Pintura - Museos - Exposiciones

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¿Qué planes culturales puedo hacer hoy en casa? Domingo 3

Visitantes de British Museum de Londres observan la Piedra Rosetta. GETTY



Arte
El British Museum, aumentado. La tarea titánica de digitalizar los nueve millones de objetos que atesora el British Museum ha avanzado un paso más estos días con la inclusión de 300.000 nuevas imágenes en sus archivos digitales, que suman junto con las que ya existían alrededor de 1,9 millones, todas descargables para usos no comerciales. Entre estas fotografías destaca una imagen en alta resolución de la Piedra Rosetta, uno de los mayores tesoros que se guardan en la institución, que facilita la observación de las inscripciones que se grabaron sobre esta estela de 760 kilos de peso, que permitió descifrar las claves de la escritura jeroglífica egipcia, casi dos siglos antes de Cristo. La colección digital del British, que en estas semanas ha incrementado su tráfico online un 120% con respecto a las mismas fechas el año pasado, se ha enriquecido con otras adiciones como varias imágenes de un Hoa Hakananai’a (las famosas esculturas antropomórficas de la isla de Pascua, realizadas por los Rapanui y datadas entre los años 1000 y 1200); un espectacular pergamino chino de entre los siglos V y VII o el dibujo de 1857 The Death of Breuze sans Pitié, del pintor prerrafaelita Dante Gabriel Rossetti, que fue adquirido el pasado mes de septiembre.

¿Qué planes culturales puedo hacer hoy en casa? Domingo 3

Tres tomos llenos de historietas, un baile contra el machismo y un viaje a EE UU a través del folk y el blues, entre las propuestas para afrontar el encierro

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Lygia Clark, la pintura como experimento
El cierre de los museos ha dejado las grandes exposiciones de la temporada en suspenso. ‘Babelia’ propone una visita virtual de las más destacadas. Hoy: la muestra dedicada a Lygia Clark en el Guggenheim de Bilbao


ÁNGELES GARCÍA
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2 MAY 2020

'Composición' (1953), de Lygia Clark. © CORTESÍA ASOCIACIÓN CULTURAL THE WORLD OF LYGIA CLARK



Los primeros años de creatividad de un artista suelen estar considerados como un tiempo de ensayo y aproximación a lo que será la base de la obra definitiva. Es un tiempo en el que algunos apuntalan los cimientos sobre los que experimentar hacia territorios sin explorar. En el caso de la brasileña Lygia Clark (Belo Horizonte, 1920-Río de Janeiro, 1988), la primera década de su carrera, entre 1948 y 1958, constituye una precisa radiografía de lo que llegaría a convertirla en una de las artistas más importantes del siglo XX como figura clave del concretismo y la abstracción geométrica. Esta es la etapa que abarca la exposición Lygia Clark. La pintura como campo experimental, 1948−1958, que se inauguró en el Guggenheim de Bilbao el pasado 6 de marzo, nueve días antes de la implantación del estado de alarma, el 15 de marzo. El director, Juan Ignacio Vidarte, ha anunciado que, en cuanto puedan reabrir los museos, el Guggenheim lo hará con las mismas exposiciones que tenía en cartel. Además de la de Lygia Clar volverán Olafur Eliasson, Richard Artschwager y la videoinstalación de William Kentridge.


La comisaria Geaninne Gutiérrez-Guimarães ha dividido la exposición en tres grandes apartados en los que se revisa a fondo la primera década creativa de una artista autodidacta que estuvo siempre alejada del mundo académico pero muy próxima a los espíritus más innovadores de su época, tanto dentro como fuera de Brasil.

En el arranque se exhiben las obras inspiradas en su estancia y aprendizaje en París. Hay dibujos al carboncillo y pinturas al óleo. El retrato de la pianista Angélica de Rezende preside un espacio en el que predominan los bodegones y los interiores domésticos.

La exposición avanza con las series realizadas a partir de su vinculación al Grupo Frente en Río de Janeiro en 1954, junto a Aluísio Carvão, Willys de Castro, Hélio Oiticica, Lygia Pape e Ivan Serpa. Como sus colegas europeos, el grupo hizo suyas las formas puras y la objetividad frente al naturalismo y la figuración. Las piezas más relevantes de este segundo bloque son Descubrimiento de la línea orgánica (1954), Rompiendo el marco (1954) y Maquetas para interior (1955). Gutiérrez-Guimarães ha querido cerrar la exposición con un viaje al blanco y negro, a finales de los 50, durante el que la artista se entregó a una precisa investigación de la forma pictórica creando grandes composiciones bidimensionales a base de planos positivos y negativos. Expuestas en la Bienal de Venecia de 1968, estas series están consideradas como la semilla más relevante en la obra posterior de una artista que a partir de los sesenta decidió adentrarse en propuestas de carácter performativo y de investigación sensorial.


Primer vistazo: Recorrido por las salas de la exposición Lygia Clark. La pintura como campo experimental, 1948−1958.

Lygia Clark, la pintura como experimento

El cierre de los museos ha dejado las grandes exposiciones de la temporada en suspenso. ‘Babelia’ propone una visita virtual de las más destacadas. Hoy la muestra dedicada a Lygia Clark en el Guggenheim de Bilbao

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SE ESPERA QUE SE TERMINE EN 2026
Así puedes visitar la Sagrada Familia sin salir de casa
En estos días de confinamiento puedes disfrutar de la joya más maravillosa de Barcelona sin tener que esperar colas ni arriesgarte a pillar el Covid-19

Turistas con máscaras frente a la Sagrada Familia. (REUTERS)



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ADA NUÑO
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ARTE
15/04/2020


Cuando Antoni Gaudí comenzó a diseñar la Sagrada Familia, que comenzaría a construirse en 1882, probablemente no esperaba que en 2020 todavía se encontrase inacabada. Tampoco que, por culpa del coronavirus, las habituales hordas de gente que siempre se encuentran ante sus puertas desapareciesen de improviso. A día de hoy permanece cerrada, esperando que lleguen tiempos mejores.

