Historias de la música rock

[Serendi]

50 Cent

A los doce años vendía crack en las calles de Queens, a los veintitrés casi muere acribillado a balazos en su coche y a los veintiséis es una estrella del hip-hop. Hablamos de 50 Cent, el nuevo rey del rap, el amo de la calle... Nacido con el nombre de Curtis Jackson, 50 Cent se crió en el conflictivo barrio de Queens, en New York. Su madre, traficante de drogas, lo tuvo sola a los 15 años porque su padre no lo quiso ni conocer. Cuando ella murió Curtis tenía 8 años. A partir de ahí 50 se tuvo que criar entre sus abuelos y la calle. Desde muy pequeño empezó a trapichear con coca y a los quince ya era arrestado por posesión de crack. Por esa época empezó también a flirtear con el boxeo clandestino y aunque fue arrestado varias veces más se plantó en los 18 con suficiente dinero como para comprarse un Mercedes. Pero entre la droga y la violencia Curtis encontró una pasión: el hip hop. En 1996 le presentan a Jam Master Jay, legendario DJ de la zona, quien le enseña los "misterios" del rap. Con él graba “Your Life's On The Line” y en seguida es fichado por la Columbia Records. Allí prepara un LP, “The Power Of Dollar”, cuya publicación es continuamente aplazada (y al final cancelada) por dos motivos: la difusión pirata del álbum y la agresión a mano armada que 50 Cent sufre en mayo de 2000. Ocho balas atravesaron su coche y se le incrustaron en las piernas y otra más le dio en la cara. Curtis fue operado de urgencia y a los 13 días, milagrosamente, el rapero rebelde ya estaba otra vez en su casa. Se dice que la agresión fue motivada por el single “How To Rob”, en el que 50 Cent insultaba a varios capos del rap. Desde entonces 50 conduce un coche blindado. Aquel tiroteo paralizó la difusión de “The Power Of Dollar” y provocó el "divorcio" con la productora. Curtis comenzó entonces a autoproducirse numerosos "mixtapes" que distribuía clandestinamente con su gente (la G-Unit) en las calles de New York. Y el éxito fue rotundo. Con el dinero que ganó produjo su primer LP "legal", “Guess Who's Back”, editado en 2002 por Full Clip Records. Las cosas marchaban pero todavía faltaba lo mejor. Mientras las discográficas se peleaban por contratarle, Eminem apareció en escena. El disco de 50 le había embrujado la oreja y le propuso entrar en su firma, la Shady Records, a cambio de 1 millón de dólares. Y 50 no se lo pensó dos veces. Bajo la supervisión de Eminem y Dr. Dre se grabó “Get Rich Or Die Trying”, un experimento que no podía fallar. El estilo directo y sincero de 50 Cent en seguida cuajaron. "Get Rich Or Die Trying" salió a la venta en febrero de 2003 y, aunque tuvo una amplia difusión no autorizada en internet, vendió la friolera de 872.000 copias en la primera semana. Había nacido un nuevo rey; 50 Cent, el nuevo rey del hip hop. Fecha Nacimiento: 06/07/1976. Ciudad Nacimiento: New York. Estados Unidos. Curiosidades: - Su madre tenía 15 años cuando lo trajo al mundo y a su padre ni lo conoció. A los 8 años murió su madre y entonces sus abuelos y la calle se hicieron cargo de él. - Eminem y Dr. Dre son los padrinos de 50 Cent. No sólo lo han fichado para su sello (Shady Records) sino que salen en su video "In da club". - Antes de salir a la calle su disco ya tenía pedidos superiores al millón de copias en EEUU. No se recuerda algo así desde el "The Eminem Show". - Dos canciones suyas se incluyeron en la BSO de "8 Millas" ("Wanksta" y "Places to go"), un CD que ya ha vendido más de 6 millones de discos. - 50 Cent es un ídolo dentro del underground americano; ha vendido más de un millón de copias en el mercado pirata y es el artista número 1 en las radios especializadas. Frases que ha dicho: - Yo soy especial. La gente especial tiene más aceptación. - Eminem y yo nos parecemos en muchas cosas, él se basa mucho en sus experiencias. Yo hago lo mismo. - Hay muchos gangsters de estudio, creo que el 90% de la gente en el hip-hop... No me los creo. Hasta que no los veo en situación, no los creo. - "Get Rich or Die Tryin" es lo mejor que he grabado nunca. - Si no hiciera música volvería a vender crack.

Pagina Oficial: http://www.50cent.com

Get Rich or Die Tryin'
2005- The Massacre
2007- Curtis

https://historiasderock.es.tl/50-Cent.htm

 

[Serendi]

9:30 Fly
9:30 FLY

BIOGRAFIA
DISCOGRAFIA


De curioso nombre la banda británica 9.30 Fly estaba compuesta por el cantante Michael Wainwright, el guitarrista Lynn Oakey, el bajista Gary Charman, el batería Mike Clark y la vocalista y teclista Barbara Wainwright. El quinteto grabó en el sello Embey a comienzos de los años 70 un disco homónimo de folk-rock de empaque psico-progresivo, '9:30 Fly' (1972). Entre sus temas, con el empleo en armonía de la voz masculina y femenina de los Wainwright y producción de Mike Smith, se encuentran 'Life and times', 'Summerday', 'Time of war' o 'September'. El grupo, en noviembre de 1972, llegó a actuar como telonero de la Velvet Underground en el Malver Winter Gardens. Aunque bueno, por esa época de la Velvet original no quedaba ni el chófer. Poco después de los Fly tampoco quedó ni rastro.

1972- 9:30 Fly

1972- 9:30 Fly

Puntuacion: 5
Estilos: Folk-rock, Psychedelia

1.- Life and Times
2.- Summer Days
3.- September
4.- Unhinged
5.- Mr. 509
6.- Brooklyn Thoughts
7.- Time of War

https://historiasderock.es.tl/9-d-30-Fly.htm

 

[Serendi]

A-Ha

Formados en 1982 en Oslo, Noruega
ESTILOS: Film Score, Punk-New Wave, Synth Pop, Contemporary Pop-Rock, New Wave, Euro-Pop, Adult Alternative Pop-Rock, Alternative-Indie Rock, Dance-Rock, Euro-Rock, Club-Dance, Euro-Dance
MIEMBROS:Magne Furuholmen, Morten Harket, Pål Waaktaar

BIOGRAFIA
A lo largo de los años setenta el mercado discográfico de los países escandinavos ha estado considerado absolutamente nulo. Más tarde han destacado artistas del calibre de Yngwie Malmsteen, uno de los guitarristas más estimados del panorama heavy metal, Fra Lippo Lippi, Europe y A-Ha. Estos dos últimos en particular han sabido dominar, en la segunda mitad de los años ochenta, el mercado europeo, demostrando que también en esas tierras tan frías se ocultaban personajes capaces de encender los corazones de miles de fans. La de A-Ha ha sido definida por los periódicos para jóvenes como una fábula salida del frío. Pero tras esta frase algo romántica y un poco ingenua hay una pizca de verdad. Todo empezó en los años setenta, cuando Pal Waaktaar, nacido en Oslo el 6 de septiembre de 1961, y Mags Furuholmen, nacido también en Oslo el primero de noviembre de 1962, se encontraron en la escuela superior de dicha ciudad y decidieron dar vida a una banda. El grupo toma el nombre de Spider Empire e, imitando las empresas musicales de Jimi Hendrix y Doors, se suma al nutrido grupo de bandas urbanas orientadas al rock. En octubre de 1979, el grupo, decidido a reseguir en todo y para todo la huella de Doors, se convierte en un cuarteto, cambiando su nombre por el de Bridges. Un año después la banda graba su primer álbum, 'Fakkeltog', para la pequeña compañía Vakenatt. La tirada: 1.000 copias.

