67 EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN /2019

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Todos los looks de la gala de inauguración del Festival de cine de San Sebastián






Con septiembre empiezan las alfombras rojas de nuevo, y llega nuestra cita con el Festival de cine de San Sebastián. Esta ya es su 67ª edición y se esperan grandes estrellas nacionales e internacionales, como Kristen Stewart. Pero anoche Donosti también tuvo más invitadas luciendo de gala.

Una de las estrellas más esperadas de la noche era Kristen Stewart, que ha lucido un vestido azul noche de satén con escote halter.


Un vestido que la actriz ha ceñido a la cintura con un cinturón ancho, y que como acostumbra, ha acompañado de un maquillaje de fantasía que llama la atención. Siempre arriesga en ese sentido.






Bárbara Lennie, jurado del Festival de cine, ha llevado un body y una falda plisada con estampado tropical de Dior Crucero 2020. Acompañaba también el look un bolso shopper de tamaño minoi y joyas de Chaumet.






Leticia Dolera ha optado por un escote a la espalda en un sencillo vestido negro con hombreras. Ya no sorprende este estilo de vestido como antes.





Lo mejor del vestido, por detrás.





Cayetana Guillén Cuervo, presentadora de la gala, ha apostado por un bonito vestido de estilo griego, de tul rosa empolvado de Santos Costura.






El look de Ana Rujas, en negro con chaqueta con cinturón y falda larga, queda demasiado sobrio y poco deslumbrante sobre la alfombra roja.




Fotos | Gtres


https://www.trendencias.com/alfombra-roja/todos-looks-gala-inauguracion-festival-cine-san-sebastian
 
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Festival de San Sebastián
Antonio de la Torre, un 'topo' iluminado en San Sebastián
  • El actor deslumbra en la aplaudida La trinchera infinita, de los creadores de Loreak y Handia
  • Es la historia de un ‘topo’ escondido de la represión franquista entre los muros de su casa durante 30 años

Por ESTEBAN RAMÓN (San Sebastián)



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Antonio de la Torre es un hombre en permanente conflicto. Con su profesión, con sus ideas sobre la sociedad o de las relaciones humanas. Transmite, simultáneamente, una seguridad casi fría y un nerviosismo físico burlón. El actor presenta en San Sebastián La trinchera infinita, dirigida por los creadores de Loreak y Handia (Jon Garaño, Aitor Arregi, José Mari Goenaga), que ha sido aclamada y se coloca favorita para el palmarés.

En los últimos 10 años, De la Torre acumula 12 nominaciones a los Goya. Y un cataclismo tendría que suceder para que no vuelva el año que viene con su papel de ‘topo’ escondido de la represión franquista entre los muros de su casa durante 30 años.

La trinchera infinita traspasa su tiempo histórico para crear, en palabras de sus creadores, una “alegoría del miedo”. Junto a una inmensa Belén Cuesta, De la Torre compone una -otra más- cima de su carrera, en un papel que le pesaba especialmente por retratar su tierra y, tangencialmente, sus raíces.

PREGUNTA.: Los directores han dicho que para ti era una obsesión recrear fielmente un pueblo andaluz y el acento del personaje.

RESPUESTA: Nos jugábamos la película. Totalmente. Es verdad que por el hecho de ser andaluz, con toda la humildad digo esto, les decía: vosotros habéis hecho películas en euskera, pero cuidado que esto es un pueblo. A veces me pierdo con los acentos porque soy actor y voy de aquí a allá. Me presentaría así: 'Hola, me llamo Antonio de la Torre y tengo un suave acento andaluz'. Aunque te parezca cerrado, te aseguro que es muy suave. Así que no valía mi acento normal. Teníamos que hacer un viaje a una época y a un pueblo. Y ya te digo que me he quedado corto. Debatíamos sobre eso y, como boutade, les decía que si no se entendía pusieran subtítulos. Lo que tengo claro es que no quiero hacer películas que sean de mentira.







Te cuento una anécdota: preparando
La noche de 12 años (la historia real de presos uruguayos aislados más de una década durante la dictadura en Uruguay) conocí a Henry Engler, uno de los rehenes que la película no muestra y que luego dirigió el Centro Uruguayo de Imagenología Molecular. Durante el encierro se volvió completamente loco, empezó a oír voces de una mujer y de extraterrestre. Y le hice una pregunta pavorosa, mitad al científico neurológico que es y mitad al hombre que vivió la locura: ¿Cómo es posible? Y me contestó: El hombre necesita estímulos, y si no los tiene, los crea. Cuando me despedí de él, me dijo: me encanta la gente que se toma en serio su trabajo. Que alguien con esa experiencia me dijera eso, es un halago tremendo. Por determinados oficios –como el de periodista, que también lo he sido- no se puede transitar de cualquier modo.

P.: Ayer se estrenó
Mientras dure la guerra, y hoy La trinchera infinita. ¿Algo flota en el ambiente en un tema tan polarizado como la memoria histórica?