Decía el propio Gaudí que en la Sagrada Familia todo es providencial, pues se encuentra el templo a la misma distancia del mar que de la montaña. Una de las maravillas de Barcelona, y su principal atracción turística (con permiso del parque Güell, La Boqueria, el Tibidabo o Montjuic) no podía permanecer cerrada, con sus tesoros escondidos. Es por eso que, siguiendo la estela de otras iniciativas empezadas por el Museo Louvre en París, el Hermitage en San Petersburgo o la Acrópolis de Atenas, también se puede visitar. Eso sí, de manera virtual.

Las fachadas
Según cuentan, Gaudí quería que la Sagrada Familia fuera como una gran 'Biblia de Piedra'. Recoge Isidre Puig Boada en 'El pensamiento de Gaudí' que la fachada de la Pasión (la primera que se puede visitar), debía ser extravagante, hasta el punto de llegar incluso a dar miedo, utilizando para ello el clarooscuro, los vaciados y los elementos salientes. Este es el resultado, que ahora puedes ver sin moverte desde casa.

Captura de la visita virtual.



Por otro lado, también podemos ver la Fachada del Nacimiento, donde se narran los principales acontecimientos de la infancia de Jesús. Ha sido declarada 'Patrimonio de la Humanidad' por la UNESCO. Las esculturas que hay en esta fachada se hicieron empleando la técnica del enmoldado. Además, fuede los únicos elementos que se construyeron mientras Gaudí vivía.

El interior
Una curiosidad, no hay ni una sola línea recta en el interior de la Sagrada Familia: todo está construido imitando la naturaleza. Las columnas que sostienen el templo pretenden emular a árboles que se alzan del suelo al techo. Además del interior, también es posible visitar el Ábside, el Claustro del Rosario y la Sacristía de Poniente.

Imagen del Ábside, con personas incluidas.


La cripta
Junto con la Fachada del Nacimiento, fue construida cuando Gaudí aún vivía, y él se encuentra enterrado en una de sus capillas. Su diseño original era obra de Francisco de Paula del Villar y Lozano, a quien Antoni reemplazó como arquitecto principal del templo.

Tumba de Gaudí
Como habrás oído en miles de ocasiones, Gaudí murió a los 74 años, tras ser atropellado por un tranvía, concretamente en 1926. Además, por su aspecto descuidado le confundieron con un mendigo y no acudieron a ayudarle. Como antes señalábamos, su cuerpo descansa en la capilla de la Virgen del Carmen. Aunque no pudo ver la Sagrada Familia terminada (y, por ahora, nosotros tampoco), tuvo grandes ideas las cuales apuntó y que, desgraciadamente, fueron quemadas durante la Guerra Civil.

Cuando se termine, la sagrada familia contará con 18 torres. Se preveía que fuera en 2026, cuando justo se cumplían 100 años de la muerte de Gaudí. ¿Será posible? Lo único cierto es que por ahora podemos disfrutar de ella de manera virtual, igual que de las atracciones de Disneyland París, los mejores museos del mundo o las pirámides de Egipto. Lo que sea para olvidarnos, durante un rato, de la coyuntura que atravesamos en la actualidad.
Si te has quedado con ganas de hacer una visita completa a la Sagrada Familia sin moverte de casa, solo tienes que entrar en la web de la Sagrada Familia o pinchar aquí para ver, por fuera y por dentro, una de las maravillas arquitectónicas del mundo.

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En estos días de confinamiento puedes disfrutar de la joya más maravillosa de Barcelona sin tener que esperar colas ni arriesgarte a pillar el Covid-19

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¿Qué planes culturales puedo hacer hoy en casa?

Detalle de 'My collection', 2007, obra de Joan Rabascall.



Una reflexión sobre el papel de los medios. El artista barcelonés Joan Rabascall (1935) es uno de los fundadores del colectivo Arte Sociológico, un movimiento surgido en París en el año 1974 en torno a la reflexión sobre el papel que los medios ejercen en el contexto de la sociedad. Rabascall, que vive en la capital francesa desde 1962, ha trabajado a lo largo de su carrera en dar forma a obras cargadas de crítica social que se valen de soportes variados como el collage, la fotografía, las instalaciones y el vídeo. La manipulación por medio de los mensajes y las imágenes que recibimos día a día desde los frentes de la publicidad, los periódicos y, sobre todo, la televisión se sitúa en el corazón de la propuesta artística de Rabascall, que late con el impulso de la ironía y el humor como claves para transmitir ideas. Este pasado febrero, la Tabacalera inauguraba Tout va bien, la primera retrospectiva de este creador en Madrid, casi 180 obras desde 1964 hasta la actualidad que todavía se pueden visitar virtualmente a través de la página web de la institución. Además, el centro de arte contemporáneo también ha subido otras visitas virtuales a muestras como Technical Images, de Almudena Lobera, Mujeres fotógrafas. Una historia contada a medias y Flores, de Pedro Almodóvar y Jorge Galindo.

https://elpais.com/cultura/2020-05-04/que-planes-culturales-puedo-hacer-hoy-en-casa-lunes-4.html

 

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Las estatuas de Florencia toman la palabra en una ciudad vacía por el coronavirus: «Nos veremos pronto»
Un vídeo patrocinado por el Ayuntamiento de la capital toscana las ha hecho «hablar» para lanzar un mensaje de esperanza frente a la pandemia

La estatua del arquitecto Filippo Brunelleschi, en Florencia - ABC



ROMA Actualizado:29/04/2020


Las centenarias esculturas del David o Dante ven por primera vez su Florencia natal completamente desierta a causa de la pandemia, y en un vídeo las han hecho "hablar" para loar la belleza de esta ciudad única y lanzar un mensaje de esperanza.

El vídeo, patrocinado por el ayuntamiento florentino entre otras instituciones, se titula "To humans, from Florence" (A los humanos, desde Florencia) y, pocos días de su lanzamiento, se ha vuelto viral en las redes sociales. La idea del estudio Riprese Firenze era narrar la ciudad vacía a través de la nostalgia que provocan las estatuas, solas en las plazas, calles y puentes de la capital toscana por la ausencia de turistas y vecinos.







