "Gary Cooper tenía un problema de ‘mamitis aguda’ -afirma el periodista mexicano Enrique Vidal-. La madre del actor siempre se opuso a ese noviazgo, simplemente porque no le caía bien. Y Cooper era incapaz de llevarle la contraria. Un día Lupe comenzó una dura discusión con ella que concluyó con el desplante de la diva: ‘Quédese con su niño. A mí me sobran los hombres’".



A pesar de su respuesta altiva, para Vélez la ruptura fue un golpe terrible. Intentó olvidarle refugiándose en una carrera cada vez más brillante y con la ayuda de los narcóticos y el consuelo de los nuevos amantes. Probablemente esa huida hacia delante fue la que le llevó a casarse con Johnny Weissmuller en 1933. Casi seis años en el que el s*x* sustituía al amor y los desencuentros y los celos se transformaban en hematomas y arañazos que los maquilladores de 'Tarzán' disimulaban.



La pequeña mexicana -algo más de metro y medio- regresó en 1937 a su país, ya como un mito, para rodar 'La Zandunga' junto a Arturo de Córdova, un seductor que fascinaba al público femenino de su país. Lupe no fue una excepción. Volvía a sentirse enamorada de verdad y De Córdova le correspondía, a pesar de estar casado y con cuatro hijos. La relación entre ambos era compleja porque él quería preservar su reputación y le horrorizaba el escándalo que supondría un divorcio. Lupe no tuvo tantos reparos y firmó la separación de Weissmuller en 1939.



¿De quién era el hijo?



"En el fondo, era una mujer tradicional que deseaba casarse para toda la vida y tener hijos. Por eso hizo todo lo posible para que dejara a su mujer", explica Vidal. Hasta el punto de filtrar a la prensa su relación adúltera. Pero no salió como lo había planeado. La esposa del actor, que había pensado en la separación, consideró humillante que su vida privada fuera aireada y se negó a conceder el divorcio jurando que nunca lo haría. Lupe fue consciente entonces de que nunca cumpliría su sueño: formar una familia con él.



¿Quién era el padre? Supuestamente Harold Ramond, un actor secundario que había actuado junto a De Córdova en Frenchman’s Creek (1944). Allí le conoció. Tal vez fuera cierto que, desengañada por su relación imposible, se encaprichara de Ramond y decidiera pasar página. En noviembre de 1944 hacían oficial su compromiso apremiados –según la versión que circuló después– por el embarazo de la actriz. Sin embargo, el novio tuvo dudas. Discutieron y la indecisión de él llevó a Lupe a romper la relación, aunque en la prensa, tras el funeral, Ramond aseguró que nunca se negó a casarse, que lo hubiera hecho.



Temerosa de convertirse en madre soltera y de la repercusión que hubiera tenido para su carrera, pidió ayuda a su hermana Josephine. Le propuso escapar juntas a México hasta dar a luz, para que luego fuera Josephine la que reconociera como suyo al bebé. Ella aceptó. Sin embargo, antes tenía que realizar un viaje con su marido al extranjero durante unos días. Pasaron semanas sin tener noticias suyas. Hastiada por el desamor, deprimida por el escándalo que se avecinaba, solo vio una salida.



No es la única versión. Son muchos los que sostienen otra más sórdida. «Ella esperaba un hijo de Arturo. Como él no podía divorciarse y las raíces católicas de ambos descartaban abortar, buscaron a un hombre de paja para casarse con ella: Ramond», afirma Enrique Vidal. ¿Qué habría salido mal? "Un día Lupe llegó por sorpresa al apartamento de Arturo y lo encontró en la cama con Ramond. Eso la volvió loca -apunta Gabriel Ramírez- La bisexualidad del galán siempre fue un asunto tabú". De modo que sí, podría haber desesperación y despecho, pero por el engaño de los dos hombres y por un hijo no deseado que la ligaría a ellos para siempre.