R.: Creo que no hay debate. Es tan obvia la necesidad de revisar el pasado, de denunciar las atrocidades para no volver a cometerlas. Cualquier ser humano que tenga una aspiración ética, sincera y firme de buscar la verdad desde lo más existencial de su alma debería hacer eso. Pero la historia de la humanidad la cuentan los vencedores. Y eso también es la dinámica de poder. Al ser humano también le mueven otras cosas, relacionadas con imponer su relato. Y hay mucha gente convencida de que el franquismo estuvo bien.

R.: También están los que piensan que estuvo mal, pero que no hay que hablar de ello porque está superado.

R: Si, es una interesante reflexión, Entramos en un terreno… Cuando yo era más joven huía también del dolor, es un instinto supongo. Ahora, porque me queda menos camino y tengo menos miedo a la muerte, y por todo lo que me lo he trabajado, pienso que tienes que transitar los caminos de tu conflicto, transitar lo que te duele. La única manera de crecer como persona y, entre comillas, hacer un mundo mejor, es pasar por todo aquello que te hace sufrir y te hace más oscuro. Todos deberíamos hacerlo.

Esto me lleva a otro debate: somos una sociedad que necesita una educación sentimental. Una asignatura, que podrímos llamar interpretación o autoconocimiento, sería fundamental en la escuela. Hemos superado mucho ya la educación del franquismo, mi madre por ejemplo era analfabeta y la recuerdo yendo a la escuela para mayores. Ahora tenemos el reto de la educación sentimental. Tenemos que hacer clases para aprender empatía.

.: Tu personaje prácticamente olvida que es una víctima. Cuando se lo recuerda a sí mismo es una secuencia catártica.

R.: Sí, es conmovedora, es la única escena en la que llora. Ojalá sea catártica. Descubro las películas en las promociones. Cuando vi la película por primera vez me gustó, pero se me plantearon dudas. Pero he asumido que ni puedo ver mis películas como espectador nuevo. Es el precio que pago por dedicarme a esto tan maravilloso.

Respecto a las víctimas, el régimen no murió: se murió el dictador. El régimen hizo la transición. Me ha quedado una frase de Íñigo Errejón (risas).

P.: La película es también una historia de amor muy metafórica, porque en cualquier relación de pareja alguien puede encerrarse en sí mismo y rompe el vínculo.

R.: Claro, pero hay algo esperanzador, porque a pesar de todo siguen juntos, se aman. El amor sobrevive a todo ese dolor. También es una manera de amar limitada. Ando en conflicto con cómo se amaba en aquella época, creo que porque empiezo a ser padre. Mis padres fueron hijos del franquismo, hijos del machismo. Mi madre sufrió lo que fue el franquismo para las mujeres pobres. Y mi padre también. Son cosas que hay que manejarlas con mucho cuidado, pero, evidentemente siendo grandes verdugos, los machistas también son víctimas.

P.: ¿En qué sentido?

R.: En la incapacidad para amar. El que concibe el amor como una posesión no puede amar. El machista es más limitado para amar. En ese sentido, es víctima. Con consecuencias terribles obviamente, como es la muerte de mujeres, pero una de las grandes tragedias del machismo es que niega el amor en la medida de que no ve al otro como alguien con quien unirse desde la igualdad. En ese sentido, la historia de amor de ellos dos está en un marco en el que el amor es prácticamente imposible.

P.: Más allá de los cambios de peso, ¿cuál era el reto de penetrar psicológicamente en tu personaje?

R.: Si me preguntas cuál es la gran dificultad para el actor, te respondo: captar el alma de un personaje. Antes hablamos de La noche de 12 años porque tenía que ver con los encierros, hemos hablado de los acentos, todo es un trabajo importante pero, al final, es el alma.

P.: ¿Y cómo es el alma de tu personaje?

R.: Yo qué coxx sé.


VIDEO:
http://www.rtve.es/noticias/20190922/antonio-torre-topo-iluminado-san-sebastian/


 

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67 EDICIÓN DEL FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN

Dos retratos de la guerra civil parten San Sebastián: la trinchera contra la academia
Los últimos films de Amenábar y del colectivo de Aitor Arregi, Jon Garaño y José María Goenaga coinciden en el puntode partida, perono en la concepción de la forma de hacer cine





Antonio de la Torre da vida a Higino, inspirado en la vida del carpintaro y novelista andaluz Juan Rodríguez. (eOne)




AUTOR
MARTA MEDINA. SAN SEBASTIÁN
Contacta al autor
@MartaMedinadelV
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GUERRA CIVIL
CINE
FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN

24/09/2019




El primer fin de semana del Festival de Cine de San Sebastián se ha trasladado a 1936. Dos de las películas españolas de Sección Oficial, dos de los títulos que aspiran a hacerse con la medalla de película española del año, se han solapado casi con estrenos contiguos, y si las comparaciones son inevitables, más si ambas se remontan al comienzo de la Guerra Civil, para deleite de quienes no se cansan de repetir que en el cine español el único género es el del guerracivilismo. La primera, 'Mientras dure la guerra', es la esperada vuelta de Alejandro Amenábar cuatro años después de regresión y tras más de una década rodando fuera de España. La segunda, 'La trinchera infinita', el tercer largometraje del colectivo formado por Aitor Arregi, Jon Garaño y José María Goenaga.

