El Arte de Talía.

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¿Qué planes culturales puedo hacer hoy en casa? Miércoles 15


Teatro
Opciones para un confinamiento teatral. El Teatro de la Abadía de Madridcontinúa ampliando la oferta de su innovador ciclo de #TeatroConfinado, representaciones de obras en directo que realizan los artistas desde sus casas por videollamada para un máximo de 30 espectadores conectados entre sí. Es lo más parecido a una experiencia teatral presencial que puede disfrutarse durante la cuarentena y no es gratis: las entradas cuestan cinco euros que se destinan directamente a la investigación científica del coronavirus. Esta semana pueden verse desde hoy seis funciones distintas distribuidas en distintos días y horarios. Informe lejía, del autor Pablo Rosal y el actor Luis Bermejo protagonizada por un hombre confinado que corteja virtualmente a una mujer, interpretada por Bermejo. Sea Wall, un monólogo del dramaturgo británico Simon Stephens protagonizado por un hombre que se ha encerrado en su casa después de sufrir una tragedia, interpretado por Nacho Aldeguer. Irene Escolar recupera su recital Leyendo Lorca, un homenaje al poeta granadino en el que la actriz recita fragmentos de obras como Bodas de sangre, Doña Rosita la soltera, Yerma, Sonetos de amor oscuro o El público. Esto es agua, un discurso que David Foster Wallace pronunció en 2005 para los alumnos que se graduaban ese año en la Universidad de Kenyon, interpretado por Israel Elejalde. Una pieza de teatro documental titulada Tras los pasos de Augusto Madeira Mendes del grupo Los Bárbaros.

Y un particular trabajo experimental del colectivo Vladimir Tzekov colectivo que indaga en las relaciones de poder que se establecen en la vida cotidiana a través de una Visita guiada a una sesión de BDSM (Bondage, Disciplina, Dominación, Sumisión, Sadismo y Masoquismo). La experiencia está siendo un éxito y empieza a ser replicada fuera del Teatro de la Abadía. La compañía vasca La Pacheca ha preparado una versión especial para este formato de su espectáculo Hipólito, una revisión contemporánea del mito de Fedra interpretada por la actriz Bea Insa y la violonchelista Nerea Aizpurua, cada una desde su casa. El público puede decidir en el momento si solo quiere ver y oír o si también quiere ser visto por el personaje y así participar de alguna manera en la función. Se estrenó el fin de semana pasado y repite pases el sábado 18 y el domingo 19 de abril para 20 espectadores. Las entradas se pueden comprar también por cinco euros en la web www.eventbrite.es y la mitad de la recaudación se donará a la investigación.

 

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Qué planes culturales puedo hacer hoy en casa? Jueves 16


Teatro
Un ‘hit’ del teatro para jóvenes. El Centro Dramático Nacional (CDN) propone en su programación digital para esta semana un repaso a una de sus producciones destinadas al público juvenil, #malditos16, estrenada en 2017 en el teatro Valle-Inclán de 2017. Escrita por Nando López y dirigida por Quino Falero, la obra reconstruye la vida de cuatro jóvenes que intentaron suicidarse cuando tenían 16 años y fue un éxito en su momento porque logró conectar no solo con su público potencial, sino también despertar el interés de padres y educadores. La obra se puede ver en el perfil de YouTube de Coarte, coproductora del espectáculo, en una grabación del Centro de Documentación Teatral. El CDN además ha organizado hoy un encuentro por Instagram con su autor, Nando López. La programación digital del centro se renueva cada semana e incluye lecturas, podcasts con textos de nueva creación de dramaturgos que cuentan lo que ven desde su ventana, entrevistas y ficciones sonoras.

 
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¿Qué planes culturales puedo hacer hoy en casa? Viernes 17


Teatro
Un espectáculo profético. Esta obra teatral se estrenó hace dos años, pero parece haber sido escrita durante esta cuarentena. Se titula El pack y su protagonista es una joven dinámica y con una animada vida social que, sin embargo, no sale nunca de casa, pues trabaja y se relaciona con el mundo exterior a través de Internet. Exactamente la situación que vivimos ahora por el coronavirus, lo que ha animado a la productora del espectáculo, Barco Pirata, a rescatar la grabación completa para publicarla en abierto en su canal de YouTube. En el escenario, de carne y hueso, solo está la actriz Marta Solaz, que interactúa con el resto de los personajes a través de una pantalla (amplificada para que el público la vea): su madre, sus amigos, compañeros de trabajo, etc., interpretados por Manuela Vellés, Ana Rayo, Sergio Peris-Mencheta, Laura Gómez-La Cueva, Félix Gómez, María José Moreno, Jorge Usón y María Forqué. “Es algo muy marciano, pero hay algunas personas a las que les pasa esto”, decía Solaz en la presentación del espectáculo en 2017, sin imaginar que la ficción se convertiría en realidad dos años después. Escrita y dirigida por Áurea Martínez, a lo largo de la obra surgen cuestiones como la ansiedad que genera la dependencia de las nuevas tecnologías o la deriva que pueden llegar a tener las relaciones sociales cuando son solo virtuales. “Una comedia sobre la hiperconexión y la soledad”, reza el subtítulo.

 
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¿Qué planes culturales puedo hacer hoy en casa? Lunes 20


Israel Elejalde, en un momento de 'Hamlet'.