En 1981 Bridges se pone a trabajar en su segundo disco, pero en una atmósfera de insatisfacción general. El encuentro con Morten Harket traerá nuevos aires al grupo. Se trata de un muchachote de un metro ochenta y dos centímetros nacido en Kongsberg, una pequeña ciudad a pocos kilómetros de Oslo. Morten, que ya ha tocado en Soldier Blue (formación pop de Oslo), convence a Pal y Mags para operar un cambio de dirección en su música hacia terrenos más comerciales. Nacido el 14 de septiembre de 1959, Morten tiene en su haber un diploma en Teología y un curso de aprendizaje como enfermero en un hospital psiquiátrico. Su hobby es cultivar orquídeas, pasión compartida con la que siente por las mariposas. Los tres fundan Britches, pero al cabo de pocos meses una profunda insatisfacción vuelve a planear sobre el grupo: Noruega es demasiado pequeña y demasiado lejana del mercado musical internacional para permitirles profundizar. En diciembre de 1983, su maqueta, grabada esta vez en los Rendez Vous Studios, llega a oída dirigentes londinenses de la multinacional WEA, que se dan cuenta de que hay algo que hacer con una banda fresca y de un look cautivador, perfectamente adaptada a los nuevos requerimientos del mercado. En breve llega el contrato y con el la voluntad de WEA de lanzar a los tres noruegos sin reparar en gastos. Antes que nada quiere un vídeo de efecto que acompañe a aquella 'Take on me' elegida como single de debut. Como director se elige a Steve Barron, ya responsable de las sugerentes imágenes de 'Billie Jean' de Michael Jackson, 'Money for nothing' de Dire Straits, 'Heaven' de Bryan Adams, y muchos otros vídeos de gran éxito.
La gran idea de Barron es unir el dibujo animado en blanco y negro con imágenes reales de la banda. Bastan pocas semanas desde su publicación para que 'Take on me', gracias a ese increíble vídeo, suba hasta el primer puesto de las listas de dieciséis países. Es el mes de julio de 1985. El largo período de aparente inactividad que transcurre entre diciembre de 1983 y julio de 1985 oculta un hecho curioso: la WEA inglesa ha intentado por dos veces relanzar a la banda, aunque con escasos resultados; la primera vez en octubre de 1984, con un resultado de ventas de tan solo 400 copias; la segunda, en mayo de 1985. Es la demostración palpable de que sin ese acertado vídeo la banda se habría quedado en la estacada. Ahora que la banda se ha formado sólo queda aprovechar hasta el fondo el momento favorable: el grupo se mete en la sala de grabación para preparar el álbum de debut. El disco, tras una escapada a América con fines promocionales, es publicado en noviembre de 1985 con el título 'Hunting high and low'. Tema puntero del disco, además de la ya conocida 'Take on me', es 'The sun always shines on tv', una canción pop que, empero, no logra repetir el éxito del anterior, quedándose en el décimo puesto de la lista de singles.

En la primavera de 1986, A-Ha vuelve otra vez a la sala de grabación para preparar el segundo álbum, 'Scoundrel days', que saldrá en octubre. Mientras irrumpe en todas partes la "A-Ha manía", la banda decide emprender una larga gira. Compartiendo el escenario con A-Ha están tres músicos a los que se ha encomendado la tarea de ocuparse de la sección rítmica. En julio de 1987, el single 'The living daylights', escrito a cuatro manos por Pal Waaktaar y John Barry, dará un nuevo empuje de popularidad a la banda capitaneada por el guapo Morten Harket, que está causando estragos por doquier entre los jóvenes corazones. La canción es el tema principal de la película homónima de la serie James Bond. En febrero de 1988, A-Ha abre un nuevo capítulo con su participación en el Festival de Sanremo. En esa ocasión el grupo de Morten Harket interpreta 'Stay on these roads', el tema de su nuevo single. En abril, y tras la publicación del álbum 'Stay on these roads', el grupo realiza una nueva gira europea: siete actuaciones que, sin embargo, no registran el éxito esperado. Los conciertos atraen sólo a unos pocos miles de personas, sobre todo muy jóvenes, y la banda registra una caída preocupante. Desde ese momento los noruegos A-Ha caen en un profundo letargo. Para Morten, que declaraba que A-Ha no era una banda de adolescentes como Duran Duran y Spandau Ballet, tener un público tan joven ha supuesto un duro golpe. Un golpe que los ha obligado a replantearse de arriba abajo la filosofía de la banda.

DISCOGRAFIA

• 
  
  
  • 1985- HUNTING HIGH AND LOW
  • 1986- SCOUNDREL DAYS
  • 1988-STAY ON THESE ROADS
  • 1990- EAST ON THE SUN, WEST OF THE MOON
  • 1992- MEMORIAL BEACH
  • 2000- MINOR EARTH MAJOR SKY
  • 2002- LIFELINES
  • 2003- HOW CAN I SLEEP WITH YOUR VOICE IN MY HEAD
  • 2005- ANALOGUE
  • 2009- FOOT OF THE MOUNTAIN
  • 2011- ENDING ON A HIGH NOTE

http://www.historiasderock.com/aha.html

 

[Serendi]

A-Teens

Formados en 1998
ESTILOS: Dance-Pop, Swedish Pop-Rock, Teen Pop, Euro-Dance, Euro-Pop, Club-Dance, House, Progressive House
MIEMBROS:Amit Paul, Dhani Lennevald, Marie Serneholt, Sara Lumholdt

A-Teens (también conocidos como ABBA Teens) fue un grupo pop juvenil de Estocolmo, Suecia, formado en 1998 y disuelto a finales de 2004. Su carrera despegó como un grupo de versiones de ABBA, pero luego pasaron a cantar temas inéditos. Con 5 discos lanzados entre 1999 y el 2004, siendo el último una compilación de sus éxitos. Su nombre inicial fue ABBA Teens, pero Björn Ulvaeus y Benny Andersson del grupo ABBA original, forzaron a que se le cambiara el nombre. Hasta la fecha, sin embargo, siguen siendo reconocidos por muchas personas por su antiguo nombre. El grupo estaba conformado por Amit Sebastian Paul, John Dhani Lennevald, Marie Eleonor Serneholt, y Sara Helena Lumholdt. Aún así no fue mucho el tiempo para cambiarse el nombre a A-Teens, el cual los ha seguido acompañando incluso luego que los chicos crecieron y dejaron de ser teens (adolescentes). En el mes de noviembre de 1998 Marie, Sara, Dhani y Amit comenzaron a grabar lo que sería su álbum debut, 'The ABBA Generation', el cual consiste completamente en versiones de éxitos del grupo pop de los 70s. Finalmente salió al mercado escandinavo en mayo de 1999, imponiendo éxitos como 'Mamma Mia', 'Super Trouper', 'Gimme! Gimme! Gimme! (a man after midnight)' y 'Dancing Queen'.

El disco estuvo en el número 1 del ranking sueco y sonó insistentemente en varios países. En el 2001 el grupo lanzó su segundo álbum llamado 'Teen Spirit'. Con este álbum el grupo empezó a interpretar temas inéditos a excepción de uno, 'E-Type', de otro artista de Stockholm Records. Se fueron de gira por los Estados Unidos junto con Aaron Carter. De este disco salieron éxitos como 'Upside Down', 'Halfway Around the World' y 'Sugar Rush'. 'Teen Spirit' vendió 3 millones de unidades alrededor del mundo. Su tercer disco Pop 'Til You Drop!, lanzado en el 2002 en América únicamente. Luego en el 2003 se lanzaría la versión europea 'New Arrival'. Además de temas inéditos y algunos temas co-escritos por los mismos miembros del grupo, se nota una gran cantidad de versiones de otros grupos. Ninguno de ellos era de ABBA, de hecho ya por estos tiempos se le dio menor relevancia a sus orígenes, y empezaron a figurar más como el grupo pop que eran. Casi todo el disco fue grabado en Suecia, con productores estadounidenses, noruegos, daneses y suecos. También tuvieron la oportunidad de grabar un dueto con el legendario Alice Cooper, para una versión de 'School's Out'. Otros temas que destacaron de este disco fueron 'Floorfiller', 'Let Your Heart Do all the Talking', 'Can't Help Falling in Love', 'Perfect Match' y 'Heartbreak Lullaby'.