"Qué extraño este silencio, hacía años que no lo percibía, las calles desiertas, las persianas caídas. Jamás habría pensado decir algo así pero echo en falta esos frágiles hombrecillos", reconocen apesadumbradas las esculturas al comienzo del metraje. La escultura de Filippo Brunelleschi recuerda a los turistas que antes de la crisis del coronavirus admiraban toda la ciudad desde lo alto de la imponente cúpula que creó para la catedral hace este año exactamente seis siglos.

También expresan su incredulidad las estatuas de la céntrica plaza de la Signoria, como la réplica del David de Miguel Ángel, el Perseo de bronce que, triunfante, sujeta la cabeza de la Gorgona Medusa o el Neptuno y sus tritones que coronan su fuente. El busto del artista Benvenuto Cellini espera desde el Ponte Vecchio la vuelta de los enamorados y el Gran Duque Ferdinando I, desde su caballo, confiesa que echa en falta a los niños que cuentan las abejas que decoran su pedestal.

Acervo cultural

El gran Dante Alighieri recomienda leer poesía y reflexionar sobre el amor durante el confinamiento pues, asegura, cuando la gente vuelva a recorrer las históricas calles de Florencia sus estatuas y su inmenso acervo cultural seguirán ahí, esperando. El director del vídeo, Matteo Gazzarri, explica que su intención era "construir una historia para emocionar" y acercar la ciudad a todo el mundo en estos momentos de pandemia. Porque Florencia, cuyo casco histórico es patrimonio de la UNESCO desde 1982, es a su juicio "para todos, florentinos de nacimiento o de adopción, toscanos, italianos y extranjeros".

El vídeo se despide con un último repaso a la capital del Renacimiento y con un deseo: "Nos veremos pronto", una vez que la normalidad empiece a asentarse en un país, Italia, especialmente golpeado por el coronavirus, con más de 200.000 contagios y más de 27.000 muertos, sobre todo en el norte.

Las estatuas de Florencia toman la palabra en una ciudad vacía por el coronavirus: «Nos veremos pronto»

Un vídeo patrocinado por el Ayuntamiento de la capital toscana las ha hecho «hablar» para lanzar un mensaje de esperanza frente a la pandemia

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Banksy homenajea al personal sanitario y su lucha contra el coronavirus
El artista de Bristol dibuja a un niño que elige como juguete una enfermera con capa en lugar de Spiderman o Batman

SILVIA HERNANDO
Madrid - 07 MAY 2020








No todos los héroes llevan capa pero, si hace falta, Banksy se la dibuja. El artista urbano más famoso del mundo, a pesar de que no se conoce su identidad, dejó anteayer sobre las paredes de un hospital de Southampton, al sur de Inglaterra, su particular homenaje al personal sanitario que está luchando en primera línea contra la covid-19.

Esta vez no se trataba de uno de sus grafitis cargados de una ácida crítica social, sino de un pequeño cuadro con su marco incluido: una entrañable pieza dibujada al carboncillo que representa a un niño jugando con una muñeca enfermera, mientras los forzudos Batman y Spiderman, inútiles en esta crisis que asola el planeta, aparecen tirados en una papelera. La obra, titulada Game Changer (un juego de palabras en inglés que se refiere al papel crucial de los profesionales de la salud y a que el niño ha cambiado de juguete), ha sido autentificada por el propio artista, que siempre lleva a cabo ese proceso colgando fotos de sus trabajos en su web.

“Gracias por todo lo que estáis haciendo. Espero que esto ilumine un poco este lugar, aunque esté hecho en blanco y negro”, ha dejado escrito el artista, que hace solo unas semanas, en plena cuarentena, presentó en sus redes sociales su primera obra confinada: unos ratones pintados sobre las paredes de su baño, juguetones roedores que se suben a sus rollos de papel higiénico, saltan de un toallero a otro y orinan en su sanitario. “Mi mujer odia que trabaje en casa”, apuntó con sorna el artista, que tiene 8,6 millones de seguidores en Instagram.

Además de sentido del humor, las obras de Banksy despliegan casi siempre un fuerte sentido de la justicia social. Lo mismo que sus acciones; antes de hacer este regalo al hospital de Southampton, el artista ha demostrado a lo largo de su carrera su compromiso con numerosas causas: desde el conflicto entre Palestina e Israel (en 2017, abrió un hotel en la ciudad de Belén, frente al muro que divide la zona de Cisjordania) al problema de la migración en Europa, la crisis financiera y las desigualdades, temas que ha tratado artísticamente en muchos de sus trabajos.

https://elpais.com/cultura/2020-05-07/banksy-homenajea-al-personal-sanitario-en-su-ultima-obra.html

 

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El mundo del arte, indignado con el ministro de Cultura por su «falta de sensibilidad y respeto» y su «desconocimiento del sector»

En un carta remitida hoy a Rodríguez Uribes, la Mesa Sectorial del Arte Contemporáneo le recrimina que otros sectores culturales «se han visto más y mejor apoyados»
En la dura misiva, lamentan la desaparición de la Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes

José Manuel Rodríguez Uribes, ministro de Cultura - DE SAN BERNARDO

Natividad Pulido
SEGUIRMADRID Actualizado:08/05/2020


Con decepción y estupor ha recibido el sector del arte contemporáneo el Real Decreto de ayudas del Gobierno al mundo del arte. Las seis asociaciones que componen la Mesa Sectorial del Arte Contemporáneo han dirigido hoy una carta abierta al ministro de Cultura, José Manuel Rodríguez Uribes, en la que muestran su indignación ante unas medidas que consideran ridículas, comparándolas con las que ya se han puesto en marcha desde numerosas comunidades autónomas y ayuntamientos. La cantidad de un millón de euros para las artes plásticas y visuales es claramente insuficiente para las necesidades y la dimensión del sector.

Reproducimos, a continuación, la carta íntegra:

«Una vez más nos dirigimos a usted desde la Mesa Sectorial del Arte Contemporáneo, esta vez por la sorpresa y el estupor que nos ha causado leer el Real Decreto Ley 17/2020 de 5 de Mayo. La falta de sensibilidad para con el sector de las artes plásticas y visuales en este país, que según los datos que aparecen en el propio RDL es el tercero en aporte económico al PIB cultural, nos parece que demuestra no sólo una falta de respeto para con los profesionales, instituciones públicas y privadas, empresas y, sobre todo, artistas de este sector, sino también un profundo desconocimiento del arte contemporáneo como elemento fundamental de cohesión y proyección de nuestra cultura y de nuestra identidad como nación.