Su muerte está cubierta con un velo de incógnitas y rumores que, en algunos casos, hicieron de esa tragedia un esperpento. En uno de los capítulos de Hollywood Babylon, un best seller de los años 50, Kenneth Anger sostenía que en realidasd se había encontrado el cadáver de Lupe en el cuarto de baño, ahogada al caer desmayada e introducir la cabeza dentro del inodoro, hasta adonde habría llegado para, arrepentida de su decisión, vomitar las pastillas.



Los testimonios de los policías y el de su secretaria nunca variaron: la habían hallado sobre la cama. Para mayor confusión, hace unos meses Clark Fogg, uno de los autores del libro Beverly Hills Confidential: A Century of Stars, Scandals and Murders, se hizo con el que, afirma, es el único documento gráfico de la tragedia, obtenido de los archivos de uno de los agentes que cubrieron el caso. En la foto se la ve bien arreglada y con gesto sereno, teñida de rubio. tumbada en el suelo y con la cabeza apoyada en un cojín. Si, como parece, es auténtica, ¿por qué mintieron los testigos afirmando que estaba en la cama?



Lo único cierto es que el primer mito latino de Hollywood dejó como legado tantas incógnitas que hoy se la recuerda más por su muerte, que por la estela que dejó en el firmamento del cine.
https://www.mujerhoy.com/corazon/fa...a-estrella-latina-hollywood-763078012014.html
 
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Un post muy jugoso e interesante.

Aporto algunos casos.

Judith Barsi (1978-1988)



Judith Eva Barsi (Valle de San Fernando, California, 6 de junio de 1978 - Canoga Park, California, 25 de julio de 1988) fue una actriz estadounidense. Famosa por sus apariciones tanto en cine y televisión de la década de 1980.

Índice
Biografía[editar]
Primeros años y Éxito en la actuación[editar]
Hija de emigrantes húngaros, fue descubierta casualmente en una pista de patinaje en San Fernando Valley a los 5 años (corría el año de 1983), cuando, debido a su estatura, fue confundida con una niña de unos 3 años. Participó en diversas películas (Tiburón 4: la venganza, El ojo del tigre entre otras), así como en telefilmes y en capítulos aislados de famosas series de televisión de los años 1980 (Cheers, Remington Steele, Cagney y Lacey, y Growing Pains (conocida como ¡Ay, cómo duele crecer! en México y Los problemas crecen en España, por citar algunas).

Problemas familiares[editar]
Pero este éxito tan repentino no le sentó nada bien a su padre, que empezó a sentirse menospreciado porque su hija era más famosa, querida y respetada y ganaba más dinero que él, siendo la principal fuente de ingresos de la familia (en 1987 llegó a ganar unos 100.000 dólares), lo que permitía algunos lujos como una casa nueva. Esta situación lo llevó a darse a la bebida y a volverse cada vez más violento contra su familia (tanto hacia su hija como hacia su mujer), a las que maltrató física y psicológicamente y llegó a amenazar reiteradamente de muerte.

Fallecimiento[editar]

Tumba de Judith Barsi.
Dichas amenazas se materializaron el 25 de julio de 1988,1 cuando la pequeña, de sólo 10 años, recibió un disparo mortal en la cabeza mientras dormía,2 y acto seguido su madre.3 Tras ambos asesinatos, él se encerró en casa durante dos días con ambos cadáveres, al cabo de los cuales, les prendió fuego y se suicidó.4

En su país, será también recordada por prestar su voz a clásicos del cine de animación como En busca del valle encantado (1988) y Todos los perros van al cielo