El primer mercado que atacaron fue Estados Unidos, por esa razón el primer lanzamiento se realizó en ese país. “La razón por la cual el álbum fue publicado antes en USA que en el resto del mundo es simple. Lanzar un disco ahí requiere tiempo y esfuerzo. Con el propósito de concentrarse en el lanzamiento y dedicar suficiente tiempo a todos los países, fue necesario hacerlo primero en USA y luego en Europa, Latinoamérica y Asia, un poco después”, explica Amit. Durante este tiempo hicieron tour con los grupos Play, LMNT y Jump 5. Tanto 'Pop til you Drop!' como 'New Arrival' vendieron solo 800,000 copias. En el 2004, A-Teens lanza un álbum de 'Greatest Hits', con el cual empiezan un break para lanzar proyectos en solitario. Desde entonces y hasta la actualidad, cada miembro se ha dedicado a diferentes proyectos individuales. 'Greatest Hits' ha vendido 500,000 unidades. En total este grupo sueco vendió 10.000.000 sumando álbumes y singles.

DISCOGRAFIA

• 
  
  
  • 1999- THE ABBA GENERATION
  • 2001- TEEN SPIRIT
  • 2002- POP 'TIL YOU DROP
  • 2003- NEW ARRIVAL

http://www.historiasderock.com/ateens.html

 

[Serendi]

Abba

Formados en 1972 en Stockholm, Suecia
Disueltos en 1983
ESTILOS: Contemporary Pop-Rock, Euro-Pop, AM Pop, Scandinavian Pop, Swedish, Pop-Rock, Disco
MIEMBROS:Agnetha Fältskog, Anni-Frid Lyngstad, Benny Andersson, Björn Ulvaeus

BIOGRAFIA
ABBA, grupo sueco de música pop, el de más éxito en su país y empata en ventas mundiales con The Beatles. En Junio de 1966 se empezó a fraguar lo que después culminaría en la creación de ABBA, ya que fue en esa fecha cuando Björn Ulvaeus y Benny Andersson empezaron a trabajar juntos. Sin embargo, no sería hasta 1969 cuando conocieron a las otras dos componentes y vocalistas, Agnetha Fälkstog -que había conocido a Björn en las giras de éste con su anterior grupo, Hootenanny Singers- y Anni-Frid Lyngstad, que además se convirtieron en sus respectivas parejas. En 1972, 'People Need Love' se convirtió en el primer single del nuevo grupo llamado, simplemente, Björn & Benny, Agnetha & Anni-Frid. Ese mismo año, la canción 'Say it with a song' interpretada por Lena Anderson y compuesta por Ulvaeus y Anderson, causó furor en el país nórdico. Ello les animó a que, en 1973, se presentasen a la selección de canciones para Eurovisión con el single 'Ring Ring', que quedó tercera pero fue, igualmente, un éxito internacional.

Entre 1973 y 1974 el grupo fue denominado ABBA, acrónimo de las iniciales de sus cuatro componentes, justo antes de que su canción 'Waterloo' fuera, definitivamente, seleccionada para representar a Suecia en el XIX Festival de Eurovisión, celebrado el 6 de abril de 1974. La canción ganó el concurso, con 24 votos a favor frente a los 18 de la finalista (Italia, con Gigliola Cinquetti interpretando 'Si') Gracias al triunfo en Eurovisión el single fue un rotundo éxito en toda Europa. Con su siguiente número 1, 'SOS', editado año y medio después, ABBA consiguió repetir triunfo en todo el continente. Sin duda, una de sus canciones más exitosas y aún conocidas hoy día es 'Mamma Mia' (Que da nombre al musical que está basado en las canciones de este maravilloso grupo), aparecida poco después, en 1975, que llegó a ser Número 1 en Australia y Reino Unido. Al año siguiente, el éxito de canciones como 'Fernando' y 'Dancing Queen' (La canción más conocida del grupo, y su único #1 en el puesto Billboard de Estados Unidos) supuso que el grupo empezase a hacer versiones en otras lenguas -no sólo sueco e inglés- de sus canciones.
En pleno apogeo de su fama, se llegó a producir, en 1977, la película basada en su gira australiana de aquel año, 'Abba : The Movie'. Fue la etapa más dulce de ABBA y la de la conversión de su música de pop a disco, pero también en la que la amistad de los componentes se empezaría a resquebrajar. En 1979, Björn y Agnetha anunciaron su divorcio, reflejado además en muchas de las melodías compuestas desde entonces, como 'The Winner takes it all' de 1980. En 1981, la segunda pareja de ABBA, Benny y Frida, se divorciaron también, lo que no impidió la salida de su octavo disco 'The Visitors' a finales de año, el cual contenía la canción 'One Of Us', su último éxito conocido. Pero el grupo ya estaba disuelto, desde el momento en que cada uno tenía sus propios objetivos. Así pues, en 1982 Benny y Björn se alejaron progresivamente del conjunto por su trabajo en el musical 'Chess', y Agnetha y Frida por la preparación de sus inminentes carreras en solitario. Tras el lanzamiento de 'The Day Before You Came' (último tema grabado) y el relativo fracaso del último single del grupo, 'Under Attack', en diciembre de 1982, ABBA anunció su separación temporal. Aunque sus canciones han seguido produciendo beneficios desde entonces, nunca más se volvieron a reunir. En 2004 se cumplieron 30 años de su victoria en Eurovision, para ello los miembro de ABBA (a excepción de Agnetha) organizaron una fiesta por todo lo alto.
Después de ABBA

Tras la ruptura del grupo, Björn Ulvaeus y Benny Anderson siguieron trabajando juntos, sobre todo en la composición de musicales como 'Chess' (1984), junto a Tim Rice, Kristina från Duvemåla (1995). El último de ellos ha sido 'Mamma Mia!', inspirado en la trayectoria del grupo y construido alrededor de sus propias canciones, en 1999. Han emprendido carreras como productores de varios grupos como Gemini.

Anni-Frid Lyngstad empezó a trabajar en solitario en 1982 mientras el grupo realizaba sus últimas grabaciones, año en el que editó su álbum 'Something Going on' de la mano de Phil Collins. El tema que dio título al disco fue un gran éxito en Europa e incluso Estados Unidos. Luego siguió 'Shine' en 1984, producido por Steve Lillywhite. En 1996 publicó su último disco, 'Djupa Andetag', y su carrera ha sido exitosa en Suecia. En 2004 participa junto a Dan Daniell del single 'Liebber Gott' para un tema benefico, en el que se incluye una nueva versión del clásico tema de Abba 'I have a dream'. Un año más tarde graba las voces del tema 'The sun will shine again', incluido en el álbum 'Beyond the notes' de Jon Lord (ex Deep Purple).