Israel Elejalde, en un momento de 'Hamlet'


Teatro

Una cumbre de Shakespeare. El Teatro Pavón Kamikaze ofrece hasta el próximo domingo en su canal de YouTube la versión que Miguel del Arco estrenó en 2017 de Hamlet, cima del teatro clásico, revisitada en una puesta en escena actualizada, respetuosa con la esencia del personaje, pero valiente a la hora de introducir actualizaciones para potenciar expresivamente su locura y su tormento. Es una coproducción de Kamikaze con la Compañía Nacional de Teatro Clásico que logró grandes aplausos y muy buenas críticas en su estreno. El papel de Hamlet lo interpreta Israel Elejalde.

 

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¿Qué planes culturales puedo hacer hoy en casa? Martes 21


Teatro

Viaje a la Castilla profunda
. Hasta 2014 Pablo Remón era conocido sobre todo como el guionista de películas como Casual Day, Cinco Metros Cuadrados o No sé decir adiós. Pero ese año decidió escribir una obra teatral y tuvo tan buena acogida que desde entonces su faceta como dramaturgo se ha disparado, con éxitos como El tratamiento Los mariachis o Doña Rosita, anotada. Durante esta semana puede verse en Vimeo una grabación en abierto de aquella primera obra, La abducción de Luis Guzmán, historia de un excéntrico individuo que ha vivido toda la vida en un pequeño pueblo de Castilla con su padre y que queda trastornado tras la muerte de este, hasta el punto de que cree que ha sido abducido por extraterrestres. Una obra que mantiene el interés de principio a fin.

 
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A CAUSA DEL CORONAVIRUS
El Teatre Lliure de Barcelona anula todas sus funciones y pone fin a la temporada
Durante los próximos meses y hasta junio, el Lliure continuará ofreciendo contenidos en sus canales digitales y ampliará la programación teatral digital


Foto: Butacas en un teatro. (Pixabay)


Butacas en un teatro. (Pixabay)



EUROPA PRESS
22/04/2020


El Teatre Lliure de Barcelona ha anulado todas las funciones programadas hasta junio y ha dado por finalizada la temporada 2019-2020 ante la "imposibilidad de seguir con la actividad escénica" a causa de la crisis provocada por el nuevo coronavirus.


Teatre [email protected]

Més informació i política de devolució d'entrades
⬇️
https://www.teatrelliure.com/ca/general/cancellacio-de-la-programacio …



A la suspensión ya confirmada de los espectáculos 'Los protagonistas', 'Sis personatges. Homenatge a Tomàs Giner' y 'Les sorelle Macaluso', se añaden los de producción propia 'Una', 'Les tres germanes' y 'Bonus track', ha informado este miércoles el teatro en un comunicado.

Durante los próximos meses y hasta junio, el Lliure continuará ofreciendo contenidos en sus canales digitales bajo el paraguas #TheShowMustGoOn, y además de las iniciativas ya desarrolladas en las próximas semanas ampliará la programación teatral digital.

El teatro notificará por correo electrónico al público afectado la cancelación de sus entradas y la forma de devolución del precio

El Lliure trabaja para programar buena parte de los espectáculos cancelados en la temporada 2020-2021, cuyo inicio está previsto en octubre si las autoridades lo permiten, así como en la programación cultural, educativa y social: "El Lliure prepara una vuelta gradual y segura a sus sedes de Gràcia y Montjuïc".

El teatro notificará por correo electrónico al público afectado la cancelación de sus entradas, y la devolución de las entradas adquiridas o reservadas para las funciones suspendidas se hará efectivo según la política de devolución establecida por el Lliure.


 

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¿Qué planes culturales puedo hacer hoy en casa? Jueves 23


Teatro
Cervantes a escena. Los textos de Miguel de Cervantes, el gran protagonista del Día del Libro en España, han sido objeto de numerosas adaptaciones teatrales en las últimas décadas. Así que una buena manera de sumarse hoy a la celebración de esta festividad es darse una vuelta por la Teatroteca, el servicio de streaming gratuito del Centro de Documentación de las Artes Escénicas y de la Música del Ministerio de Cultura, donde pueden verse una veintena de espectáculos basados en sus obras. Entre ellos encontramos visiones del Quijote tan audaces como la que la compañía Ron Lalá estrenó en 2014 en colaboración con la Compañía Nacional de Teatro Clásico, titulada En un lugar del Quijote, con puesta en escena de Yayo Cáceres, que recrea las andanzas del caballero andante y, simultáneamente, el proceso de escritura de la novela. También está disponibles los Entremeses que presentó José Luis Gómez en 1996, un montaje de referencia del Teatro de la Abadía de Madrid, repuesto en varias ocasiones. Y una producción histórica: Los baños de Argelen la versión que Francisco Nieva dirigió en 1980 para el Centro Dramático Nacional. Además, para niños, Clown Quijote de la Mancha, de la compañía Uroc, con puesta en escena de Olga Margallo.

También para celebrar el Día del Libro el Festival de Teatro de Almagro, en colaboración con la compañía malagueña Jóvenes Clásicos, ha lanzado una campaña en redes sociales bajo el lema Clásicos confinados: el teatro también se lee. La propuesta es inundar las redes con recitados de textos del Siglo de Oro español bajo la etiqueta #clásicosconfinados. A modo de ejemplo, se ha realizado un vídeo en el que participan actores como Blanca Portillo, Ernesto Arias o Joaquín Notario, la directora Natalia Menéndez, el dramaturgo Álvaro Tato y el propio director del Festival de Almagro, Ignacio García. El vídeo se puede ver ya en YouTube. El Centro Dramático Nacional, por su parte, publica en su web un mensaje de la escritora Almudena Grandes y una ficción sonora basada en su novela Atlas de geografía humana.