Las seis asociaciones que componemos esta Mesa Sectorial, Asociación de Directoras y Directores de Arte Contemporáneo de España (ADACE), Consorcio de Galerías de Arte Contemporáneo, Federación Estatal de Asociaciones de Gestores Culturales (FEAGC), Instituto de Arte Contemporáneo (IAC), Mujeres en las Artes Visuales (MAV) y Unión de Artistas Contemporáneos de España (Unión_AC), reunimos una importante representación del sector de las artes visuales, con presencia activa en todos los ámbitos relacionados (gestión, mercado del arte, instituciones, artistas, docentes, crítica de arte e investigación, etc.) y desde el principio hemos demostrado nuestra disposición a colaborar con su ministerio siempre que se nos ha convocado.

Hemos contribuido, de una manera leal y comprometida, durante este tiempo de crisis provocada por la pandemia, a aportar datos y evaluación de daños, propuestas de medidas, información esencial procedente de los propios profesionales del sector para que su ministerio pudiese reaccionar de la forma más eficaz y conveniente a paliar el dramático impacto que esta situación excepcional está provocando. Sin embargo, nos encontramos con que no se han tenido suficientemente en cuenta nuestras reivindicaciones, nacidas de la necesidad y la precariedad en que estas circunstancias están afectando a un sector ya de por sí muy débil, y se nos ofrece una ayuda mínima y de todo punto insuficiente para paliar esta crisis, sobre todo comparada con otros sectores que se han visto más y mejor apoyados. Nuestro descontento se convierte en indignación cuando comparamos las medidas y el espacio, en el capítulo 4, referido a nuestro sector con las medidas de los capítulos 2 y 3 (1 millón de euros para las artes plásticas y visuales frente a más de 51 para las artes escénicas y la música, sólo por poner un ejemplo). Y por supuesto sobra decir que la cultura la hacemos entre tod@s, y que no es nuestra intención rebatir las merecidas y necesarias medidas de apoyo al sector del libro, de la música, del cine y de las artes escénicas.

Es evidente que desde el Ministerio de Cultura, y por ende, desde la Dirección General de Bellas Artes, se han tenido en cuenta nuestras demandas de una manera muy limitada, y las medidas propuestas nos parecen ridículas comparándolas con las que ya se han puesto en marcha desde numerosas comunidades autónomas y ayuntamientos. Teniendo en cuenta cómo se ha desarrollado su atención por este sector, nos hace pensar en una falta de sensibilidad para las artes visuales que tanto tienen que ver con la esencia de nuestra cultura, de nuestro turismo, de nuestra actividad profesional y, en definitiva, de nuestra economía, así como un desconocimiento de nuestro sector y de las numerosas pequeñas empresas transversales que lo conforman y que suponen un aporte fundamental a nuestra economía.

Qué sería de España si no existiesen artistas como Esther Ferrer o Concha Jerez, artistas premiadas con el Velázquez; o los pintores Luis Gordillo, Medalla de Oro al Mérito a las Bellas Artes, o el académico Antonio López, ferias de arte como ARCO o Just Madrid, museos como Artium, el Reina Sofía o el CAAC en Sevilla, galeristas, comisarios, investigadores, artistas emergentes, coordinadores de proyectos, empresas de transporte, de diseño, etc. Tantas personas que trabajan y aportan su alma para que el arte no desaparezca y forme parte del alimento espiritual de la sociedad.

A todo esto, y para nuestra sorpresa, se une la modificación de la estructura orgánica de la Dirección General de Bellas Artes realizada en estos últimos días, que supone la desaparición de la Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes, lo que implica que el arte contemporáneo aparezca desdibujado en una escueta línea en el BOE del 7 de mayo de 2020. Consideramos que el Ministerio ha perdido una oportunidad excelente para crear una Dirección General que realmente sirva para fortalecer y proteger a uno de los sectores que más está sufriendo esta crisis: el del arte y la cultura viva.
Por todo ello, solicitamos, en cualquier caso, la participación en el desarrollo y seguimiento de las medidas y distribución del millón de euros anunciado y solicitamos que, como han hecho las Comunidades Autónomas, vinculen claramente el escaso medio millón destinado a adquisiciones de obras de arte de artistas contemporáneos al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, cumpliendo escrupulosamente con la paridad y los criterios de género, según el artículo 26 de la Ley de Igualdad.

Como se indica en el texto del RDL y en nuestra Constitución, la función de los poderes públicos “es la de favorecer que los verdaderos protagonistas del hecho cultural, los profesionales, cuenten con los medios necesarios para garantizar el derecho contenido en nuestra Carta Magna. Nuestra Constitución entiende la cultura no como un lujo dirigido a las élites, sino como un eje vertebrador de la sociedad democrática”. Si su obligación desde el Ministerio de Cultura es “garantizar la supervivencia de las estructuras culturales, y de los trabajadores y empresas que se dedican al sector; para así hacer efectivo el derecho de acceso a la cultura”, las medidas adoptadas en este RDL demuestran ante nuestro sector que no están cumpliendo con el deber que les asigna nuestra Constitución. A este desplante hacia el sector de las artes visuales se suman los comentarios de que la enseñanza artística va a quedar relegada en la nueva ley de educación que el gobierno está elaborando.

Así, nos permitimos recordarle algunas medidas que ya habíamos expuesto en anteriores documentos que les habíamos hecho llegar, con propuestas de medidas urgentes, como:

• Aumento de las subvenciones nominativas a museos y centros de arte contemporáneo, especialmente a aquellos de relevancia que no reciben ninguna.
• Línea de ayudas a galerías para posibilitar la reapertura y mantenimiento de las mismas.
• Un plan nacional de ayudas directas para artistas en forma de becas de creación/investigación artística, dotado con un fondo de 2.000.000 €, con un proceso de selección que cuente con una comisión técnica y paritaria de profesionales siguiendo las buenas prácticas y transparencia pública.
• Creación con carácter estable de un Consejo Sectorial como canal de comunicación, compuesto por representantes de las Asociaciones Profesionales y del Ministerio de Cultura, que vele por el desarrollo y cumplimiento de las medidas previstas, las buenas prácticas, la transparencia y el cumplimiento de la ley de igualdad.
• Contar con personas expertas en género para que se apliquen criterios de igualdad en el desarrollo y proceso de creación y desarrollo de ayudas, subvenciones, encargos y compras de obras de arte.