Filmografía[editar]
Film
Año
Película Rol Notas
1986 Eye of the Tiger Jennifer Matthews
1987 Slam Dance Bean
Jaws: The Revenge Thea Brody
1988 The Land Before Time Ducky voz
1989 All Dogs go to Heaven Anne-Marie voz
Televisión
Año
Titulo Rol Notas
1984 Fatal Vision Kimberly (3 años) miniserie
1985 Kids Don't Tell Jennifer Ryan película de televisión
Do You Remember Love Kathleen Película de televisión
The New Twilight Zone Bertie segmento: "A Little Peace and Quiet"
There Were Times, Dear Molly Reed película de televisión
The Fall Guy Little Girl episodio: "Escape Claus"
1986 Remington Steele Laurie Beth Piper episodio: "Suburban Steele"
Punky Brewster Anna episodios: "Changes" (parte 2)
"Changes" (parte 3)
Cheers Child #1 episodio: "Relief Bartender"
Cagney & Lacey Shauna Bard episodio: "Disenfranchised"
The New Gidget Little Girl episodio: "It’s only rock & roll"
1987 Destination America Amy televisión
1987–1988 The Tracey Ullman Show Karen episodios: 2.3 y 2.17
1988 St. Elsewhere Debbie Oppenheimer episodio: "The Abby Singer Show"
ABC Afterschool Special Billie Foster episodio: "A family again"
1988–1992 Growing Pains Young Carol episodio: "Graduation day"
"The last picture show" (parte 2)
 
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Gia Scala (1934-1972), a esta ya la puse en Actores olvidados.



Gia Scala (3 de marzo de 1934 – 30 de abril de 1972) fue una actriz y modelo británica, famosa en el cine y la televisión estadounidenses en las décadas de 1950 y 1960.

Índice
Biografía[editar]
Scala nació en Liverpool y se crió en Sicilia, trasladándose más adelante a los Estados Unidos para iniciar una carrera en la actuación. Scala rápidamente logró prominencia en el cine de Hollywood, recibiendo aclamación crítica por sus actuaciones en The Garment Jungle (1957) y The Two-Headed Spy (1959), y apareciendo en notables producciones como Alfred Hitchcock Presents(1960) y The Guns of Navarone (1961).1

En la noche del 30 de abril de 1972, Scala, de 38 años, fue encontrada muerta en su vivienda de Hollywood Hills.2 El forense del condado de Los Ángeles, Thomas Noguchi, informó que la causa de su muerte fue una "intoxicación aguda por etanol y barbitúricos".

Las circunstancias que rodearon la muerte de Scala han sido cuestionadas, y algunos creen que fue el resultado de un asesinato o suicidio en lugar de tratarse de una muerte accidental. Su hermana, Tina Scala, nunca creyó que tuviera la intención de quitarse la vida ni que su muerte fuera accidental. Además, Scala fue descubierta desnuda sobre su cama, y se encontraron moretones en su cuerpo y sangre en su almohada. La habitación parecía estar decorada con botellas y vasos de vino sucios, lo cual era sospechoso ya que se sabía que Scala era una persona muy organizada y ordenada. Scala fue enterrada junto a su madre, Eileen O'Sullivan-Scoglio, en el cementerio Holy Cross en Culver City, California.3

Filmografía[editar]

Gia Scala en 1960 en el episodio de Alfred Hitchcock Presents "Mother, May I Go Out to Swim?"
Cine y televisión[editar]
Año Título Rol Notas
1954 Stop the Music
1955 All That Heaven Allows Marguerita
1956 Never Say Goodbye Minnie
1956 The Price of Fear Nina Ferranti Gia Scala
1957 TV- Goodyear Theatre Giovanna
1957 Four Girls in Town Vicki Dauray
1957 The Big Boodle Anita Ferrer
1957 Don't Go Near the Water Melora Alba MGM
1957 The Garment Jungle Theresa Renata
1957 Tip on a Dead Jockey Paquita Heldon
1958 Ride a Crooked Trail Tessa Milotte
1958 The Tunnel of Love Estelle Novick MGM
1958 The Two-Headed Spy Lili Geyr
1959 The Angry Hills Eleftheria
1959 Battle of the Coral Sea Karen Philips
1960 I Aim at the Stars Elizabeth Beyer
1960 TV- Alfred Hitchcock Presents Lottie Rank Mother, May I Go Out to Swim?
1960 TV- The Islanders Rhea Duel of Strangers
1961 The Guns of Navarone Anna
1961 TV – Here's Hollywood Ella misma Episodio 1.154
1961 TV Hong Kong Maria Banda The Runaway
1961 TV Alfred Hitchcock Presents Lisa Talbot Deathmate
1962 Il trionfo di Robin Hood Anna
1964 Operation Delilah Dalida
1964 TV -Alfred Hitchcock Presents Kitty Frazier The Sign of Satan
1964 TV –The Rogues Simone Carnot Take Me to Paris
1965 TV – The Rogues Lisa de Monfort The Laughing Lady of Luxor
1965 TV- Convoy Madeline Duval Passage to Liverpool
1965 TV- Voyage to the Bottom of the Sea Dra. Katya Markova Jonah & the Whale
1965 TV -Twelve O'Clock High Ilka Zradra Rx for a Sick Bird
1965 TV – Run for Your Life Marika Takacs How to Sell Your Soul for Fun & Profit
1966 TV – Jericho Simone DuBray Upbeat & Underground
1967 TV – Tarzan Martha Tolboth The Golden Runaway
1969 TV – The Name of the Game Renata Marino The Inquiry
1969 TV – It Takes a Thief Angel The Artist Is for Framing
 