 
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¿Qué planes culturales puedo hacer hoy en casa? Martes 28

Teatro
Joyas del teatro europeo. La Schaubühne de Berlín, la legendaria compañía teatral creada en los años setenta por Peter Stein, está ofreciendo una programación online de lujo durante la cuarentena. Cada día desde las seis y media de la tarde hasta medianoche publica la grabación completa de una de sus producciones, entre las que hay verdaderas joyas, que han marcado el desarrollo de la escena europea del último medio siglo. Desde la monumental Orestiada dirigida por Peter Stein hasta el Viaje de invierno en el estadio olímpico de Klaus Michael Grüber, el Hamlet de Thomas Ostermeier, el Lenin de Milo Rau y el Orlando que ha estrenado esta misma temporada Katie Mitchell, coproducido por los Teatros del Canal de Madrid, donde iba a estrenarse la semana que viene. La mayoría de los espectáculos son en alemán con subtítulos en inglés, pero hoy se ofrece uno para el que no se necesita don de lenguas porque es una pieza de danza: Körper, de Sasha Waltz. Para los políglotas o cualquiera que se atreva aun sin entender todo el texto, la semana continúa el miércoles con El príncipe de Homburg, de Heinrich von Kleis, dirigido por Stein; Blasted, de Sarah Kane, con puesta en escena de Ostermeier; L’affaire de la rue de Lourcine, de Eugène Labiche, dirigido por Klaus Michael Grüber, y el sábado El ensayo de Milo Rau. Nunca hubo tanto teatro europeo de altura al alcance.

 
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¿Qué planes culturales puedo hacer hoy en casa? Miércoles 29



Imagen de 'Muchos hijos, un mono y un castillo', de Gustavo Salmerón.


Imagen de 'Muchos hijos, un mono y un castillo', de Gustavo Salmerón.



Teatro

La gran fiesta de la danza. Hoy es el Día Internacional de la Danza y en Internet hay muchísimas ofertas para celebrarlo: desde filmaciones completas de espectáculos de grandes y pequeñas compañías hasta nuevas creaciones grabadas por artistas desde sus casas en los últimos días. La Compañía Nacional de Danza (CND) y el Ballet Nacional de España se han unido para lanzar un reto que consiste en bailar en casa una coreografíapreparada por sus directores, Joaquín de Luz y Rubén Olmo, cada uno en su estilo, grabarla y publicarla en redes sociales. Además, ambas compañías han realizado sendos vídeos en los que los bailarines interpretan pequeñas coreografías desde sus casas. La Asociación de Profesionales de la Danza de Cataluña (APdC) propone publicar pequeñas piezas en redes con el hastag # BallemaCasaDID20, una iniciativa a la que ya se han sumado artistas como Cesc Gelabert. El Mercat de les Flors de Barcelona continúa con la programación online que puso en marcha desde casi el principio de la cuarentena (hoy toca la obra Le Ça. El Ello, de Sònia Sánchez). El Gobierno de Canarias ofrece una videocreación titulada Cuando el bosque avance, realizada durante el confinamiento por un equipo de artistas de las islas formado por Daniel Abreu, Tamara Brito de Heer, Javier Cuevas, Jonás García Afonso, Dácil González, Teresa Lorenzo y Paula Quintana. Antonio Najarro ha creado un vídeo personal en el que baila una versión especial del tema Resistiré, tan popular durante el confinamiento, interpretado por Sandra Carrasco. La Junta de Andalucía celebra el día con la publicación íntegra de la coreografía Caída del cielo, de Rocío Molina, que difundirán los tres espacios escénico de la Consejería de Cultura: los teatros Central, Alhambra y Cánovas. El Museo de la Universidad de Navarra publica el vídeo del espectáculo Transmutación, de Antonio Ruz. Entre las propuestas internacionales encontramos la del English National Ballet, que emite durante 48 horas la obra Dust, del coreógrafo Akram Khan, estrenada en 2014. El Teatro Nacional de Chaillot ofrece desde París una abundante programación con piezas de grandes figuras como Ohad Naharin, Trisha Brown, Carolyn Carson o Rocío Molina. El Netherlands Dans Theater, con sede en La Haya, publica en abierto esta semana Garden, de Medhi Walerski. Estos son solo algunos ejemplos. Estén atentos a las redes sociales, durante el día se irán publicando muchas más iniciativas.

 
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¿Qué planes culturales puedo hacer hoy en casa? Domingo 3

EL PAÍS
Madrid - 03 MAY 2020


Teatro

Danza contra el machismo. El Mercat de les Flors de Barcelona ofrece para acabar la semana la pieza coreográfica Three Times Rebel (Tres veces rebelde), una obra de la coreógrafa Marina Mascarell en la que propone una exploración bailada de las estructuras sociales que siguen sosteniendo hoy la desigualdad de género. Cuerpos femeninos en distintos momentos, lugares y situaciones nos muestran cómo percibe la sociedad a las mujeres y los prejuicios que se forman a través de la imposición de estereotipos. El espectáculo se estrenó en La Haya en 2017. En su menú online para hoy el Mercat incluye también una propuesta de danza para todas las edades, la obra Flexelf de la compañía Mudances, creada por Àngels Margarit, además de dos vídeos documentales que repasan la trayectoria de Mudances y de la agrupación Lanònima Imperial, fundada el 1986 por Juan Carlos García y disuelta en 2011.