Una vez más, reclamamos que rectifiquen, reconsideren dichas medidas, que escuchen a los/las profesionales de las artes plásticas, que cumplan con su cometido de apoyar a este sector, y que tengan en cuenta que siempre nos hemos puesto a su disposición para construir juntos esa estructura fuerte que permita al sector de las artes mantenerse y subsistir. Tarea esta última en la que una renta básica mejoraría las condiciones en la que se desenvuelven artistas y profesionales del arte.
Le agradeceremos nos indique una fecha en la que podamos volver a reunirnos para solucionar este problema».

El mundo del arte, indignado con el ministro de Cultura por su «falta de sensibilidad y respeto» y su «desconocimiento del sector»

En un carta remitida hoy a Rodríguez Uribes, la Mesa Sectorial del Arte Contemporáneo le recrimina que otros sectores culturales «se han visto más y mejor apoyados»

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Las galerías se colocan en sus puestos de salida
Los espacios dedicados a la venta de arte, que podían abrir con cita previa desde la fase cero, van incorporándose a su actividad a un ritmo desigual

Una obra de la exposición 'América', de Fernando García.GALERÍA HEINRICH EHRHARDT



SILVIA HERNANDO
Madrid - 11 MAY 2020

Deseosas de recuperar el pulso de la normalidad, las galerías de arte se preparan para la reapertura con tantas ganas como cautela. Durante el confinamiento, desde parte del sector se ha venido reclamando que, a la hora de la desescalada, fueran consideradas pequeños comercios y se acogieran a las primeras fases para poder abrir cuanto antes. Y así ha sido. Al inicio de la fase cero, las galerías, como ocurrió con las librerías, ya podían abrir sus locales para recibir con cita previa a sus clientes. Aunque algunas, muy pocas, comenzaron a atender a compradores (una de ellas es, por ejemplo, la madrileña Guillermo de Osma), la mayoría han permanecido cerradas hasta ahora a la espera de pasar, al menos, a la fase 1, algo que finalmente no ha ocurrido ni en Madrid ni Barcelona, las ciudades que más cantidad de estos espacios concentran.

Dado que, además, los lunes suelen ser el día de descanso semanal de este tipo de negocios (al igual que el de los museos), nadie esperaba que este día 11 fuera a convertirse en la gran fiesta del regreso a la rutina del mundo del arte. “Si no se pasa de fase, muchas galerías no van a abrir”, comentaba la semana pasada [antes de conocerse qué territorios avanzaban hacia el desconfinamiento] Juan Silió, presidente del Consorcio de Galerías de Españay dueño de dos espacios, uno en Madrid y otro en Santander, que ya recibió a un coleccionista en su local de Cantabria la semana pasada. Esta comunidad autónoma es la primera que verá reabrir un gran espacio de arte: el día 12, martes, vuelve a ponerse en funcionamiento el Centro Botín de la capital.

Cada cual con sus propios medios y en las fechas que ellos mismos decidan, de acuerdo a sus propios ritmos y necesidades, las galerías irán informando a sus clientes y seguidores de las fechas y condiciones de la reapertura por medio de correos electrónicos y mensajes en webs y redes sociales. “Esta semana nos disponemos a prepararlo. [Cuando abramos], nuestra idea es tener jornada continua para evitar que el personal tenga que tomar transporte varias veces al día”, explica Angustias Freijo, de la madrileña Galería Freijo. “También, debido a la superficie de la galería [el espacio tiene dos plantas de 180 y 200 metros cuadrados, respectivamente] nos podemos permitir incorporar a un becario de prácticas, dado que puede trabajar en el área de la planta superior en la biblioteca manteniendo en todo momento más de dos metros de distancia”. A partir de los 400 metros cuadrados, las galerías han de esperar a la fase 2 para retomar la actividad.

“¡De regreso! / We are back!”, escribía este pasado domingo en un correo electrónico para todos sus contactos la galería Fernando Pradilla, que desde el lunes 11 atenderá a sus clientes con cita previa. “Nuestra intención es mantener la programación expositiva que teníamos prevista, presentando sin inauguración, a partir del 4 de junio, la exposición individual del artista español Juan Francisco Casas Non piangere, que tuvo que ser aplazada”, explican. Las fiestas con las que habitualmente se dan por inauguradas las muestras, con sus reuniones de coleccionistas, profesionales y amantes del arte en torno a las obras y unas copas de vino, todavía tendrán que esperar.

Salvar la temporada
Con la abrupta llegada de la cuarentena, muchos espacios se vieron obligados a cerrar con las exposiciones apenas estrenadas. Por eso, como dice Pep Anton Clua, de la galería madrileña Silvestre, muchos van a intentar hacer “de la necesidad virtud” y “estirarán” esas muestras hasta finales de julio [la temporada suele terminar a mediados]. Dado que la capacidad de viajar está limitada, la otra opción posible –por la que ellos se decantarán– es la de “tirar de colectivas”, bien con fondos del almacén u obras de artistas locales. “La idea es acabar la temporada abiertos”, subraya el galerista, que se declara “con muchas ganas” de recuperar la cotidianidad aunque aún no tiene decidida la fecha de reapertura, que podría ser hacia finales de mayo. “Estamos a la expectativa, podría ser incluso en la fase 2”, explicaba el galerista la semana pasada. “No esperamos una locura de ventas, pero por lo menos sí terminar la temporada con alegría”.