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Janet Munro (1934-1972)



Janet Munro (28 de septiembre de 1934 - 6 de diciembre de 1972) fue una actriz británica.

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Biografía[editar]
Munro protagonizó tres películas para la Disney. Darby O'Gill and the Little People (1959), Third Man on the Mountain (1959) and Los Robinsones de los mares del sur (1960), así como The Horsemasters (1961), una serie semanal de la misma compañía. Participó en otros títulos como The Trollenberg Terror (1958) y The Day the Earth Caught Fire (1961).

Vida personal[editar]
Nacida como Janet Neilson Horsburgh, hija del comediante Alex Munro y su mujer, Phyllis Robertshaw, en Blackpool en 1934. Se casó dos veces. En enero de 1956 se casó con Tony Wright, pero el matrimonio terminó tres años más tarde en 1959. En 1963 se casó con la ex estrella de los Vengadores, Ian Hendry. La pareja tuvo dos hijas, Sally Hendry y Corrie Hendry. De 1964 a 1968 Munro se retiró de la actuación para criar a sus dos hijas, Sally y Corrie. Se divorciaron en 1971.

Dos matrimonios fallidos, dos abortos involuntarios, alcoholismo, diversos problemas médicos y depresión la colapsó y posteriormente murió el 6 de diciembre de 1972 a la edad de 38 años. Fue incinerada y enterrada en el crematorio Golders Green Crematorio

Muerte[editar]
Murió el 6 de diciembre de 1972 después de enfermar mientras tomaba el té con sus dos hijas en su piso de Kentish Town, Londres. La niñera de las niñas, Elizabeth McGuiness intentó reanimarla pero murió en el camino al hospital. Munro murió de un ataque cardíaco causado por una enfermedad cardíaca isquémica crónica.

Filmografía parcial[editar]
Premios y nominaciones[editar]
BAFTA

  • 1963: Nominada, "Mejor actriz" - Life for Ruth
Globos de oro

  • 1960: Ganadora, "Mejor actriz revelación"
 
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Carl Switzer (1927-1959)


Carl Dean Switzer (7 de agosto de 192721 de enero de 1959) fue un actor infantil, criador profesional de perros y guía de caza de nacionalidad estadounidense, conocido por sus actuaciones en los cortometrajes de La Pandilla, en los cuales encarnaba a Alfalfa, uno de los personajes más populares y recordados de la serie.

Índice
Inicios[editar]
Nacido en Paris (Illinois), era el último de los cuatro hijos de Gladys C. Doerr y G. Frederick Switzer. Él y su hermano mayor, Harold Switzer, se hicieron famosos en su ciudad natal por su talento para las actuaciones musicales, cantando y tocando ambos hermanos diferentes instrumentos.

La Pandilla[editar]

Switzer (derecha) como "Alfalfa" en Our Gang Follies of 1938, con los miembros de La PandillaGeorge McFarland y Darla Hood.
La familia Switzer hizo un viaje a California en 1934 para visitar a unos familiares. Mientras hacían turismo, acabaron llegando a los Estudios Hal Roach. Tras un paseo por las instalaciones, Harold y Carl, con ocho y seis años de edad, entraron en la cafetería del centro, en la cual improvisaron una actuación. El productor Hal Roach quedó impresionado con los niños y los contrató para actuar en La Pandilla. Harold recibió dos motes, "Slim" y "Deadpan," y Carl fue apodado "Alfalfa."1

Los hermanos Switzer actuaron por primera vez en un corto de La Pandilla en 1935, en el titulado Beginner's Luck. Al final del año Alfalfa era uno de los principales personajes de la serie, mientras que Harold más o menos había quedado relegado a un papel secundario.