 
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CON EL CORONAVIRUS
Teatros al límite, primeros en cerrar y últimos en abrir (en septiembre con suerte)
Los centros dramáticos no abrirán hasta después del verano por seguridad. El sector de las artes escénicas pide un protocolo unificado al Ministerio de Cultura para poder organizar la reapertura



Foto: Butacas vacías, teatro en tiempos de Covid-19


Butacas vacías, teatro en tiempos de Covid-19



AUTOR
PAULA CORROTO
Contacta al autor
14/05/2020



Fueron los primeros espacios culturales en cerrar. Antes del sábado 14 de marzo, cuando el Gobierno anunció el Estado de Alarma, las salas de teatro ya sabían que iban a tener que bajar el telón. Muchos estrenos se quedaron a las puertas, las giras se congelaron y cundió el pánico, como relataron entonces algunos trabajadores del sector a este periódico temiendo casi por un cierre definitivo. Algunos tuvieron un poco más de suerte, como reconoce ahora a El Confidencial, Marta Pazos, directora de la compañía gallega Voadora, que acaba de ser reconocida con tres nominaciones a los premios Max por la obra ‘Je suis narcissiste’: “Estábamos preparando una obra para el Centro Dramático Nacional y sabían la situación por lo que hemos tenido muchísimo apoyo. Pero si te pilla en gira, es catastrófico. Si a nosotros nos hubiera pillado seis meses antes cerramos el chiringuito”. El paraguas de lo públicoque, junto a medidas como los ERTE, a los que ha accedido casi el 90% de la profesión, ha ayudado a no pocas compañías durante el confinamiento.

Después de los peores momentos de la tormenta, tanto las salas de teatro como las compañías comienzan ahora a ver un poco de luz y algunos resquicios para el regreso. En algunas comunidades autónomas ya se ha llegado a la fase uno que, aunque todavía no permite abrir los teatros, pone camino hacia la fase II en las que ya se podrá abrir con un tercio del aforo. Para la fase III, que presumiblemente en algunas comunidades podría darse el 8 de junio, ya se podría llenar la mitad del patio de butacas.
Desde las salas y las compañías se quiere ir despacio. Por varios motivos: seguridad sanitaria, por el miedo que pueda tener el público y el de los propios trabajadores

Sin embargo, desde las salas y las compañías se quiere ir despacio. Por varios motivos: seguridad sanitaria, por el miedo que pueda tener el público y el de los propios trabajadores y por la falta de protocolos para una desescalada en la reapertura de los teatros. Una normativa que, según los agentes consultados, tendrían que preparar desde ya las administraciones públicas y particularmente el Ministerio de Cultura. Por esa razón, los teatros serán también los últimos espacios culturales en abrir y, como han asegurado a El Confidencial tanto desde el ámbito público como el privado, no se prevé su reapertura hasta septiembre (y si no hay ningún rebrote)

¿Besar en escena?
Las preguntas son sencillas, pero las respuestas no son fáciles. De hecho, aún no hay. ¿Se podrá besar en escena? ¿Tocar? ¿Estar a menos de un metro de un espectador, por ejemplo, en el pasillo del teatro? “El hecho escénico es incompatible con las medidas sanitarias”, sostiene Carlos Morán, presidente de la Red de Teatros de España de Titularidad Pública, que agrupa a 800 espacios, desde el Teatro Colón de A Coruña, al Jovellanos de Gijón o los Teatros del Canal de Madrid. “Lo que tenemos que tener son los teatros preparados y eso hasta septiembre no se va a poder dar. Ahora mismo la ley dice que el propietario del espacio es el responsable de las condiciones higiénico-sanitarias así que si una cosa no se puede garantizar no se debería hacer porque no te puedes arriesgar a una reinfección”, añade.



Obra en la Muestra de Ribadavia



Desde la Red de las Salas Alternativas, hasta 47 espacios privados en las 17 comunidades autónomas -como la Cuarta Pared en Madrid, La Fundición en Bilbao o la Tantarantana en Barcelona - la opinión es parecida. “Hemos decidido por el protocolo (que no hay), por el miedo y por la estigmatización, no abrir hasta septiembre. Vamos a afrontar el verano cerrados. En cualquier caso, nos quedaría el mes de junio que es el último mes de la temporada y es cuando se hacen muchas muestras de escuelas, que tampoco están abriendo. Así que no abrir tampoco es perder mucho. La temporada ya se ha perdido”, reconoce Jacobo Pallarés, al frente de esta red y del Espacio Inestable en Valencia.
Hemos decidido por el protocolo (que no hay), por el miedo y por la estigmatización, no abrir hasta septiembre

Los propios artistas también quieren tener un poco de cuidado. Pazos, en Voadora, no quiere correr riesgos. “Primero tienen que existir unos protocolos sanitarios. Esa debe ser la prioridad. Las personas que saben de eso deben marcar estos protocolos. Y cuando nosotros lo tengamos lo aplicaremos. Con esos limones haremos limonada. Pero no es que digamos que no vamos a hacer teatro. Y es algo mucho más complejo que los besos y los abrazos. Hay que reordenar las fases y ahora se trata de la protección de lo vulnerable”, manifiesta esta creadora que, insiste en que su compañía ha seguido trabajando -”mucho por zoom, pero ya lo hacíamos antes porque trabajamos con mucha gente internacional”- pero que, obviamente, han tenido que dejar en stand by la parte del montaje en el escenario.