El montaje de obras, especialmente para los negocios que se planteen reabrir con exposiciones nuevas, es otra de las dificultades a tener en cuenta. Lo mismo que el abastecimiento de geles, mascarillas y demás medidas sanitarias. “Contamos con todas las medidas de seguridad”, aseguran desde la galería Formato Cómodo, que volverá a partir del martes 12 con la misma exposición que tenían al cierre el pasado marzo. Mientras que galerías comoHeinrich Ehrhardt, en Madrid, confiaban su decisión a un paso a la fase 1 que finalmente no se concretó; otras, como Fernández Braso, también en la capital, prefieren esperar a que avancen los acontecimientos. “No te creas que todo depende de Fase 1 o cero, no es tan importante para nosotros”, explica Manuel Fernández-Braso. “Nos tomaremos el mes de mayo con mucha calma independientemente de la fase, por varias razones: por precaución, por responsabilidad social y porque todavía no hay ánimo y confianza suficiente para que se dé lo más importante: que el visitante disfrute de la exposición sin interferencias nocivas pero inevitables en estos momentos”.

Àlex Nogueras, presidente de Art Barcelona, la asociación que reúne a una treintena de estos espacios de la ciudad, asegura que las que han empezado a funcionar allí lo han hecho a puerta cerrada [a partir del 11 abrirán un 60% de estos espacios] y siguen utilizando los canales que proporcionan plataformas online como Koyac o la propia web de cada galería, que han posibilitado vender incluso con la persiana bajada. Por su parte, el Gremi de Galeries d’Art de Catalunya, que aglutina a otras 40 galerías, anunció el pasado martes que todas ellas abrirían el día 11, coincidiendo con la apertura de los museos que permitiría el pase de la fase 0 a la 1 de la desescalada, algo que al final no se ha producido, al considerar el Ministerio de Sanidad que no se reunían las condiciones en parte del territorio catalán, informa José Ángel Montañés.

Las galerías se colocan en sus puestos de salida

Los espacios dedicados a la venta de arte, que podían abrir con cita previa desde la fase cero, van incorporándose a su actividad a un ritmo desigual

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Los Museos Vaticanos medirán la temperatura y abrirán con reserva previa para grupos reducidos
El objetivo, imposible de alcanzar a estas alturas, sería volver a la vida el próximo 18 de mayo

Una de las Estancias Vaticanas pintadas por Rafael - MUSEOS VATICANOS




Juan Vicente Boo. CORRESPONSAL EN EL VATICANO
12/05/2020


Los Museos Vaticanos reabrirán sus puertas en condiciones de seguridad sanitaria total basada en termo escáneres para controlar la temperatura de visitantes y empleados, separación amplia entre personas, grupos pequeños y uso universal de guantes y mascarillas, que se entregarán a la entrada, según ha adelantado el obispo salmantino Fernando Vérgez Alzaga, secretario general de la Gobernación del Estado del Vaticano.
El cierre de los Museos, que reciben siete millones de visitantes al año, es un desastre económico para el pequeño Estado, pues constituye su principal fuente de ingresos. Y, por supuesto, una situación dolorosa para los amantes del arte. El objetivo, imposible de alcanzar a estas alturas, sería volver a la vida el próximo 18 de mayo, fecha de reapertura de los museos italianos, pero solo en condiciones de total seguridad.

Para evitar colas a la entrada y repartir la presencia de personas a lo largo del día, las visitas solo podrán realizarse con reserva previa. Según Vérgez Alzaga, “en la confirmación de la reserva y en la pagina web podrán encontrarse todas las indicaciones necesarias”. En estos dos meses se han multiplicado las visitas virtuales a la pagina web (www.museivaticani.va), pero esa experiencia no es mínimamente comparable a caminar por las salas y ver de cerca obras de arte únicas.
Lo malo es que, sin vuelos internacionales, y con la movilidad limitada a la propia región italiana, los potenciales visitantes se limitan a los ciudadanos de Roma y del Lacio. Al secretario general del Estado Vaticano le gustaría “que este momento de dificultad se transformase en una oportunidad” para los romanos. Durante los dos meses de cierre, de los casi mil empleados de los Museos Vaticanos -en buena parte vigilantes de sala-, solo han estado trabajando una treintena de especialistas en conservación y técnicos de mantenimiento.

Los Museos Vaticanos medirán la temperatura y abrirán con reserva previa para grupos reducidos

El objetivo, imposible de alcanzar a estas alturas, sería volver a la vida el próximo 18 de mayo

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El MoMA toma cartas en la batalla para salvar los murales de Picasso en Oslo

Trabajadores del museo neoyorquino han escrito una misiva al Gobierno noruego reclamando que reconsideren la demolición del edificio

«Los pescadores», mural que se halla en un edificio de Oslo, realizado por el artista noruego Carl Nesjar basándose en unos dibujos de Pablo Picasso - ABC




ABC.esOSLO Actualizado:13/05/2020


El 22 de julio de 2011, Anders Behring Breivik cometió un doble atentado: primero hizo estallar una bomba en un complejo gubernamental de Oslo y luego en el campamento de las Juventudes Laboristas en la isla de Utøya, causando en total 77 muertes. El artefacto explosivo dañó gravemente el complejo gubernamental, con murales de Pablo Picasso. El edificio central y el «Bloque Y» contienen cinco murales fruto de la colaboración entre Picasso, autor de los diseños, y el noruego Carl Nesjar, hechos con la técnica de chorro de arena y considerados los primeros de carácter monumental ideados por el artista español.


El Gobierno quería derribar toda la edificación pero, tras fuertes críticas de varios organismos, anunció hace unos años el proyecto definitivo, que incluye preservar el edificio central y demoler el «Bloque Y», que fue propuesto meses antes para la lista de patrimonio nacional.
El Ayuntamiento de Oslo dio luz verde al proyecto, pero faltaban por resolver las reclamaciones presentadas por colegios de arquitectos y grupos de conservación del patrimonio al gobernador antes de iniciar la demolición y el traslado de los murales.

Según publican algunos medios noruegos, trabajadores del MoMA de Nueva York habrían escrito una carta al primer ministro noruego, Erna Solberg, y al ministro de medio ambiente, Sveinung Rotevatn, en la que muestran su preocupación por la demolición del edificio pidiéndoles que «reconsideren la decisión», pues no solo constituiría una pérdida significativa del patrimonio arquitectónico noruego, sino que sería muy difícil salvar los murales para colocarlos en otro lugar.