Agnetha Fälkstog también empezó a trabajar exitosamente en solitario ('Wrap Your Arms Around Me' en 1983; 'Eyes Of A Woman' en 1985), pero en 1987, tras la publicación de su 'I Stand Alone', cayó en una depresión de la que no se remitió hasta años después. Hace poco ha reaparecido con el disco 'My Colouring Book'.
Homenajes

A pesar de las críticas a las que fue sometido el grupo durante toda su carrera, de baja calidad musical según muchos, durante los últimos años se ha visto renacer una nueva ABBA-Manía reflejada en la aparición de musicales, recopilatorios y versiones de otros grupos, Entre estos cabe destacar a A-Teens (grupo surgido en un inicio bajo el nombre de ABBA Teens y que hacía versiones juveniles de las canciones de los suecos), Erasure o Ash. Recopilatorios como 'ABBA Gold' (1992) produjeron 26 millones de ventas, y el musical 'Mamma Mia', estrenado en 1999 en Londres, sigue representándose y ha sido visto por más de 17 millones de personas, según el sitio web oficial de ABBA. El 22 de octubre de 2005, 'Waterloo' fue elegida la mejor canción de la historia de Eurovision en el 50 aniversario del festival. Madonna, utilizó la melodía del tema 'Gimme, Gimme, Gimme' en su tema 'Hung Up', primer puesto por muchísimas semanas en el mundo.
Biografía de los componentes

Björn Kristian Ulvaeus nació en Gotemburgo, Suecia, el 25 de abril de 1945 y empezó a tocar profesionalmente en the West Bay Singers, un grupo de rock. Allí fue donde le descubrió Stig Anderson, el fundador de la productora Polar Music, que renombró la banda como los Hootenanny Singers y los convirtió en un fenómeno de masas adolescente. Conoció a Benny Andersson en 1966 y su primera canción, 'Isn't it easy to say', fue un éxito en Suecia. Poco antes de componer ABBA, se casó el 6 de julio de 1971 con Agnetha Fälkstog, con la que tendría dos hijos (Linda y Peter) antes de su divorcio en 1979. Volvió a contraer matrimonio, el 5 de enero de 1981, con Lena Källersjö, con la que tiene otros dos hijos.

Göran Bror Benny Andersson nació el 16 de diciembre de 1946 en Estocolmo, Suecia en una familia de tradición musical; en 1964 formó su primer grupo, The Hep Stars, uno de los más populares grupos de pop suecos en la década de 1960. Benny formaría parte de él hasta 1969. Se casó con Anni-Frid Lyngstad el 6 de octubre de 1978, siendo ésta su segunda mujer después de Christina Grönvall, madre de sus dos primeros hijos (Ludvig y Peter). Se divorciaron en febrero de 1981, y a finales del mismo año Benny se casó de nuevo con Mona Nörklit, con la que tiene un hijo.

Agnetha Åse Fältskog nació el 5 de abril de 1950 en Jönköping, Suecia. A los dieciséis años empezó su carrera como artista, alcanzando los primeros puestos de las listas de venta en 1967, gracias a la canción, escrita por ella misma, Jag var så kär. En 1972 interpretó a la Magdalena en la versión sueca del exitoso musical Jesucristo Superstar. Se casó el 6 de julio de 1971 con Björn Ulvaeus, con el que tendría dos hijos (Linda y Peter) antes de su divorcio en 1979. El 15 de diciembre de 1990 se volvió a casar con Tomas Sonnenfeld, del que se divorció tres años después. Es la componente de ABBA cuya carrera en solitario ha sido más próspera en su país natal, Suecia, a pesar del parón que efectuó desde 1987 hasta 2004, año en el que publicó 'My Colouring Book'.
Anni-Frid Synni Lyngstad, nació el 15 de noviembre de 1945 en Ballangen, Noruega, hija de un soldado alemán, Alfred Haase, y Synni Lingstad, una adolescente noruega que murió cuando Frida tenía dos años. Tiempo después la cantante descubrió que su nacimiento había sido causado por un proyecto Lebensborn. Se casó en 1962 con Ragnar Fredriksson (con quien tendría dos hijos, Hans y Ann Lise-Lotte) y empezó a trabajar en bandas locales hasta 1967, cuando ganó un concurso de talentos que le proporcionó la oportunidad de grabar un disco que pasó bastante desapercibido. Tras ello empezó a actuar en cabarets, y allí conoció a Benny Andersson, con quien se casaría el 6 de octubre de 1978. Se divorciaron en 1981.

Tras la disolución de ABBA, Frida emprendió una carrera en solitario en Suecia que abandonó para contraer nuevo matrimonio. En 1992, Frida se casó con el Príncipe Heinrich Ruzzo Reuss von Plauen, que murió de cáncer linfático en 1999. Un año antes, en 1998, la hija de Frida, Ann Lise-Lotte Casper murió en un accidente de tráfico en los Estados Unidos, donde vivia. El matrimonio de Anni-Frid con el príncipe le confirió el derecho a titularse Su Alteza Serenisima la Princesa Anni-Frid Reuss von Plauen, y le abrió las puertas de la Corte Real sueca, dado que su marido era amigo del rey Carlos XVI Gustavo. En la actualidad, la princesa Reuss von Plauen reside en Suiza, y se dedica a obras de caridad, en especial, con la prevención de drogas.

DISCOGRAFIA

• 
  
  
  • 1973- RING RING
  • 1974- WATERLOO
  • 1975- ABBA
  • 1976- ARRIVAL
  • 1977- THE ALBUM
  • 1979- VOULEZ-VOUS
  • 1980- SUPER TROUPER
  • 1981- THE VISITORS
  • 1993- GOLD GREATEST HITS

Copyright © 2013 by "Erlantz-Bikendi"
E-Mail: erlantzbike@gmail.com
http://www.historiasderock.com/abba.html

 

[Serendi]

Slash, el último gran héroe del trinomio s*x* drogas y rock and roll
Todo apunta a que grabará nuevo disco con Guns N’ Roses

Nacho Serrano@REVISTA_HRB
Actualizado:09/03/2019 01:21h
0 Slash admite que algunas letras de Guns n' Roses son «sexistas»

• Kurt Cobain, un mito que no se desvanece

Arrestos por posesión de drogas y escándalo público, sobredosis de heroína, bacanales sexuales en camerinos, destrozos de habitaciones de hotel... Saul Hudson, más conocido como Slash, fue el último «guitar-hero» que cumplió a rajatabla todos los mandamientos del trinomio s*x*, drogas y rock’n’roll. Después hubo más estrellas planetarias de las seis cuerdas ( Kurt Cobain, Jack White, Matt Bellamy), pero ninguna llegó a jugar(sela) con todos los elementos de la ecuación al mismo tiempo.

Casi nadie en el negocio puede decir, por ejemplo, que murió y volvió para contarlo. En 1992 estuvo clínicamente muerto durante varios minutos tras inyectarse demasiado caballo en un hotel de Oakland (California). Una experiencia que él mismo describió en sus memorias: «Salgo de la habitación, arrastro los pies por la moqueta, dándome cuenta de que estoy mareado y no puedo hablar. Abro la puerta, no controlo nada. Veo a una señora de la limpieza y pregunto por el ascensor, pero escucho mi voz muy lejana. Caigo al suelo del pasillo como un muñeco... Perdí el conocimiento y mi corazón se detuvo durante ocho minutos. Me desperté cuando los desfibriladores me golpearon el pecho y recargaron mi corazón para que pudiera latir. Recuerdo la luz intensa en mis ojos y un círculo de gente a mi alrededor». Dos días después, ya estaba de nuevo sobre el escenario dando guitarrazos «en plena forma».

Las viejas estrellas del rock estaban hechas de otra pasta, de eso no hay duda. Slash, que hasta la fecha ha sobrevivido a tres infartos, fue un adolescente con tendencias adictivas que pisó el acelerador de los excesos hasta el fondo cuando conoció a sus socios de Guns ‘N’ Roses. En el verano de 1985 vivían juntos en un cuchitril al que bautizaron como «La casa del infierno», un lugar de depravación donde vendían «drogas y chicas», como relató su su compañero Izzy Stradlin en su autobiografía. Dos años más tarde, convertidos en «rock-stars» gracias al enorme éxito de su disco de debut «Appetite for destruction», empezaron a competir en vandalismo con los hermanos tóxicos de Aerosmith, que los reclutaron como teloneros de su gira. «Nos alojábamos en peores hoteles que ellos, pero eso no nos impedía ir hasta allí para destrozarlos», cuenta Slash en su libro.
Ochenta serpientes y un puma


Cuando no estaba de gira, la cosa no iba mejor. A principios de los noventa se compró una mansión en Los Ángeles y la llenó con más de ochenta serpientes y lagartos, una docena de gatos y un cachorro de puma llamado Curtis, entre los que caminaba totalmente colocado de cocaína y armado con una pistola. «Me metía un tiro y caminaba por la casa, alucinando. Y disparaba varias veces».