¿17 protocolos en 17 comunidades?
El asunto del protocolo no es baladí. Ahora mismo hay una mesa sectorial en el INAEM, el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y Musicales, el organismo público que se ocupa del sector y que depende del Ministerio de Cultura, para tratar de crear un cierto protocolo que marque las pautas para poner una obra de teatro en escena en tiempos del Covid. Pero no hay nada concretado. Desde la Red de Teatros de Titularidad Pública se han hecho algunas propuestas, “pero que tienen que ser avaladas por el Ministerio de Sanidad porque no puedes hacer algo por tu cuenta”, afirma Morán.

Además, si no se aúna un cierto protocolo común desde Cultura, se teme que se caiga en que cada comunidad y municipio -muchos de ellos son titulares de salas de teatro- ponga en marcha su propio protocolo. “Ese va a ser un problema gordo. Muchos coinciden en las ideas maestras pero no es sensato que no haya unas directrices comunes claras para que todo el mundo camine por la misma vía en este sector. Sería trágico que una compañía que cuando haga la contratación en un nuevo contexto con cada protocolo tenga que mandar diferente documentación según las comunidades. Es añadir más lío al lío. Los espacios teatrales son siempre iguales, hay unas butacas, un espacio escénico, una representación y un público. No hay mucha variedad por lo que debería haber una única norma en cuanto a su utilización”, añade Morán.
Va a ser un problema gordo. Muchos coinciden en las ideas maestras pero no es sensato que no haya unas directrices comunes claras para todo el mundo

Para Pallarés, que también se encuentra trabajando en esta mesa sectorial, el Ministerio de Cultura debe empezar a pensar en este asunto en serio “para no obligar a las comunidades, pero sí recomendar que esa normativa sería conveniente aplicarlo para todos. Porque en cuanto empiece la movilidad de las giras, ¿en cada comunidad vamos a tener una normativa diferente? Va a ser un cacao, una locura para todos tener que adaptarse a las diferentes normativas que puede haber. Debería ser un protocolo con el consenso de las comunidades, pero uno solo. En eso consiste lo de la cogobernanza que dice el presidente”.

Un sector no rentable y muy vulnerable sin ayudas
Además de la falta de un protocolo, en las salas y compañías también se reconoce que abrir a un tercio del aforo, aunque lo marque la fase II, no es rentable. Sobre todo en el sector privado, ya que, como sostiene Morán, “el sector público puede aguantar porque incluso podrían abrir ahora en fase II con 30 personas una sala de 600 butacas. Yo no lo veo muy realista y no es atractivo para nadie, pero se podría hacer”. En los privados es inviable: “Imagina en una sala pequeña de 100 butacas, meter a 30...En el sector privado no es viable. Un 50% es habitual porque no siempre llenas, pero el 33%... no hay retorno de ingresos. Abrirlo con ese público sería un poco correr y no se sabe hacia qué lugar”, manifiesta este gestor.
“Es que… ¡cómo van a abrir! No es lo mismo un teatro público que está protegido, que un teatro privado que programa teatro contemporáneo. ¡Claro que no puede abrir! Porque ni las salas ni los artistas podemos actuar al 30%”, argumenta a su vez Pazos.
¡Claro que no puede abrir! Porque ni las salas ni los artistas podemos actuar al 30% del aforo

Además, tampoco hay tanta prisa porque lo peor ya ha pasado. Así lo ven desde la red de teatro alternativo, donde a día de hoy nadie se plantea el cierre, a no ser que las cosas no mejoren. “Se ha visto es que se podían aguantar estos dos meses. Si no, algo mal habríamos hecho; ahora bien, en seis meses podría ocurrir. En dos meses no se puede decir yo cierro y más con las medidas de apoyo que ha habido, pero en seis tendría más sentido”, mantiene Pallarés.



Tito Andrónico, el año pasado en Mérida



Lo que sí ha demostrado la pandemia es que, pese a que las salas y compañías han podido sostenerse -buena parte de ellas por los ERTE y las ayudas- apenas hay una industria teatral consolidada en España. Es decir, un tejido industrial. Se está a mucha merced de los subsidios. Así lo dicen los implicados, que reconocen que necesitaban las ayudas: “Es que las artes escénicas es un sector que vive de los bolos, de las giras, porque no hay compañías residentes en los teatros. Y sin representaciones la cadena de valor se detiene y no se reciben ingresos”, comenta Morán. “Todo esto ha demostrado la vulnerabilidad del sector. Estamos acostumbrados a vivir en la cuerda floja. Nosotros hemos estado trabajando en todo lo que teníamos en preproducción. Pero es un trabajo que no está pagado, porque este país no es como otros. Aquí solo se considera trabajo la materialización, pero no la creación”, admite Pazos.

Los festivales como salvación (a día de hoy)
Los teatros estarán cerrados hasta septiembre, pero hay festivales que sí se celebrarán. Al menos, a día de hoy, esa es la idea en festivales como Mérida, el Grec, Almagro y otros como la Muestra Internacional de Teatro de Ribadavia, en Galicia, el festival teatral más antiguo de la comunidad y que se celebra durante varios días en julio. Al menos, esa es todavía la intención cuando la región ya ha conseguido entrar en fase I. Como indica a El Confidencial Roberto Pascual, director de este último, estos festival no son como los macroeventos de música, muchos de ellos cancelados a día de hoy. “Aquí el público es más ordenado, espaciado en el tiempo. Esto va a servir de motor económico y tabla de salvación para la hostelería, comercio y hay que pensar en eso”, manifiesta.