Dos películas que arrancan en el mismo punto de la historia de España, que están dirigidas por cineastas pertenecientes a la misma generación -Amenábar ha cumplido 47 años y Arregi, Garaño y Goenaga se mueven entre los 42 y los 44 años- , pero que son producto de una concepción del cine muy diferente. 'Mientras dure la guerra', con 6,4 millones de euros de presupuesto, es un fresco con una intención de didacticismo objetivo que recupera un momento histórico, el enfrentamiento entre Miguel de Unamuno y Millán Astray en el Paraninfo de Salamanca, como un ejercicio de concordia social y de memoria, que intenta mantenerse en el plano de la narración y la reconstrucción.



Por el contrario, y aunque también está basada en un hecho real como fue el caso de Juan Rodríguez Aragón -un gaditano que se escondió en un zulo a comienzos de la Guerra Civil y que sólo salió de su escondite 30 años después, habiendo vivido la vida a través de apenas un resquicio-, 'La trinchera infinita' es un ejercicio de una belleza plástica y un despliegue de emoción nada convencional, que reconfirma a Arregi, Garaño y Goenaga como voces fundamentales del cine actual en nuestro país. Su cine, expresivo y táctil, no pretende en ningún momento ser un reflejo ortodoxo del hecho, sino que utilizan la ficción como un destilado de la verdad. Si 'Mientras dure la guerra' es un 'tableau vivant' académico, 'La trinchera infinita' es una pintura barrocaen el mejor sentido del adjetivo. La trinchera contra la academia.







Para reconstruir uno de los momentos más trágicos de la historia reciente de España y construir una analogía con la actualidad, Amenábar se apoya en personajes que fueron indispensables para el devenir de los acontecimientos: por su película pasan Franco, Carmen Polo, Millán-Astray y el propio Unamuno. La historia vista en plano general, con una narración ortodoxa y una cronología severa.

Por 'Mientras dure la guerra' pasan Franco, Carmen Polo, Millán-Astray y el propio Unamuno


Sin embargo, 'La trinchera infinita' se centra en el detalle, en lo aparentemente significante, pero que resulta representativo de un contexto mayor. Los cineastas vascos se centran en Rosa e Higinio, una pareja como cualquier otra si no fuese por la muestra de heroísmo y abnegación de ambos, que en el cine se convierten en los protagonistas de una historia de amor en tiempos de guerra. Higinio, vecino de un pueblo andaluz, Republicano y esposo es la representación de todas aquellas vidas puestas en hiato por un conflicto que, aunque la guerra en sí durase tres años, se extendió durante cuatro décadas y marcó profundamente el espíritu de un país.









'Miesntras dure la guerra' es el intento de reconstruir el pasado pieza a pieza, pero desde un punto de vista externo y distante. 'La trinchera infinita' es el opuesto absoluto, contado desde los ojos de una pareja encerrada en una casa y que vive la contienda de una forma íntima y parcial. Mientras las frase de Miguel de Unamuno, aquella de "venceréis pero no convenceréis", ha quedado grabada para los anales, el sacrificio de Juan Rodríguez Aragón, Higinio en la película, es la demostración de cómo los grandes acontecimientos geopolíticos toman como rehenes -y mártires- a miles de vidas anónimas a las que la historia no ha compensado ni aplaudido. Mientras Unamuno es la representación de la academia, de la oratoria más elevada, Higinio y Rosa hablan la lengua del pueblo.

Donde sí coinciden 'La trinchera infinita' -que se postula como una de las favoritas a la Concha de Oro- y 'Mientras dure la guerra' es en la reflexión sobre la imprevisibilidad y la confusión reinante cuando se produce un seísmo como es una guerra a nivel nacional, entre vecinos, entre hermanos. El film de Amenábar se reitera en la legitimidad de la duda -Unamuno empezó apoyando el levantamiento- y en la dificultad de tener una perspectiva clara sobre los acontecimientos cuando no hay distancia temporal ni emocional. Los cineastas vascos profundizan en la incertidumbre, en la incapacidad de acotar el espacio y el tiempo de influencia de un conflicto externo en la vida de cualquier individuo. Y ambas trazan una analogía con la actualidad, cuando el fascismo parece resurgir de sus cenizas a nivel global y los ciudadanos nos enfrentamos al dilema entre la acción y la inacción, y al juicio al que nos someterá la historia.

https://www.elconfidencial.com/cult...stian-amenabar-la-trinchera-infinita_2247947/
 
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Festival de San Sebastián
Juliette Binoche: "Necesito parar y no me angustia la idea de no volver a trabajar"
  • La actriz presenta en San Sebastián La verdad, en la que se reúne con Catherine Deneuve
  • Es la primera película francesa del japonés Hirokazu Kore-eda


Por ESTEBAN RAMÓN (San Sebastián)







Ha tenido que llegar un japonés para unir a dos leyendas francesas. Catherine Deneuve y Juliette Binoche nunca habían compartido escenas, hasta que Hirokazu Kore-eda, el gran autor japonés contemporáneo, las ha reunido frente a la cámara en La verdad, una cinta que, precisamente habla del cine y del oficio de intérprete.