Guns ‘N’ Roses implosionaron en 1996 pero Slash no consiguió empezar a controlarse hasta 2006. «Ese año fue la primera vez que subí sobrio a un escenario», confesó en una entrevista. Una década más tarde, tras probar con diferentes proyectos (Slash’s Snakepit, Velvet Revolver y Slash featuring Myles Kennedy and The Conspirators, con los que ahora nos visita), volvió a reunirse con los Guns para salir de gira. Y parece que la cosa va en serio, pues todo apunta a que pronto entrarán al estudio para grabar un nuevo disco. Una gran noticia para todos sus fans. Pero que Dios le proteja

https://www.abc.es/cultura/musica/a...-drogas-y-rock-roll-201903090121_noticia.html

 

[Serendi]

Diez cosas que seguramente no sabías de Keith Richards
Su vida ha hecho correr ríos de tinta, pero todavía hay detalles relevantes poco conocidos

Keith Richards en una foto promocional de 'Talk Is Cheap'
VÍCTOR LENORE
PERFILEMAILTWITTER

• Enviar por email
• Compartir en Flipboard
• Comentar1

PUBLICADO 07.03.2019 - 20:44
ACTUALIZADO8.3.2019 - 11:25

Keith Richards (Kent, 1943) siempre está de actualidad. Ahora vuelve con un motivo musical, la reedición de ‘Talk Is Cheap’ (1988), su primer álbum en solitario. Como el buen vino, el disco ha mejorado con los años, pero también es verdad que hace tres décadas interesa mucho más el estilo de vida de los Stones que cualquiera de sus grabaciones.

Spotify como discoteca global: descubre qué música gusta realmente al públicoSpotify como discoteca global: descubre qué música gusta realmente al público
Todo lo importante en el plano cultural que tenían que decir los Rolling Stones, lo dijeron en los años sesenta y setenta, aunque todavía sean capaces de firmar canciones elegantes, seductoras y llenas de oficio. Aquí resumimos algunas pinceladas que ayudan a completar el retrato de uno de los personajes del siglo XX que más han fascinado al gran público. Y que lo sigue haciendo a los 76 años.

1. Su precocidad musical es asombrosa
A los tres años, gracias a los discos de su madre, ya era fan de músicos de la talla de Sara Vaughan, Big Bill Bronzy, Louis Armstrong, Billy Eckstiney Ella Fitzgerald, entre muchos otros. Durante años tiempo pensó que Jerry Lee Lewis era afroamericano, por su manera de tocar y cantar. ¿El motivo? Los primeros singles de “The Killer” que llegaron al Reino Unido no incluían fotos del músico.

2. Algunos de sus éxitos más atronadores no tienen guitarra eléctrica
Las versiones de estudio de clásicos 'stonianos' universales como “Street Fighting Man” y “Jumpin Jack Flash” no contienen guitarras eléctricas. Richards creó ese sonido tan especial y adictivo superponiendo capas y capas de guitarras acústicas y filtrándolas a través de un casete barato. Aunque tenga aspecto de troglodita, estamos ante un sofisticado alquimista del estudio de grabación.

3. Fue expulsado de los 'boy scouts'
Pasó dos años en los 'boy scouts', pero fue expulsado por meter botellas de whisky en una reunión de exploradores. “Poco después peleamos con unos tipos de Yorkshire, así que el sospechoso era yo. Descubrieron la pelea cuando quise pegar a un tipo pero en su lugar le pegué al feriante de una carpa, ¡y me rompí un hueso de la mano!" Un par de semanas después, le pegó a un "recluta imbécil" -sus palabras- y lo echaron. Lo cuenta en 'Keith Richards: la biografía', de Victor Bockris.

4. El blues le hizo darse cuenta de que necesitaba s*x*
Descubrió el blues, su gran amor musical, investigando las raíces del rock and roll. “Los años en la escuela de arte para mí fueron tocar música sentado en el inodoro. Tenía mucho tiempo para investigar. La BBC no ponía blues, por eso buscabas gente que te pudiera proporcionar información”. Poco a poco, descubrió que la mayoría de canciones del género hablaban de s*x*, un territorio que para él era desconocido. “Entonces te das cuenta de que hay que atender al jugo de limón que te baja por la pierna”, explica, en una clara referencia a “The Lemon Song”, de Led Zeppelin.

"Los cotizados músicos de la banda de 'Talk Is Cheap' eran famosos por beber más que el guitarra de los Stones, hasta el punto de que Keith llegó a prohibir el Jack Daniel's en las sesiones".

5. No es precisamente pacifista
Él mismo confesó en una entrevista de 2010 con el diario The Times. Por ejemplo, apoyó con entusiasmo la segunda Guerra del Golfo, la de la foto de las Azores en 2003 . “Escribí una nota personal a Tony Blair diciendo que era demasiado tarde para volverse atrás, que debía mantenerse firme en su alianza Estados Unidos. Me devolvió otro mensaje dándome las gracias”, recuerda. El exprimer ministro británico atesora esa nota entre sus posesiones más preciadas.

6. Prohibió el Jack Daniel's en una de sus grabaciones
Decidió llamar a la banda que le acompaña en solitario The Xpensive Winos, nombre que seguramente nace de una anécdota que sucedió en el estadio durante la grabación de ‘Talk Is Cheap’. Los músicos colaron una botella del exclusivo Château Lafite, cuyo precio habitual oscila entre los 780 y 1.200 euros.

El periodista Héctor G. Barnés, en el último numero de Ruta 66, añade que quizá el nombre tenga que ver también con que el caché de los cotizados músicos que le acompañan, un lujo caro que se podía permitir. Entre ellos, destaca su estrecha relación con el batería Steve Jordan, una de las dos únicas personas del planeta con quien está dispuesto a compartir créditos de composición. “Solo hay dos posibilidades: o Jagger/Richards o Jordan Richards”. Los músicos de aquella banda eran famosos por beber más que el 'stone', hasta el punto de que Keith llegó a prohibir el Jack Daniel's en las sesiones.

7. Es un machista impenitente, en especial con las mujeres negras
Ojo a esta frase de su biografía 'Vida' (2011): “Si querías aprender algo de verdad bastaba con atravesar las vías del tren: los músicos negros nos cuidaban muy bien cuando tocábamos con ellos. '¿Quieres echar un polvo esta noche? Ésa estaría encantada. Seguro que no ha visto en su vida un tipo como tú'. Te ofrecían su hospitalidad, su comida y su jodienda”. No fue un desliz aislado. Los Rolling Stones tienen otras canciones racistas y misóginas como ‘Brown Sugar’ (1971), que habla en tono celebratorio de la costumbre de los dueños de plantaciones de violar a las esclavas negras. O ‘Some girls’ (1978), donde cantan que “las chicas negras solo quieren follxx toda la noche”.

8. En 1970, casi incendia la mansión Playboy
Ocurrió mientras se metía drogas en el baño con el saxofonista Bobby Keys. Cuando el personal tiró abajo la puerta para apagar las llamas, que no asustaban a los músicos por efecto de los estupefacientes, les echó la bronca con la frase “¿Cómo se atreven a invadir mi privacidad?”. Richards disfruta imitando las respuestas cortas e ingeniosas de James Bond. Una vez Brian Jones, malogrado guitarra de los Rolling, tuvo que ir al hospital cuando intentó pegar un puñetazo a su novia Anita Pallenberg, pero falló y golpeó el marco de metal de una ventana. La respuesta de Richards fue “Brian nunca fue bueno conectando con Anita”.