Aunque Carl Switzer era un experimentado cantante y músico, su personaje Alfalfa a menudo cantaba versiones desafinadas de éxitos contemporáneos, principalmente los de Bing Crosby.1

Hacia finales de 1937, Alfalfa Switzer había superado a George “Spanky” McFarland, la estrella de la serie, en popularidad. Aunque los dos muchachos intentaban continuar, sus padres discutían constantemente sobre el tiempo en pantalla de sus hijos y sus salarios.2 Irónicamente, el mejor amigo de Switzer entre los niños de La Pandilla era Tommy Bond, que interpretaba a su Némesis, "Butch".

Tras vender Hal Roach La Pandilla a Metro-Goldwyn-Mayer en 1938, la mala conducta del ahora adolescente Switzer se hizo aún más extrema.3 La actitud de Switzer impresionó a uno de sus más jóvenes compañeros de La Pandilla, Robert Blake, quien, ya de adulto, se hizo conocido por su actitud iconoclasta.1

Años como adulto[editar]
El período de Switzer en La Pandilla finalizó en 1940, con doce años de edad. Tras ello siguió actuando en el cine en varios papeles de reparto, en filmes como I Love You Again, Going My Way, Courage of Lassie, Qué bello es vivir y el título protagonizado por John Wayne Island in the Sky.1

Sus últimos papeles como protagonista fueron en unas comedias de los años 1946-1947 de los Gas House Kids en las que retomó su caracterización como "Alfalfa". Posteriormente volvió a los papeles de reparto, incluyendo un corto período como el personaje "Alfalfa Johnson" en filmes western de serie B.1

Switzer hizo además un cameo en el musical de 1954 White Christmas, producción protagonizada por Bing Crosby, Danny Kaye, Rosemary Clooney y Vera-Ellen. Además de su trabajo cinematográfico, Switzer también hizo algunas actuaciones televisivas.

Su último papel cinematográfico llegó con el film de 1958 Fugitivos, y su actuación final en TV tuvo lugar en The Roy Rogers Show, donde cantó desafinadamente al estilo "Alfalfa". La difícil reputación de Switzer y su encasillamiento como "Alfalfa" le dificultaron el encontrar trabajos de calidad.1

Vida personal[editar]
A principios de los años cincuenta, Switzer se mudó a Kansas, viviendo y trabajando en una granja en Pretty Prairie, al oeste de Wichita (Kansas). Allí conoció y se casó con Diane Collingwood, heredera de la empresa cerealista Collingwood Grain. El matrimonio duró únicamente cuatro meses, y la pareja tuvo un hijo, Lance.1

En esta época Switzer se dedicó a la cría de perros de caza y a trabajar como guía en expediciones cinegéticas. Entre sus clientes más notables figuraban Roy Rogers, Dale Evansy James Stewart.1

En enero de 1958 sobrevivió a un disparo recibido en el brazo mientras subía a su coche. Nunca fue identificado su agresor.

Fallecimiento[editar]
El 21 de enero de 1959 Switzer tuvo una discusión sobre un perro de caza extraviado y sobre la recompensa ofrecida por él con el dueño del animal, Moses "Bud" Stiltz. Durante la discusión Switzer estaba bebido y peleó con Stiltz, el cual amenazó al actor con un revólver. Switzer intentó acuchillar a Stiltz, el cual le disparó en la ingle. Switzer sufrió una hemorragia masiva y fue declarado muerto al ingresar en el hospital.4

Los hechos fueron muy controvertidos, y hubo varias versiones acerca de los mismos pero, finalmente, la muerte se consideró un homicidio justificado.567

Carl Switzer fue enterrado en el Cementerio Hollywood Forever de Hollywood, California.
 

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