Al parecer, ya han comenzado a perforar el edificio. «Es preocupante ya que una vez que comiencen a mover el mural, se romperá. Nadie ha explicado cómo lo harán. El arte es la pared», dice Gro Nesjar Greve, la hija de Carl Nesjar, a «The Art Newspaper».
Mientras tanto, una petición que exige la preservación del Bloque Y de Oslo ha cosechado más de 47.000 firmas. «Justo antes del ataque [terrorista] en 2011, la Dirección del Patrimonio Cultural estaba a punto de proteger ambos edificios. Los expertos, dentro y fuera de Noruega, constatan su valor inconmensurable e intentan convencer al gobierno de que detenga los planes de demolición. Sin ningún éxito«, dice la petición, que fue lanzada por un grupo local.

Voces en contra del derribo
A finales del año pasado, el gobernador provincial de Oslo, última instancia en el proceso administrativo, pidió al Gobierno reconsiderar el derribo. «A pesar de que ahora hay una decisión jurídica final que permite el derribo, lamentaría mucho una rápida e irreparable implementación de la misma sin que el ministerio o el gobierno haga un nuevo análisis de las sólidas objeciones», constaba en el texto. El fallo al que hace referencia rechaza las quejas sobre un deficiente estudio del impacto medioambiental y la invalidez del plan porque el derribo se ajusta a la normativa y el gobernador no tiene autoridad para anular un proyecto estatal, aunque ha pedido estudiar de nuevo el caso.

El dictamen aludía a la oposición de las oficinas de defensa del patrimonio de Noruega y Oslo, colegios de arquitectos, la comisión noruega para la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco); el Consejo Internacional de Monumentos y Sitios (ICOMOS) y Europa Nostra.
«Estoy contenta de que el gobernador confirme que el derribo es válido y que ahora podamos seguir con el plan de construir un nuevo complejo abierto, seguro y verde», señalaba entonces la ministra de Administración Local, Monica Mæland, quien rechazó que haya argumentos nuevos para hacer otro estudio.

Una gran tragedia
Colectivos culturales noruegos calificaban el derribo de «tragedia» y como la «pérdida» más grande para la cultura noruega desde 1945, y alertaban del riesgo de daño de los murales. Se mostraban muy críticos con la decisión de almacenarlos cinco años en cajas cerradas hasta que sean colocados en alguno de los nuevos edificios del complejo. «Son un ejemplo de arte integrado. El arte está integrado en la ciudad, es una parte de nuestra cultura. Cuando arte y arquitectura se separan dejan de ser lo que eran», explicaba a Efe Kristin Notø, de la Oficina de Patrimonio de Oslo.
Para intentar preservarlo, Notø, junto a Maria Zachariassen, comenzaron una serie de sentadas semanales frente al edificio. Además, crearon una petición en change.org apoyada por un grupo de Facebook, denominado «Acción de apoyo para preservar el bloque Y», así como diferente «merchandising», como bolsas y pines.

El MoMA toma cartas en la batalla para salvar los murales de Picasso en Oslo

Trabajadores del museo neoyorquino han escrito una misiva al Gobierno noruego reclamando que reconsideren la demolición del edificio

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EN 100 PAÍSES, ESPAÑA ENTRE ELLOS
Operación internacional contra el tráfico de obras de arte recupera 19.000 antigüedades
Han sido detenidas más de 100 personas y entre los objetos recuperados destacan monedas antiguas, objetos arqueológicos, cerámica, armas históricas, pinturas y fósiles

Máscara de oro de Tumaco, recuperada por la Policía Nacional. Foto: Interpol



AUTOR
EL CONFIDENCIAL
11/05/2020


Más de 100 personas han sido detenidas y cerca de 19.000 piezas arqueológicas y obras de arte han sido recuperadas en dos operaciones policiales internacionales que han tenido como principales enclaves España, Argentina y Colombia, entre más de 100 países.
Las operaciones, a nivel mundial, estaban centradas en el desmantelamiento de redes internacionales de tráfico de obras de arte y antigüedades y, gracias a ella, se han recuperado más de 19.000 artefactos arqueológicos y otras obras de arte y se ha detenido a 101 sospechosos.

Una de esas operaciones, bautizada como Pandora IV, estuvo dirigida por la Guardia Civil española y la Agencia Policial Europea (Europol), mientras que la otra, Athena II, corrió a cargo de la Organización Mundial de Aduanas (OMA) e Interpol. Ambas acciones policiales tuvieron lugar en el otoño de 2019, pero no han podido ser publicadas hasta ahora debido a razones operativas.

Saqueos y robos
Las redes criminales manejaban bienes arqueológicos y obras de arte saqueadas de países afectados por la guerra, así como obras robadas de museos y sitios arqueológicos. Las incautaciones incluyen monedas de diferentes períodos, objetos arqueológicos, cerámica, armas históricas, pinturas y fósiles. También se incautaron objetos facilitadores, como detectores de metales.

"No se puede mirar por separado de la lucha contra el tráfico de drogas y armas: los mismos grupos están comprometidos, porque genera mucho dinero"

Los servicios policiales centraron su vigilancia en páginas de venta por internet, porque, según Interpol, las webs desempeñan un papel destacado en el comercio ilícito de objetos culturales. De hecho, gracias a este seguimiento se recuperaron 8.670 objetos, lo que supone casi un tercio del total. A través de la investigación de un solo caso de venta online se logró la recuperación de 2.500 monedas antiguas por parte de la Policía Federal Argentina, la mayor incautación de esta categoría de artículos, mientras que la segunda mayor incautación fue realizada por la Policía Estatal de Letonia, con un total de 1.375 monedas.


101 arrested and 19,000 stolen artefacts recovered in international crackdown on art trafficking





Según revela Interpol, en declaraciones citadas por Archeology News Network, seis fuerzas de la policía europea informaron de la incautación de 108 detectores de metales, lo que demuestra que el saqueo en Europa sigue siendo un negocio floreciente. "El crimen organizado tiene muchas caras. El tráfico de bienes culturales es uno de ellos: no es un negocio glamuroso dirigido por extravagantes caballeros falsificadores, sino por redes criminales internacionales. No se puede mirar por separado de la lucha contra el tráfico de drogas y armas: sabemos que los mismos grupos están comprometidos, porque genera mucho dinero", explican. El secretario general de Interpol, Jürgen Stock, añade que el número de arrestos y de objetos requisados refleja la amplitud de esa práctica fraudulenta, "que afecta potencialmente a todo país con un rico patrimonio cultural".