9. Está dejando de considerarse alguien molón
Para la mayoría del planeta, Richards es un epítome del 'cool', pero la percepción está empezando a ser contestada en los últimos años. Ahora en la prensa británica se pueden retratos tan desalentadores como este de la escritora y periodista Caitlin Moran en 2013: “Piensa en sus días esnifando, fumando, pinchándose, bebiendo y follxxxx cualquier cosa que se moviera. ¡Todo el mundo le ama! ¿A Keef? ¿Tan pasado que no se enteró de que dos groupies, follxxxx delante de él, se prendían accidentalmente fuego al pelo? ¡Rock and roll! Para muchos esto es lo mejor de los Stones. A pesar de que, se mire por donde se mire, debió de ser una verdadera pesadilla estar cerca de él: paranoico, débil, poco fiable, propenso al malhumor, obsesivo y casi siempre en un estado tal de inconsciencia que la única forma de llevarle de un sitio a otro era agarrado por los tobillos. Aún sentimos un ligero estremecimiento cultural -¡Guau, genial!- cuando la gente recuerda esta mierda”, denunciaba.

10. En Argentina le prefieren antes que a Jagger
Keith Richards tiene claro cuál es el país donde más le quieren. "Los argentinos son el público más grandioso, energético y entusiasta que cualquiera pudiera desear”, ha dicho. No solo eso, sino que allí le quiero a él muy por encima de a Jagger. Basta echar un ojo a esta crónica de La Nación: “Los guardias de seguridad movían vallas y marcaban la ansiedad de los presentes, a solo cuatro cuadras estaba el otro hotel, el Hyatt. Según los datos que circulaban, Mick Jagger iba a hospedarse ahí. Más allá de algunos policías, no había público esperando al vocalista. Tampoco lo había en el Faena donde se sabía que iba a parar Charlie Watts. Por alguna razón todos esperaban a Keith Richards y Ron Wood, aunque en realidad esperaban a Keith. ¿Por qué no van a ver si llega Jagger? ‘Richards fue el primero en venir a la Argentina en 1992 y eso hizo que haya un relación muy especial con él’, explicó Marcelo Silato, de 45 años, quien hace 30 que colecciona material de la agrupación”.

Ovación

‘Talk is Cheap’: el disco en solitario que salvó a los Stones
Richards nunca quiso grabar un disco en solitario. Antes de grabar ‘Talk Is Cheap’ había declarado que solo lo haría en caso de que los Rolling Stones se disolvieran. Finalmente, cedió en una etapa muy complicada para el grupo: Mick Jagger daba señales de estar más interesado en una carrera en solitario y además se había muerto Ian Stewart, el pianista que servía de pegamento humano a la formación en esos días. Richards dudaba seriamente de que pudiera ser el líder de nada. Con muchas cosas en contra, consiguió hacer un disco que sonaba crudo, enérgico y con cierto grado de frescura. Además de un plantel de músicos de primera, contó con invitados de lujo provenientes del funk (Maceo Parker, Bootsy Collins) y del rock and roll (Patty Scialfa de la E Street Band de Bruce Springsteen). Las canciones sonaban inconfundiblemente stonianas y llegaron al estatus de disco de oro, confirmando que había hambre por la vuelta del grupo. La cerrara en solitario de Jagger no cuajaba y el grupo volvió a reunirse para ‘ Steel Wheels’ (1989)

Reportaje completo (incluyendo videos) en el siguiente enlace:

https://www.vozpopuli.com/altavoz/cultura/keith-richards-disco-talk-is-cheap_0_1224777762.html

 

[Serendi]

La intensidad del pop-rock de Florence and the Machine toma Madrid
El madrileño Wizink Center -antiguo Palacio de los Deportes- ha recibido por primera vez a la banda del sur de Londres (Reino Unido), un concierto al que han asistido más de 15.000 personas

Concierto de Florence and the Machine EFE
LUPE CARRASCO
PERFILEMAILTWITTER

• Enviar por email
• Compartir en Flipboard
• Comentar0

PUBLICADO 22.03.2019 - 09:07ACTUALIZADO22.3.2019 - 9:38

Que tiene una voz prodigiosa es indiscutible y que su directo es de los mejores de la actualidad es una realidad. Florence and the Machine recibió la pasada noche el calor de un madrileño Wizink Center a rebosar, con más de 15.000 personas cantando sus temas eléctricos, intensos, íntimos y sin demasiados artificios para mostrar notas inalcanzables por muchos.

Dylan, Knopfler, Sheeran... Estos son los grandes conciertos internacionales de 2019Dylan, Knopfler, Sheeran... Estos son los grandes conciertos internacionales de 2019
Este jueves, el antiguo Palacio de los Deportes recibía por primera vez a la banda del sur de Londres (Reino Unido) para presenciar a un canto a la libertad, la igualdad, la fuerza y la serenidad.

Comenzó media hora después de la cita prevista, pero el espectáculo, que duró algo más de hora y media, cumplió con lo exigido por el respetable. Descalza, con su melena de pelo rojizo al viento y con un vestido vaporoso semitransparente, Florence (voz) compartía escenario con instrumentos como el arpa, el violín, el piano, la guitarra o la batería.

Los instrumentos son esenciales en su música. Con ellos logran que sus temas no entiendan de géneros y adquieran matices del pop-rock, pop, rock alternativo, art-pop y, en ocasiones, recuerden al soul.

El concierto empezó con saltos coléricos y exaltados respaldados por giros en el escenario para poner voz a 'June', con su "and I'm so high, I can see an angel" ("estoy tan alto, puedo ver un ángel"), que parecía describir la escena de ese preciso instante. Algo que también ocurre con 'Queen of peace', términos que parece que hablan de ella misma.

A los acordes de este tema les siguió 'Hunger', tema de su último disco 'High as Hope' (2018, Virgin EMI Records). También tocó otros como 'Between two lungs', para sacar la parte más íntima gracias al arpa. Cantó 'Only if for a night', 'The end of love' o una de las más recientes, 'Moderation' (2019).

Florence and the Machine EFE
"Esta noche no importa de dónde vengáis, esto es para todos", dijo con su tono pausado y rebosante de paz y calma, una tendencia seguida durante todo el concierto -posiblemente uno de los mejores de este año-.

La banda británica no dudó en hacer homenaje a su ciudad natal y tocaron 'South London forever', como un alegato sobre la belleza de Londres.

Hizo una confesión, su amor y admiración por una de las mujeres más relevantes de cuarto arte, la rockera de Chicago (EEUU) Patti Smith. A ella (y a los asistentes) les cantó 'Patricia', un tema que se incluye dentro de su nuevo trabajo y con el que se plasma su total compromiso con las mujeres y el empoderamiento femenino.

Como si de una heroína se tratase, Florence Welch paró sus saltos y su electricidad para hacer un llamamiento de lucha contra la "toxic masculinity" ("masculinidad tóxica"). Sonó 'What kind of man', de su álbum 'How Big, How Blue, How Beautiful' (2015) y el público se vino arriba.

Los momentos álgidos del concierto surgieron con el tema 'Dog days are over', que se remonta a 2009 y su álbum debut 'Lungs'. También con el más esperado, 'Shake it out', un tema con el que el respetable levantó la voz y acompañó a la artista durante cada verso.

Agudos imposibles
Los agudos alcanzaron la cúspide con '100 years' y la batería hizo lo propio para plasmar la vena del rock con fuerza y energía, escenificado por los espasmos de Welch, que arrancaron la ovación del público en cada instante.