Puede que Juliette Binoche sea una estrella, pero no hay indicios alrededor. No arrastra un séquito y no guarda distancias en las entrevistas. La verdad habla de divismo -algo asociado más Deneuve- que, además, juega con su imagen, dando vida a un mito del cine, que es también una madre egocéntrica que ha descuidado a su hija, interpretada por Binoche.

Para Binoche, Deneuve forma parte de su educación sentimental. “Cuando era pequeña, ella era para mí era la enamorada que iba buscando a su príncipe azu de Piel de Asno (Jacques Demy, 1970). No se podía decir que estaba fascinada, pero era admiradora de esa belleza, de esa ligereza y también de esa espera siempre del amor”.




Porque si Binoche tiene que elegir sus grandes referentes no pestañea y recita de memoria: “Liv Ullmann, Gena Rowlands y Anna Magnani. De pequeña adoraba a Deneuve, pero hablando de interpretación esas tres".

Fue Binoche quien pidió en 2011 a Kore-eda trabajar juntos, tiene ese estatus poco frecuente de propiciar su carrera. El cineasta, ganador de la Palma de Oro en 2018 por Un asunto de familia, rueda su primera película no japonesa, pero no sale de zona de confort. La familia sigue siendo el centro de sus conflictos y aquí indaga, en un tono edulcorado, en la relación de una madre ausente y una hija necesitada.



 

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67 EDICIÓN DEL FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN
Houellebecq y Depardieu, la decadencia del hombre occidental
Cinco años después de su 'secuestro', Houellebecq decide iniciar un tratamiento en un balneario. Allí se encuentra a Gérard Depardieu y filosofan sobre el s*x*, la muerte y Dios




Michel Houellebecq y Gérard Depardieu en 'Thalassos'.(Wild Bunch)




AUTOR
MARTA MEDINA. SAN SEBASTIÁN
Contacta al autor
@MartaMedinadelV
25/09/2019



¿Es usted Michel Houellebecq?", pregunta uno de los residentes del balneario de talasoterapia de Cabourg, al norte de Francia. "Y usted es Gérard Depardieu, ¿no?", continúa, mientras sus ojos pasan del escritor al actor y del actor alescritor. Ambos asienten, probablemente a la espera de algún cumplido, de la petición de un autógrafo. Pero en vez de eso, el hombre les espeta vehemente: "Ustedes dos son la vergüenza de Francia". Y es que si hay dos artistas franceses controvertidos que causen las reacciones más virulentas en el país vecino son Houellebecq y Depardieu; el primero por sus ideas reaccionarias y la radicalidad de su pensamiento, el otro por su falta de filtros, su apoyo a Putin y por convertirse en ciudadano ruso con la intención de esquivar impuestos.



Trailer de Thalasso (HD)



Desde que en 1994 publicó su primera novela, 'Ampliación del campo de batalla', Houellebecq se convirtió en una de las voces más representativas de la literatura francesa contemporánea: sus leitmotivs son la frustración sexual, la apatía, la insipidez de la existencia. Además de narrador, Houellebecq se convirtió a sí mismo en personaje de ficción con 'El mapa y el territorio', donde, con el humor ácido que le caracteriza, se autoparodiaba describiéndose como un alcohólico maloliente y caprichoso. Por ello, más temprano que tarde Houellebecq estaba destinado a convertirse también en una ficción cinematográfica.








Lo hizo en 2014 en 'El secuestro de Michel Houellebecq', de Guillaume Niclox, quien ahora recupera al Houellebecq personaje en una secuela en la que lo reúne con el actor de 'Cyrano de Bergerac' y que no llega a la altura cómica de su predecesora. La apuesta fuerte de 'Thalasso', que se ha proyectado este martes en el Festival de San Sebastián y que compite por la Concha de Oro, se limita a seguir a Houellebecq, enclenque y envejecido, a través de una serie de tratamientos que para el escritor resultan entre la tortura y la humillación. El humor está en el sempiterno rictus de perplejidad de un hombre que ha dejado de entender el mundo que lo rodea y que le arrebata los derechos y placeres adquiridos. Y encima pagando por ello.