"Dado que se trata de un fenómeno mundial que afecta a todos los países del planeta, ya sea como fuente, tránsito o destino, es crucial que todas las fuerzas del orden trabajen juntas para combatirlo", concluye Catherine de Bolle, directora ejecutiva de Europol.

Operación internacional contra el tráfico de obras de arte recupera 19.000 antigüedades

Han sido detenidas más de 100 personas y entre los objetos recuperados destacan monedas antiguas, objetos arqueológicos, cerámica, armas históricas, pinturas y fósiles

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SU OBRA, SÍMBOLO DE LA TRANSICIÓN
Muere Juan Genovés, el "pintor de las multitudes" y autor de 'El abrazo'
El pintor valenciano Juan Genovés ha fallecido durante la madrugada de este viernes 15 de mayo de muerte natural en un hospital madrileño a sus 89 años

Fotografía de archivo del 21 05 2001 del artista valenciano Juan Genovés posando en el Museo Reina Sofía junto a su obra emblemática "El Abrazo". (EFE)



AUTOR
EUROPA PRESS
TAGS
ESCULTURA
PINTURA
15/05/2020

El pintor valenciano Juan Genovés ha fallecido durante la madrugada de este viernes 15 de mayo de muerte natural, según ha informado la Galería Marlborough. El artista fue el autor de 'El abrazo', que sirvió de imagen en un cartel para Amnistía Internacional, muy popular durante la Transición española.
Genovés, que ha trabajado hasta sus últimos días como pintor y artista gráfico, ha muerto en un hospital madrileño.




https://twitter.com/sanchezcastejon/status/1261241459132547075

Ha fallecido Juan Genovés, uno de los grandes artistas de nuestro país. El abrazo, su obra más reconocible, se convirtió en un icono de la Transición. Reflejo de un espíritu de reconciliación y concordia que ahora más que nunca debe guiarnos. Todo mi cariño para su familia.






Fue "el pintor de las multitudes, un artista vital que se ha mantenido en activo hasta el último día", según ha recordado la Galería Marlborough en el mensaje en el que ha informado de su muerte. El creador se desarrolló en una época comprometida y defendió que "el arte todo lo retrata".

El pintor, nacido en Valencia el 31 de mayo de 1930, se formó en la Escuela de Bellas Artes de Valencia y participó en colectivos muy significativos en el mundo pictórico español de postguerra como Los Siete (1949), el Grupo Parpallós (1956) y Hondo (1960). En este último grupo, Genovés desarrolló una pintura de carácter expresionista y provocador.

En la década de los sesenta incrementa su relación con los movimientos de oposición al régimen franquista e inicia dos temas pictóricos característicos en su obra: el "individuo solo" y la "multitud". Esta última propuesta aparecerá cargada de un realismo político de fuerte denuncia social.

En los años ochenta inició un nuevo periodo muy ligado al paisaje urbano, que se ha denominado "espacios de la soledad". Los últimos años su obra ha dado un giro hacia la investigación del movimiento estático en la pintura, la multitud se ha convertido en la referencia para hablar del problema de la pintura y el ritmo visual.





https://twitter.com/ximopuig/status/1261243450453897223

Ens ha deixat el pintor Juan Genovés, un valencià universal. La seua obra ens fa reflexionar sobre l'individu i el poder de la col·lectivitat. Alta Distinció de la Generalitat en 2016, és autor d'un 'Abraç' ara més important que mai. Mirar-lo és aprendre cada dia. DEP, Juan.





Su obra más conocida probablemente sea 'El Abrazo', de 1976, reproducida en cartel para Amnistía Internacional, muy popular durante la Transición española, que más tarde se convertiría en la escultura 'El Abrazo', homenaje a los abogados de Atocha.


https://twitter.com/UnaiSordo/status/1261243126926258176

Ha fallecido Juan Genovés.
Un artista universal y un hombre socialmente comprometido.
En tu obra “El abrazo” se inspira el monumento homenaje a los abogados de Atocha.
Un saludo para siempre compañero y que la tierra te sea leve. #Genoves







Su obra está expuesta, entre otros lugares, en el Museum of Modern Art (MOMA) de Nueva York; en el Guggenheim Museum, Nueva York; en Staatlische Museum, de Berlín; South African National Gallery, de Ciudad del Cabo; Museum Modern Art, de Viena; Musée d'Art Contemporain, de París; Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruselas; Museo de Arte Nagasaky, de Japón; Museo de la Solidaridad Salvador Allende, Santiago de Chile; Museo de Arte Moderno, México DF; Instituto valenciano de Arte Moderno, en Valencia (IVAM); Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de Madrid; Fundación Juan March, Madrid; Congreso de los Diputados, Palacio de la Moncloa, Asamblea y Ayuntamiento de Madrid y también en la céntrica plaza de Antón Martín en Madrid, presidida por una escultura de 'El Abrazo'.

https://twitter.com/iunida/status/1261242504558653442

Nos ha dejado el pintor y artista gráfico Juan Genovés, autor entre otras muchas obras de "El Abrazo", símbolo de la lucha por la amnistía.
Volveremos a las calles a abrazarnos y a honrar la memoria de tantos luchadores que se han ido. Que la tierra te sea leve, compañero.






Genovés ha sido galardonado, entre otros, con la Mención de Honor de la Biennale de Venecia (1966), el Premio Nacional de Artes Plásticas (1984), el Premio de las Artes Plásticas de la Generalitat Valenciana (2002) y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, Ministerio de Cultura (2005).

Muere Juan Genovés, el "pintor de las multitudes" y autor de 'El abrazo'

El pintor valenciano Juan Genovés ha fallecido durante la madrugada de este viernes 15 de mayo de muerte natural en un hospital madrileño a sus 89 años

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