La luz fue tenue durante todo el recital, hasta que llegó su 'Cosmic love' y las linternas de los teléfonos móviles -que ya sustituyen a los mecheros- inundaron la pista y la grada del Wizink para iluminar su art-pop.

Florence and the Machine EFE
Florence and the Machine dio paso al encore, aunque casi imperceptible, y regresaron al escenario de tonos arena para interpretar 'Big God', una de las versiones más íntimas que invitaba a sentarse y disfrutar de los acordes de un tema con golpe suave de percusión.

La intensidad del pop rock y la pureza de las letras terminó por todo lo alto, con la mencionada 'Shake it out' y un Palacio entusiasmado y completamente eclipsado por su música. Un público que hasta guardó los teléfonos móviles y se abrazó cuando Welch, como erigiéndose como ente divino lo pidió.

Su último trabajo es el cuarto disco de estudio, ya cuenta con 'Lungs' (2009), 'Ceremonials' (2011) y 'How Big, How Blue, How Beautiful' (2015).

"La gente piensa que soy intensa"
Aunque era su primera vez en el Wizink, en España ya había estado. De hecho lo mencionó en el propio concierto. "Han pasado 10 años desde que estuvimos en la sala Razzmatazz de Barcelona. Tocamos a las cuatro de la mañana y creo que no nos pagaron con dinero", bromeó.

Este es el segundo concierto de su gira por este país, estuvieron en el Palau Sant Jordi de la Ciudad Condal el pasado miércoles (con alrededor de 10.000 asistentes).

Florence bajó a la pista, con el gentío rendido a sus pies, e incluso abrazó y dedicó unos minutos a los que se encontraban en primera línea. "La gente piensa que soy intensa", afirmó y, desde luego, la pasada noche no dejó indiferente a nadie.

Florence and The Machine EFE

https://www.vozpopuli.com/altavoz/c...id-Florence-and-the-machine_0_1229277165.html

 

[Serendi]

MÚSICA
Ladilla Rusa, el orgullo charnego que triunfa en YouTube

• JAVIER BLÁNQUEZ
  Barcelona

Lunes, 15 abril 2019 - 12:19

• Compartir en Facebook
• Compartir en Twitter
• Enviar por email

Con 400.000 visionados en la plataforma, 'KITT y los coches del pasado' es una reivindicación de las casetes de gasolinera de Junco por parte de este dúo de periodistas de Montcada

Tania Lozano y Victor F. Clares, los dos componentes de Ladilla Rusa.EL MUNDO
Ladilla Rusa nació una día en que Tania Lozano y Víctor F. Clares se tomaban unas cervezas, ya algo achispados, en una terraza de Barcelona, y se les ocurrió una canción que iba, casualmente, de castigar el hígado y arrastrarse por los bares. Les salió con deje rumbero y saladura, y en pleno subidón anunciaron en Facebook que acababan de montar un grupo, sin saber la que se les vendría encima.


Desde entonces han pasado dos años y se han encontrado con que lo que empezó siendo una broma se ha convertido ya en un trabajo, cuando, en teoría, lo que da de comer a Clares y Lozano es el periodismo. Aunque estando tan mal lo de la comunicación -"ahora estamos en paro", admiten-, su electropop agitanado que despierta pasiones en YouTube les ha servido al menos para que les contraten este verano en festivales como el Arenal Sound o Sonorama.

Ladilla Rusa es, como Ojete Calor, Putochinomaricón o las ya desaparecidas Las Bistec, un proyecto de broma que va en serio. O que ha empezado a ir en serio cuando la gente ha jaleado sus singles como si fueran himnos del despiporre. "Se nos ha ido de las manos completamente", cuenta Víctor, "así que hemos tenido que profesionalizarnos a marchas forzadas. Aunque no sepamos tocar, estamos aprendiendo a escribir canciones y a conocer cómo funciona esta profesión". Y ahora que han conseguido su primer éxito viral -el vídeo de su nueva canción, 'KITT y los coches del pasado', un homenaje a la rumba quinqui de los 80-, no parece que sea el mejor momento para dejarlo.

De hecho, han tocado una tecla que funciona, la tecno-rumba. Ahora que hasta el ex presidente extremeño José Antonio Monago exclama orgulloso en los mítines que a él le gusta Camela -su confesión ha sido el meme más celebrado del mes-, Ladilla Rusa reivindican al mito de la rumba del extrarradio barcelonés: Ricardo Gabarre, alias Junco, el rey de la Ciudad Satélite de Cornellá.

"Cuando íbamos al instituto", recuerda Tania, "nos pasábamos cintas de Los Chichos, de Los Chunguitos, de Tijeritas... En aquella época, lo que se escuchaba era Estopa, pero a nosotros nos dio por eso. Y Junco el que más".

No es que Víctor y Tania sean consumidores únicamente de rumba en casete, ya que su perfil es más ecléctico -Víctor ha sido el reportero de exteriores de La hora musa, el último programa musical emitido en La 2, de momento sin fecha de regreso, y presume de haber sido el segundo periodista en haber entrevistado a Rosalía, cuando a Rosalía no la conocía nadie-, pero cuando te has criado en un barrio de Montcada -como es su caso-, o de Hospitalet o El Prat, es inevitable haberse expuesto a esas canciones, ya fuera en viajes de verano al pueblo en el Seat 127 o atronando en algún bloque de viviendas.

"Reivindicamos el extrarradio", dicen, "y queremos que la gente lo conozca. Hay que darle valor". Ya no viven en Montcada, pero el apego a los orígenes nunca se pierde. Parafraseando a lo que se dice en el hip hop -puedes sacar a un negro del gueto, pero nunca podrás sacar el gueto del negro-, si has crecido en el cinturón rojo (hoy naranja), el orgullo charnego se luce como una medalla.

El concepto charnego, que después de muchos años enterrado en el fondo del argot despectivo catalán ha resurgido de nuevo como una calificación que estigmatiza como catalán de segunda a quien no tenga ocho apellidos rastreables hasta los días de Martín el Humano, es el que reivindican también Ladilla Rusa como algo autóctono que enriquece el carácter del pueblo. "No es cierto que los charnegos estemos perseguidos aquí, como dicen los de Ciudadanos", explica Víctor, "pero también es verdad que no se considera esta cultura como parte de la cultura catalana. Y nosotros reivindicamos a Junco como patrimonio catalán".

Como Ladilla Rusa parece que va para largo, y ellos se divierten disfrazándose y escribiendo canciones de costumbrismo canalla, ya empiezan a pensar en el futuro. Lo primero será pausar los lanzamientos, y no ir tan rápido como en 2017 - "no nos conocía nadie y había que hacerlo así"-, para trabajarlas con más mimo en compañía de su productor, Ignacio Miranda, el responsable de los grupos electropop Ultraplayback y Julieta Jones.

Y es que la experiencia con 'KITT' -la historia de un señor, José María, al que le regalan un coche como el de Michael Knight, que habla y conduce solo, incluso fabricado en Calzadilla de los Barros, provincia de Badajoz, pero que no le gusta porque está acostumbrado a los coches de antes, con alfombrilla de bolas, ambientador de pino y cenicero que apesta a Celtas- ha sido tan satisfactoria que ya no lo quieren dejar. Y con suerte lanzarán la canción en casete y se podrá comprar cuando vayamos a echar gasolina.
https://www.elmundo.es/cultura/musica/2019/04/15/5cb3c847fc6c839d6e8b45ad.html

 

[Serendi]

The Chemical Brothers se lían a bombazos: si nos pilla la guerra, que sea bailando


Además de lo nuevo de The Chemical Brothers comentamos los discos de Bibio, PJ Harvey, Nilüfer Yanya y Damien Jurado.