Houellebecq pasea por las instalaciones en albornoz mientras los empleados le someten a un tormento de prohibiciones

Houellebecq pasea por las instalaciones en albornoz mientras los empleados le someten a un tormento de prohibiciones: no puede fumar ni beber alcohol, ni siquiera comer algo que no sea verde y depurativo. Sin embargo, el escritor encuentra consuelo cuando, fortuitamente, se encuentra a Gérard Depardieu fumándose un cigarrillo a escondidas. 'Thalasso' se convierte entonces en una 'buddy movie' en la que dos ácratas alternan conversaciones existenciales y gamberrismo senil. Houellebecq y Depardieu funcionan a la manera de unos Laurel y Hardy posmodernos: el escritor se muestra más frágil e introspectivo, mientras el actor es una fuerza hedonista e irreverente. Como en la vida real, Depardieu habla sin tapujos de un supuesto pasado de actor por**, de su alcoholismo no aceptado, y da los nombres de algunas de las actrices francesas con las que se ha acostado. Si es realidad o ficción, da igual. Como resumen de brocha gorda: 'Thalasso' es el Gordo y el flaco en 'La juventud' de Sorrentino, pero sin el espectáculo de Madalina Ghenea falta de ropa y pudor, y en su lugar enseñando las carnes blandas de dos señores decrépitos.







"Lo peor de envejecer es seguir sintiéndose joven", se lamenta en un momento la película. Porque los personajes de Houellebecq y Depardieu se niegan que les impongan el retiro de los que fueron, el castigo de la irrelevancia. 'Thalasso' es la decadencia del hombre occidental: dos de los artistas más famosos de Francia acaban tratados como menores de edad y su opinión parece importarles sólo a ellos. Hablan casi siempre del pasado y del futuro sólo parece interesarles la muerte. Houellebecq se resiste: "La muerte no existe".

Niclox relaciona este film con 'El secuestro de Michel Houellebecq' a través de una subtrama que resta y enlentece la trama y que recupera a los secuestradores, que sólo existen para desencadenar un final desbarrante en el que interviene el doble de Sylvester Stallone (Jade Roberts) en el papel de Sylvester Stallone. Lo más interesante radica en las disertaciones existenciales de los protagonistas: el personaje de Houellebecq cree en Dios depende del día, también en la reencarnación de manera literal, se niega a sumir la existencia de la muerte y sólo le gusta hacer el amor mirando cara a cara y uniendo boca con boca. El de Depardieu confiesa, por el contrario, que se ha acostado con hombres y mujeres sólo por el placer de hacerlo y discute las creencias de Houellebecq sobre la divinidad y la muerte.







'Thalasso' es lo entretenida que puede ser ver a un Houellebecq consumido y sin dientes superiores y a un Depardieu excesivo y rebosante en un 'tête-à-tête' de dos chicos malos, de dos rebeldes que quieren seguir siendo relevantes. Beben, comen, hablan y se dan masajes con barro del mar muerto, y ninguno de los dos sabe qué significa la realidad del ahora. Y mientras el primero se deja llevar por el pasmo y la melancolía, el otro se revuelve vehemente. Ya no son inmortales y las mujeres, por mucho que tengan 80 años, están reivindicando una libertad que les deja de lado. El fin del hombre occidental ha empezado en un balneario de Francia.

https://www.elconfidencial.com/cult...cq-depardieu-thalassos-san-sebastian_2251847/
 
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'LA HIJA DE UN LADRÓN
Una emocionante ópera prima española sacude por sorpresa San Sebastián
Belén Funes une en pantalla a Eduard Fernández y Greta Fernández, padre e hija,para interpretar a padre e hija en un drama intimista sobre la necesidad de amar y ser amado





Tomás Martín, Eduard Fernández en 'La hija de un ladrón', la ópera prima de Belén Funes. (BTeam)




AUTOR

MARTA MEDINA. SAN SEBASTIÁN
Contacta al autor
@MartaMedinadelV
26/09/2019



En los festivales de cine uno se encuentra con, como síntesis, cuatro tipo de películas: las que cumplen las expectativas, las que defraudan, las templadas y las tapadas. 'La hija de un ladrón' pertenece a esta última categoría. La ópera prima de una directora desconocida que consigue colarse en una sección destacada dentro de algún festival importante y se destapa como la revelación tanto del certamen como de la temporada de premios. Es la categoría de la que forma parte 'Verano 1993', de Carla Simón. También 'Carmen y Lola', de Arantxa Echevarría. Películas pequeñas que acaban imponiéndose por méritos propios a los nombres con mayúscula y al rodillo de las campañas publicitarias.



LA HIJA DE UN LADRÓN, Teaser Trailer




Cuando el Festival de San Sebastián anunció 'La hija de un ladrón' como una de las participantes en la Sección Oficial, las miradas se volvieron hacia Belén Funes (Barcelona, 1984), otra directora salida de esa cantera inagotable que es la ESCAC -en otro momento habrá que hablar sobre la generación de cineastas mujeres y millennials salidas de la Escuela de Cine de Cataluña- con una trayectoria nada desdeñable como cortrometajista y asistente de dirección. Su ópera prima es, de hecho, la prolongación de su primer cortometraje, 'Sara a la fuga', rodado en 2015 y ganador del Premio a Mejor cortometraje de ficción en el Festival de Málaga.