En el teatro el público es más ordenado, espaciado en el tiempo. Esto va a servir de motor económico y tabla de salvación

La idea es que estos festivales no se celebren en espacios cerrados y que haya unas medidas de seguridad. Por ejemplo, “nosotros lo celebramos en un castillo y dentro del castillo es un espacio abierto para un aforo de 850 personas y manteniendo la distancia de seguridad tendremos que reducirlo a 500 personas Eso sería razonable. Ribadavia tiene una judería, plazas, que se pueden habilitar con sillas para presentar espectáculos de pequeño formato. Sería convertir el pueblo en un macroescenario con distintos puntos”, explica Pascual. También cree que las obras deberán estar más espaciadas en diferentes días.

Si fuera así, le salvaría el verano también a muchas compañías que se han quedado paradas. “Los festivales tenemos que ser la plataforma para que no se pierda todo el trabajo anterior, para aquellas que no han podido estrenar o que han visto sus ensayos cortados en el medio del proceso. Ahora que, se tendrán que estudiar nuevos protocolos para que se pueda acoger a las compañías”, afirma Pascual.
De nuevo el asunto de los protocolos cuando todavía está todo por hacer. Por eso, Pallarés, desde la red de salas alternativas alerta: “Ahora parece que ya hay esos brotes verdes de los que se hablaba en la crisis anterior, pero todavía hay que tener cuidado con las expectativas, y sobre todo, con las ganas que tenemos todos de volver”.

 
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«Shock (El cóndor y la pluma)», «Play» y «Je suis narcissiste», los espectáculos con más candidaturas en los Max
La gala de entrega de los premios está previsto que se celebre en Málaga el 7 de septiembre



Una escena de «Shcok (El cóndor y la pluma)»


Una escena de «Shcok (El cóndor y la pluma)» - marcosGpunto




MADRID12/05/2020



El comité organizador de los Premios Max de las Artes Escénicasha dado a conocer hoy los finalistas de las 19 categorías a concurso de la XXIII edición de estos galardones organizados por la Fundación SGAE, con el propósito de reconocer el talento de los profesionales del teatro y la danza de nuestro país, y la promoción de los espectáculos de la temporada.


La reunión del jurado tuvo lugar el día 30 de abril de 2020 vía telemática. De los 386 espectáculos inscritos en esta edición, 159 resultaron candidatos, de los cuales 35 espectáculos han llegado a la última fase, congregando un total de 60 finalistas.
Los ganadores de la XXIII edición de los Premios Max de las Artes Escénicas se darán a conocer el próximo 7 de septiembre en la gala que se celebrará en el Teatro Cervantes de Málaga. Además de las 19 candidaturas a concurso se conceden 3 premios especiales: el Max de Honor, que distinguirá la trayectoria de una persona por su aportación, entrega y defensa de las Artes Escénicas, el Max Aficionado o de Carácter Social, que engloba proyectos a favor de la integración y la proyección social y a compañías aficionadas con una sobresaliente contribución a las Artes Escénicas, y el Max del Público, que se concederá al espectáculo que obtenga mayor número de votos del público a través de la aplicación online #VotaMax, abierta hasta el próximo 20 de mayo. Este año, los Premios Max cuentan con la colaboración del Ayuntamiento de Málaga.

En los últimos años, los Premios Max de las Artes Escénicas se han consolidado como los referentes del sector, alcanzando cada vez un mayor número de seguidores y despertando el interés de compañías de todo tipo y de todo el territorio nacional. En su última edición, celebrada el 20 de mayo de 2019 en el Teatro Calderón de Valladolid, concurrieron alrededor de 3.000 profesionales y se inscribieron 359 espectáculos.
Organizados por la Fundación SGAE desde 1998, los Premios Max, cuyo galardón está diseñado por el poeta y artista plástico Joan Brossa (Barcelona-1919/1999), impulsor de uno de los colectivos renovadores del arte español de posguerra, se han consolidado a lo largo de estos años como el reconocimiento más amplio en el ámbito de las Artes Escénicas en el Estado español.

El comité organizador de la XXIII edición de los Premios Max de las Artes Escénicas está compuesto por profesionales de reconocido prestigio del campo de las Artes Escénicas. En esta edición, el comité está integrado por el dramaturgo y director Juan Luis Mira, director institucional de Artes Escénicas de la Fundación SGAE; Óscar Castaño «Garbitxu», dramaturgo, director y presidente del Comité Territorial de SGAE en Euskadi; Paloma Pedrero, dramaturga y directora; los miembros del Colegio de Gran Derecho de la SGAE Eduardo Galán, dramaturgo y productor, así como la dramaturga y directora Yolanda García Serrano; el dramaturgo y director Alfonso Zurro y el coreógrafo y bailarín Daniel Doña.


Lista oficial de finalistas

Mejor espectáculo de teatro
· Com els Grecs de Teatre Lliure.
· Jauría de Kamikaze Producciones, S.L., Milonga Producciones, Zoa P.T.C., S.L. y Hause & Richman Produccions, S.L.
· Shock (El Cóndor y el Puma) de Centro Dramático Nacional (CDN - INAEM).

Mejor espectáculo de danza
· Gauekoak de Kukai Dantza.
· Gran Bolero de Jesús Rubio Gamo.
· Un cuerpo infinito de Cía. Olga Pericet.