Luis J. Menéndez
15/04/2019 - 22:07h

• Compartir en Facebook
• Compartir en Twitter

The Chemical Brothers

No Geography
Virgin / EMI / Universal
ELECTRÓNICA
9/10

Han pasado ya la friolera de 25 años desde que Tom y Ed sorprendieran al mundo con su electrónica de baile lúbrica, vitalista y psicodélica, un género en sí misma, tan reconocible como inimitable. Y desde entonces The Chemical Brothers se las han arreglado para publicar nueve largos sin fallo, que -matices al margen- han desafiado el paso del tiempo y la evolución de las tendencias musicales para terminar saliendo triunfantes.

Si ahora volvieran a compilar sus singles de éxito tal y como hicieron hace algo más de una década en Brotherhood, no les quedaría más remedio que prensar un álbum doble. Pocos artistas pueden decir algo así independientemente de que su carrera haya sido más o menos longeva.

No Geography es además uno de sus mejores discos. "A la vejez viruelas", parece haber dicho la pareja, que firma 45 minutos de música non-stopcon la estamina a tope. Agotada la fórmula de convertir cada disco en una procesión de voces ilustres, el dúo se concentra en lo esencial: poner todos sus recursos al servicio de unas canciones en las que el big beat de antaño y los bajos gruesos se alimentan de elementos tomados del funk y el soul más guerreros. El resultado es arrebatador, tal y como dejaban entrever los singles de adelanto Got to Keep on, MAH y Free Yourself.

A su manera, los británicos rescatan el espíritu combativo de la música más politizada de finales de los sesenta y los primeros setenta y la transforman en abrasión pura enfocada a las pistas de baile. Si Barry McGuire aspiraba a terminar con los tanques cuando compuso Eve of Destruction, The Chemical Brothers se montan en lo alto de un carro de combate y se lían a bombazos desde el minuto uno con un tema titulado igual que aquel clásico hippy. Su máxima, que si nos pilla la III Guerra Mundial al menos sea bailando.



Bibio

Ribbons
Warp / Music As Usual
FOLK-ELECTRÓNICA
8/10

En las fotos promocionales de este nuevo álbum, Stephen James Wilkinson se deja fotografiar con una guitarra clásica de ocho cuerdas. Una imagen impensable tiempo ha para este productor que ha levantado una productiva carrera con el sampler como herramienta principal. Ribbons, sin embargo es otra cosa, un álbum de canciones de corte clásico, en el que dominan los instrumentos tradicionales y, a su manera, recupera la rica tradición folk del pop británico.

La guitarra, de hecho, es el instrumento a partir del cual se han construido unas canciones que evocan imágenes y recuerdos de otra era. Ese es el principal elemento que conecta la música de Bibio en 2019 con la que practicaba hace cosa de tres lustros, en sus primeros discos para el sello Mush.

Un poco a la manera de Boards Of Canada -posiblemente el grupo con el que recibía más comparaciones por aquel entonces-, a pesar de su evidente modernidad la música de Bibio siempre ha tenido un componente nostálgico. Un no-sé-qué desenfocado que remitía a imágenes en sepia y a un pasado que posiblemente ni siquiera ha llegado a vivir en primera persona. Y es esa línea temporal, frágil y alucinada por momentos, la que conecta piezas a priori distantes como ese delicado ejercicio de ambient que es Pretty Ribbons and Lovely Flowers y aquellas otras en las que Bibio se arranca a cantar acompañado de guitarra y violín. Tonadas que perfectamente podría haber tomado prestadas del acervo popular de su país.

Son dos de las tres patas que vertebran este disco. La tercera toma su inspiración del soul-funk, al que igualmente pasa por ese filtro desenfocado en piezas de baile downtempo como Old Graffiti o Before.



PJ Harvey

All About Eve
Invada
BANDA SONORA
6/10

Con tan solo dos discos publicados en los últimos doce años, hay hambre de todo lo que lleve el sello de PJ Harvey. Por eso resulta relevante la publicación de All About Eve, banda sonora de la adaptación teatral de Eva al desnudo, obra maestra que Joseph L. Mankiewicz llevó al cine en 1950 con Bette Davis por protagonista.

Al respecto explica la propia PJ: "Siempre me han encantado las historias y por eso componer música para apoyar y mejorar una historia es un desafío que disfruto. También me encanta la libertad que el trabajo instrumental me da fuera de las limitaciones del formato canción".

Ciertamente su último trabajo, The Hope Six Demolition Project, partía de una libertad absoluta en el método de trabajo que en origen situaba las canciones cerca de la abstracción. Una experiencia que, sin duda, habrá influido en la composición de estas doce piezas mayormente instrumentales, con atmósferas a medio camino de lo ambiental y cierta sensación de crispación, y para las que ha contado con la ayuda de su colaborador habitual James Johnston y el batería Kenrick Rowe, que ya tocó en aquel último disco.

Las dos actrices principales en la obra, Gillian Anderson y Lily James, hacen su particular cameo cantando en los dos temas del disco más cercanos al universo musical de la PJ Harvey de los últimos años: The Sandman y The Moth, dos ejercicios de pop lánguido y terminal conducidos al piano por la autora de To Bring You my Love.



Nilüfer Yanya

Miss Universe
ATO / [PIAS]
POP
8/10

Por mucho que cenizos y nostálgicos se empeñen en sostener que no existe un pop propio de nuestro tiempo, jóvenes artistas como la londinense Nilüfer Yanya les desmienten con sus canciones. Su historia no es diferente de la de tantos otros artistas de nuestro tiempo: llamó la atención cuando subió a Soundcloud sus primeras canciones no habiendo todavía superado la mayoría de edad; publicó una serie de singles como Do you Like Pain? (2018) o los EPs Plant Feed (2017) y Small Crimes (2016) que ratificaron el interés de la prensa británica; y ahora afronta el desafío del disco largo con la confianza que confiere saberse apoyada por artistas como The xx y Mitski, que la reclutaron como telonera de sus giras.

Confianza, de hecho, le sobra a esta joven que en su debut entrega ni más ni menos que 17 canciones y hasta se permite el lujo de dejar fuera esos temas publicados antes.

Obviamente, a lo largo de esas canciones se pueden rastrear infinidad de gustos personales e influencias, desde clásicos del jazz y el soul hasta otros referentes del pop más interesante que se ha venido haciendo en las islas. Su timbre vocal ha sido comparado con el de Sade (y no se me ocurre mejor halago que ese, la verdad) lo que también da un poco el tono de un disco ciclotímico: caben arrebatos cuasi-grunge, ejercicios neo-jazz o inmersiones en un pop confesional y sofisticado a lo Tirzah, pero domina un tono pop-soul contemporáneo que la sitúa a un golpe de suerte del público generalista.



Damien Jurado

In the Shape of a Storm
Loose / Popstock!
FOLK
7/10

Después de firmar una trilogía de discos dominados por la psicodelia en los que mostraba su cara más sofisticada, Damien Jurado echa la vista atrás con un álbum a priori menor, en el que recupera su faceta más espartana y emocional.

In the Shape of a Storm es un trabajo grabado en una tarde en el garaje de su recién estrenado domicilio en Los Ángeles -al fin abandona el tono grisáceo de los cielos de Seattle por la soleada California-, recuperando canciones que a lo largo de los años se habían convertido en descartes de su repertorio. Y aunque tanto lo espartano e improvisado de la grabación podría dar a entender que este no es en realidad un álbum de pleno derecho dentro de su discografía, lo cierto es que las diez canciones que componen el disco, interpretadas únicamente con la ayuda de su guitarra acústica, suponen una de las caras más reconocibles de Jurado.

A medio camino de la inevitable influencia dylaniana y el Nick Drake de Pink Moon, las canciones de In the Shape of a Storm suponen el retorno del Damien Jurado más íntimo e hipersensible. No es poca cosa para un disco registrado en un par de horas.

Original y videos en:
https://www.eldiario.es/cultura/musica/The-Chemical-Brothers-baile-cesa_0_888561464.html