La presentación de Funes es un drama intimista, el intento -exitoso- de representación de la rutina de esas hijas jóvenes obligadas a madurar y a actuar de madres de sus propios progenitores. La directora reúne por primera vez dentro de la pantalla a Eduard Fernández y Greta Fernández, padre e hija en la ficción, pero también en la realidad. Ella es Sara, una madre de apenas 22 años acogida en un piso de los servicios sociales. Él es un delincuente recién salido de la cárcel. A Sara le ha tocado madurar para sobrevivir, encargada de su bebé y de su hermano pequeño, interpretado por Tomás Martín, otra de las grandes revelaciones de la película: Martín no interpreta, sino es. Una de las secuencias más emocionantes es en la que el niño celebra su primera comunión, uno de los pocos momentos de relativa felicidad con los que se encuentra la joven durante el metraje.

Tomás Martín es una de las grandes revelaciones de la película: no interpreta, es

La directora no oculta sus referencias, acotadas entre Loach y los hermanos Dardenne. Y 'La hija de un ladrón' reconstruye una rutina de trabajos precarios y poco agradecidos, escasez material y, sobre todo, carencias emocionales. Funes sigue a Sara de trabajo temporal en trabajo temporal -limpiadora, camarera, ayudante de cocina-, siempre a la carrera para llegar a todo, siempre con la carga de un bebé que pasa de mano en mano para que Sara pueda cumplir su jornada laboral. Funes no cae en la 'pornomiseria' y cada decisión de puesta en escena es un acierto de honestidad. No hay subrayados. Ni sobreexplicaciones. Ni violines tristes. Con la sequedad del ambiente es suficiente.






De manera fortuita, la chica se entera de la salida de la cárcel de su padre. Y comienza una lucha interna entre la hija necesitada de cariño y la hija que repudia al padre por algo que no necesita explicarse, pero que se supone oscuro. La protagonista es una superviviente: pragmática por necesidad y fría por disfraz, porque en cuanto la cámara profundiza un poco se entrevé el deseo de amar y de ser amada. La familia de la que es hija no funciona, pero tampoco de la que es madre: su ex novio Dani cumple como padre del bebé, pero la relación de pareja está muerta. También es fallida la familia fabricada dentro del piso de acogida: cada cierto tiempo sus compañeras rotan y el desarraigo pesa.




Cartel de 'La hija de un ladrón'




Belén Funes ha dirigido una película austera y áspera, pero que rezuma de sensibilidad, que no sensiblería. Un film que no cae en el moralismo ni en lasconclusiones categóricas, sino que deja espacio para la interpretación y para comprender los motivos de los personajes. Funes escribe el guión junto a Marçal Cebrian, coguionista también de 'Sara a la fuga'. Y ambos se basan en la historia real de un preso que conoció la directora en una cárcel de hombres de Barcelona y que tenía una hija que lo odiaba por haberla dejado sola y desamparada. Funes reconoció en la historia la posibilidad de construir una heroína moderna dentro de un drama social pegado a la tierra. Y lo ha hecho.Y además, aunque la Concha de Oro se prevea improbable, se ha convertido en una de las revelaciones del año del cine español, que no es poco.

https://www.elconfidencial.com/cult...-un-ladron-festival-de-san-sebastian_2253251/
 
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67 Festival de San Sebastián
Donald Shuterland: "El mundo que dejo a mis nietos es un lugar donde no podrán vivir"





Donald Sutherland posa para los medios en el Festival de San Sebastián ANDER GILLENEA / AFP




“Si estás con alguien que está en coma habla con él, porque te escucha”. El consejo es de Donald Sutherland y habla con experiencia. Durante el rodaje en Yugoslavia de Los violentos de Kelly, sufrió una meningitis bacteriana que casi le deja tieso. “Podía escuchar a mi productor dictando un telegrama a mi mujer para que no viniera porque ya se encargarían de repatriar el cadáver”.

Casi 60 años de carrera dan para mucho y pocos trayectos tan heterodoxos como los del actor canadiense, que recibe este jueves el Premio Donostia a su trayectoria. Sutherland ha querido sacar jugo a la visita: llegó hace dos días con la compañía de su perro y ha visitado el Museo Chillida-Leku y el Guggeheim de Bilbao (“el museo de Frank Ghery”, lo llama, con cierta familiaridad con su arquitecto compatriota).

De arte versa también la película que aprovecha para presentar en San Sebastián, Una obra maestra, thriller dirigido por Giuseppe Capotondi, donde interpreta a un cotizado y misterioso artista. Pero hoy en San Sebastián todo el mundo recordaba Doce del patíbulo (1967), Johnny cogió su fusil (1971), Klute (1971), Novecento (1976), La invasión de los ultracuerpos (1978), o Gente corriente (1980).