Mejor espectáculo musical o lírico
· A Chorus Line de Teatro del Soho.
. Doña Francisquita de Teatro de la Zarzuela – INAEM.
. Je suis narcissiste de Òpera de Butxaca i Nova Creació - Centre d'Iniciativas del Teatre de les Arts.

Mejor espectáculo de calle
· Al otro lado de Zanguango Teatro Producciones S.L.
· Kale Gorrian (Desahucio) de Cía. Barsanti.
. Slapstick de Cía. Mar Gómez.

Mejor espectáculo para público infantil, juvenil o familiar
· Acróbata y Arlequín de La Maquiné.
· Play de Aracaladanza, S.L, Teatros del Canal (Madrid Cultura y Turismo, S.A.U.), Sadler´s Wells Theatre, Grec Festival de Barcelona (Institut de Cultura), Comunidad de Madrid y Shanghai Children's Art Theatre.
· Zapatos nuevos de El Teatre de l'home dibuixat S.L.U.

Mejor espectáculo revelación
· Cortejo de Elena Carrascal SLU. Danza.
· El viento es salvaje de Las niñas de Cádiz, S.L.
· Homenaje a una desconocida de Teatro de La Catrina.

Mejor autoría teatral
· Vanessa Montfort por Firmado Lejárraga.
· Pablo Remón por Los Mariachis.
· Josep Lluís y Rodolf Sirera por Dinamarca.

Mejor autoría revelación
· Marta Arán por Els dies mentits (Todos los días que mentí).
· Desirée Belmonte y Cristina Correa por Homenaje a una desconocida.
· Paco Gámez por Inquilino (Numancia 9, 2ºA).

Mejor adaptación o versión de obra teatral
· Carolina África por El desdén con el desdén.
· Jordi Casanovas por Jauría.
· Joan Sellent por Com els Grecs.

Mejor composición musical para espectáculo escénico
· Luis Miguel Cobo por Play.
· Raquel García-Tomás por Je suis narcissiste.
· Jesús Salvador 'Chapi' por Animal de Séquia.

Mejor coreografía
· Mario Bermúdez por Anhelo.
· Sara Cano por Vengo!
· Jesús Rubio por Gran bolero.

Mejor dirección de escena
· Jordi Casanovas por Valenciana
· Andrés Lima por Shock (El Cóndor y el Puma).
· Iñaki Rikarte por El desdén con el desdén.

Mejor diseño de espacio escénico
· Fernando Bernués por Gauekoak.
· Max Glaenzel por El gran mercado del mundo.
· Beatriz San Juan por Shock. (El Cóndor y el Puma).

Mejor diseño de vestuario
· Pier Paolo Álvaro por Je suis narcissiste.
· Elisa Ramos por Acróbata y Arlequín.
· Elisa Sanz por Play.

Mejor diseño de iluminación
· Joaquín Casanova por Acróbata y Arlequín.
. Jorge García y Marc Carrizo por Around the World.
· Pedro Yagüe por Play.

Mejor actriz protagonista
· Irene Escolar por Hermanas (Bárbara e Irene).
· Verónica Forqué por Las cosas que sé que son verdad.
· Rebeca Valls por Dinamarca.

Mejor actor protagonista
· Ernesto Alterio por Shock (El Cóndor y el Puma).
· Pablo Derqui por Com els Grecs.
· Lluís Homar por La néta del senyor Linh.

Mejor intérprete femenina de danza
· Paloma Calderón por Cortejo.
· Catherine Coury por Anhelo.
· Olga Pericet por Un cuerpo infinito.

Mejor intérprete masculino de danza
· Mario Bermúdez por Anhelo.
· Marco Flores por Origen.
· Thomas Noone por After the party.


 
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pilou12

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La impactante imagen de un teatro alemán que dibuja el futuro post-pandemia
El auditorio de la compañía Berliner Ensamble ha tomado las medidas necesarias para facilitar el distanciamiento social: de 700 butacas pasará a 200







28/05/2020

Que la pandemia a corto plazo va a darle la vuelta a los espectáculos con público de toda la vida es algo que ya sabíamos, y poco a poco vamos empezando a conocer la concreción de esos cambios. Un impactante ejemplo es la foto que ha subido la compañía de teatro alemán Berliner Ensemble.

La imagen del famoso auditorio, que reabrirá sus puertas en septiembre, será muy diferente de la de antes de la pandemia de coronavirus. Porque para mantener las reglas de distanciamiento social el Theater am Schiffbauerdamm, el edificio histórico donde actúa la compañía teatral, tendrá solo 200 de sus 700 asientos habituales, según informa la «NBC».

El director artístico de Berliner Ensemble, Oliver Reese, calificó el arreglo de asientos temporales como una «solución creativa» para permitir a los asistentes al teatro acceder a sus asientos y al mismo tiempo mantenerse a una distancia segura de los demás.

«No es solo nuestra misión y obligación principal como teatro público, sino también nuestro sincero deseo de volver al escenario», escribió Reese en un correo electrónico. «Todos anhelamos la normalidad. Pero estoy absolutamente seguro de que se funcionará con al menos la misma energía para 200 personas que para 700 personas».

 
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TEATRO
Vladimir Nabokov: joven, teatral e inédito

La uÑa RoTa publica la primera obra de teatro importante del novelista, 'Tragedia del señor Morn', inédita en España y escrita en los días penosos de Praga, cuando el escritor tenía 24 años


Vladimir Nabokov, en 1930, cuando ya había dejado Praga y regresado a...


Vladimir Nabokov, en 1930, cuando ya había dejado Praga y regresado a Berlín.FINE ART IMAGES



ANTONIO LUCAS
Lunes, 1 junio 2020


Vladimir Nabokov estrena juventud con el siglo XX, también exilio y orfandad. Triunfa la Revolución bolchevique y fracasa su entorno. Estaba diseñado para la comodidad desde el primer vagido. Abandona Rusia en 1919 y a partir de entonces el nomadismo se convierte en un recurso de vida. Si mira hacia atrás es con la única intención de vivir mejor hacia adelante. Nabokov está en Praga a los 24 años. Es 1923 y escribe a Vera Slónim -aún novia- el primer poema. Ella está en Berlín, donde se conocieron poco antes. Publica aún tras el seudónimo de Vladimir Sirin. Ella intuye a un genio por cuajar. Nabokov se está tomando el pulso a sí mismo como escritor. El 25 de diciembre, el diario berlinés Dni anuncia en un suelto que el autor de origen ruso trabaja en un drama en cinco actos que ya tiene título: Tragedia del señor Morn. Así empieza todo.

Es la primera pieza literaria en que la Nabokov despliega su talento con apetito de algo propio, de algo nuevo. La escribe en ruso. Un drama de corte shakespereano con la revolución bolchevique de fondo, una tragedia sobre la felicidad, un juego de traiciones, de sueños aplastados, de deseos como puñales por ambas caras. Este semillero de quedó oculto y desconocido. Nabokov no publicó la obra y hasta 1997 fue una mezcla de leyenda y secreto compartido, hasta que la revista rusa Zevezdá la volcó en sus páginas. Tras la muerte del autor de Pálido fuego, el manuscrito quedó 'sepultado' en el archivo Nabokov de la Biblioteca del Congreso, en Washington.

Más allá de las cartas escritas a Vera, no quedó rastro de la existencia de esta pieza en ningún otro lugar. Nabokov la fue olvidando, la difuminó hasta que no quedó rastro en la memoria de nadie, más que en ellos. Pero los detalles de escritura en la correspondencia revelan que quiso hacer de Tragedia del señor Morn el comienzo de sus comienzos. Algo así como el kilómetro 0 de una expedición por las letras en las que tenía previsto instalarse. Cuando la acabó dijo sentirse como una casa de la que, con sordo rumor, se llevan un enorme piano. Inédita aún en español, la editorial La uÑa RoTa rescata ahora esta pieza asombrosa en traducción de Rafael Rodríguez.

Pero aquí no sólo está el apetito literario de un joven con el camino por hacer, sino algunas astillas biográficas de aquel escritor desarraigado, orgulloso, de empeño inflamable. Como el rey de su tragedia, Nabokov también retó a duelo. A finales de 1923, el crítico Aleksander Drozdov publicó en un periódico berlinés prosoviético un "infame" artículo sobre la poesía de Nabokov, de ánimo caricaturesco. Considerándose injuriado, lo retó a un duelo, pero no obtuvo respuesta. Tragedia del señor Morn acumula ingredientes de vida, ideas, ráfagas de sospecha. Está todo aquello que importa de aquel joven Nabokov, su talento para la escritura luminosa y su capacidad de generar espacios y personajes que aceptan el fatalismo con el mismo coraje que quien los inventó. De algún modo, nada de aquello evitó que considerase el mundo como un cachorro que está esperando que salgas para jugar con él.

A comienzos de enero de 1924 escribe a Vera: "No partiré antes del 17; quiero terminar mi Morn, y con la mudanza se me escaparía. Este personaje nunca trasladaría sus sentimientos a un nuevo domicilio. Ayer, en todo el día, escribí sólo dos renglones, y, aun así, hoy los he tachado. Hoy ha ido todo inesperadamente bien, así que mañana terminaré la primera escena del tercer acto. Por alguna razón me siento muy touchy [quisquilloso] en relación con esta pieza. Por eso, con cuánto placer habré de leerlo a dos personas -a ti y en unos días a mamá-. La tercera persona que entendía cada coma, que valoraba los pequeños detalles era mi padre [...]. Los automóviles de Caramarge (sic), su baño de mármol, sus criados..., me pesan. [...]. Entiéndelo, yo necesito las comodidades, no por las comodidades en sí, sino para no pensar en ellas, y sólo escribir, escribir, desplegarme, reverberar... Pero, al fin y al cabo, quién sabe, puede ser que al escribir «el señor Morn» sentado sobre una pelliza, en un catre de arrestado, junto a una vela (lo cual sería hasta poético), me salga mejor".

Y aun así, pocos narradores en el siglo XX han hecho de su literatura un canto del mundo, una exaltación de este modo, como Nabokov. Esa combinación de exigencia, lirismo e ironía que hace de su obra un espacio hecho para la seducción está aquí tomando forma. La plasticidad de su estilo irrepetible, la monstruosidad de algunos personajes, la delicada ternura que también alojan algunas criaturas desarmadas o siniestras. Es un preciso buscador de detalles ya desde Tragedia del señor Morn. Y aquí demarca bien el territorio de lo que será aquel inmenso escritor que arranca destellos de poesía a lo cotidiano, que no esconde su radiante vitalidad a pesar de tanto, que no descabalga el humor.
Quería estrenar en Berlín la obra. No pudo ser. La guardó en un cajón, con otros tantos papeles, y siguió escribiendo como un incendio en una noche ventosa. Después de tanto todo para nada. Afortunadamente, Nabokov no se acaba nunca.