Sutherland es uno de los grandes rostros de la explosión de cine de los 70. M.A.S.H.,,de Robert Altman, fue una película fundamental del cambio de paradigma, pero su peculiar físico y personalidad también fue rescatado por maestros que venían de más atrás, como el Casanova que hizo para Fellini en 1976.

Apoyado en un elegante bastón, a sus 84 años Sutherland ha recordado sus inicios, cuando decidió dedicarse a la interpretación en un entorno familiar sin ninguna vocación artística, y la evolución del negocio del cine.

“Cuando empecé a interpretar, no quería ser más que ser un actor de teatro. Y lo hice durante ochos años hasta que me dieron trabajo en la televisión en 1962. Y cuando di el salto al cine me lo pasé maravillosamente. Ahora es diferente, no estoy adaptado a la situación y probablemente nunca más lo estaré”.

Aunque la rueda de prensa previa a la entrega del Donostia tenía la consigna de no realizar preguntas no relacionadas con su oficio, el actor ha terminado por entrar a una de ellas y clamar por la lucha contra el cambio climático.

“Deberíamos hablar de eso: ya no se te pegan insectos en el parabrisas, hemos perdido 2,5 millones de pájaros, y estamos perdiendo a las abejas”, ha dicho el actor. “tengo hijos y nietos. Y el mundo que les he dejado es un mundo donde no podrán vivir”.

Y descarta cualquier sugerencia de retirada. “No tengo tanto dinero como para jubilarme. Mi vida es el trabajo y el trabajo de un actor es buscar el siguiente trabajo. Los personajes que he interpretado me han dado mucho disfrute, libertad y vivir vidas que nunca me he atrevido a vivir”.

http://www.rtve.es/noticias/2019092...tos-lugar-donde-no-podran-vivir/1980175.shtml


 
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67º FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN
Penélope Cruz: “El ego no tiene cabida en la preparación de un personaje”
La actriz recibe el Premio Donostia y presenta el 'thriller' 'La red avispa', sobre la red de espionaje en Estados Unidos en los noventa



GREGORIO BELINCHÓN
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San Sebastián 27 SEP 2019




Penélope Cruz, este viernes en el festival de cine de San Sebastián. En vídeo, declaraciones de la actriz, este viernes. JUAN NAHARRO GIMENEZ (WIREIMAGE) / ATLAS




Es uno de los premios Donostia más jóvenes de la historia. Pero Penélope Cruzes irrefutable. Por currículo, por galardones, por resultados artísticos e incluso por sus apariciones públicas: bien por causas sociales o, como hoy en San Sebastián, por un premio: la actriz iba de blanco impoluto, luciendo y enorgulleciéndose de sus 45 años.

Cruz empezó su encuentro con la prensa reflexionando sobre el cine: "Me ha enseñado mucho sobre mí misma. He crecido en el cine. Empecé a trabajar con 14 años, y rodé Jamón jamón con 18. En el cine he aprendido sobre el comportamiento humano, algo que me fascina porque el ser humano y sus motivaciones no tienen fondo. Eso me fascina en la interpretación. Yo jugaba de pequeña mucho sola a interpretar, lo que me obligaba a explorar dentro de mí. El ego no tiene cabida en la preparación de un personaje". Y ahondó: "Creces porque te hace tener empatía y comprensión por todos tus personajes, y eso que con algunos de ellos ni me tomaría a priori un café en la vida real".


¿Cómo es la vida hoy en España de una actriz de su talla? "Paso bastante más tiempo ahora aquí que allí. Hace años ocurrió al revés. Hoy soy madre y miro mucho dónde ruedo, y encajo los horarios. Aún me doy de vez en cuando una vuelta por la calle de mi infancia, e impresiona". Cuando Rebordinos le llamó para anunciar la concesión del premio Donostia, le preguntó si era el momento, por su juventud. "Como soy un poco personaje Almodóvar pensé que algo malo ocurriría después. Ya he hecho el trabajo de aceptación del premio"; remató entre risas. "Recordando mi viaje a Hollywood, mi historia nunca fue la de coger una maleta y un billete sin vuelta. Eso me hubiera dado más miedo. Por eso, fui más tranquila aquella primera vez a rodar con Stephen Frears. Durante los primeros cinco años, pasó así. Nunca quise renunciar a rodar aquí o en el resto de Europa, en Francia o Italia".

Una periodista le preguntó por tres creadores que le han ayudado a impulsar su carrera: "A Pedro [Almodóvar] le leo la mente casi desde el primer día que le conocí. A Bigas Luna le echo mucho de menos, más aún en días como hoy. Nos dio la primera oportunidad a Javier y a mí. No nos pudimos despedir de él, porque mantuvo en secreto su enfermedad, decisión que respeto. Y Fernando Trueba es también un cineasta muy importante en mi vida. Recordad que Belle Epoque llegó justo después de Jamón jamón".

En el futuro de la ganadora del Oscar por Vicky Cristina Barcelona, siempre ha estado la dirección. "La primera vez que verbalicé que quería dirigir fue a Pedro Almodóvar. Se lo dije en el bar Gloria. Y me respondió que lo hiciera en ese momento, cuando era joven. Hoy tengo 45 años y sigo pensando en ello. No he tenido tiempo para ello, una buena señal, ¿no?".

En casa de la actriz no había referentes similares artísticos. "Cuando conté que quería ser actriz, les sonó igual que si hubiera dicho que deseaba ser astronauta. Agradezco que nadie se riera de mí, su apoyo", contó con cierta emoción. "En el cine he encontrado amigos como Goya Toledo, Salma Hayek y ahora Edgar Ramírez. Por decir algunos. Creas enlaces tan intensos en los rodajes que cuando se acabó el de Jamón jamón, el primero, me hundí. Pensé que a lo mejor nunca repetiría, y Bigas Luna me espetó: 'Tranquila'. Gracias a Dios, así ha sido", comentó sobre sus compañeros de viaje. A continuación explicó: "Nosotros estamos para servir una historia y un personaje. Nunca me ha atraído repetir roles o encarnar a alguien similar a mí. En el distanciamiento de ti mismo es cuando vuelas".

Dentro de su familia vivió los valores "del trabajo". Y lo subrayó: "Es que es lo que vi en mi casa. Empecé a trabajar joven y a la vez venía de mucho ballet clásico, que me imprimió una actitud casi militar en lo laboral. Ahora que vivo de ello, mi manera de agradecérselo a la vida es volcarme en cada rodaje, intentar dar el máximo. Luego las cosas salen bien o mal".

La madrileña ha atendido a la prensa -solo ha participado en la rueda de prensa y después atendido a algunas teles- en una sala llena a rebosar. Su presencia en el festival también está motivada por la presentación de La red avispa, donde encarna a Olga Salanueva, esposa de uno de los espías que formaron parte de la trama de espionaje cubano que en los años noventa se infiltró en las asociaciones anticastristas de Miami. Estas agrupaciones planearon -y ejecutaron- atentados terroristas en La Habana. Dirigida por Olivier Assayas, en el reparto están además de Cruz, Gael García Bernal, Edgar Ramírez (marido del personaje de Cruz), Leonardo Sbaraglia, Wagner Moura y Ana de Armas. La película ya participó en la pasada edición del festival de Venecia. "Ha sido el acento más difícil de lograr de mi carrera"; confesó ante la prensa.

Cruz, que en su currículo alberga el Oscar, otras dos candidaturas a la estatuilla de Hollywood, el César de Honor, tres goyas, un Bafta y el premio a mejor interpretación femenina de Cannes —compartido con sus compañeras de reparto en Volver—, se ha convertido en la segunda española en recibir el Donostia, tras Carmen Maura, desde que empezó a entregarse en 1986. Y la quinta intérprete española, tras Fernando Fernán Gómez (1999), Paco Rabal (2001), Antonio Banderas (2008) y Carmen Maura (2013). La madrileña ha participado en San Sebastián en tres ocasiones en la Sección Oficial a Competición del festival con Todo es mentira (1994); Volavérunt (1999), y la italiana Volver a nacer (2012). En 2017 Cruz visitó el certamen para presentar Loving Pablo (2017), junto a Javier Bardem y el director Fernando León de Aranoa, en una multitudinaria proyección -más de 3.000 personas- en el Velódromo de Anoeta.

https://elpais.com/cultura/2019/09/27/actualidad/1569586349_069464.htmlcotil
 
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Me ha dado vergüenza ajema el festival de S. Sebastian dando el premio estelar a PE tarda Cruz.....como la pobre es tan mediocre han tenido que pagar al vendido de Bono el de U 2 para entregarla el premio y hacer que la cosa brillase un poco más.

El discursito de PE ha sido infumable...esta tipa es sosa de caerse...qué p*ta vergüenza los del Festival.
 
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pilou12

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PENÉLOPE CRUZ RECOGE EL PREMIO DONOSTIA: CON BONO, UN VESTIDO DE CHANEL, Y UN GRAN DISCURSO CON LA DEDICATORIA MÁS ROMÁNTICA A JAVIER BARDEM

Ha pronunciado un emotivo discurso en el que ha asegurado que ha cumplido varios de sus sueños más importantes, pero también ha clamado por el planeta y contra la violencia machista.






Penélope Cruz recibe el premio Donostia de la mano de Bono.



Penélope Cruz se ha convertido este viernes en la actriz más joven en ser galardonada con el premio Donostia en la 67º edición del Festival de Cine de San Sebastián. El público congregado en el Kursaal para acompañar a la intérprete en un momento tan relevante en su carrera, un premio a su trayectoria cuando solo tiene 45 años, la ha recibido con una ovación de varios minutos. Ella no ha podido evitar la emoción. Ha estado al borde de las lágrimas antes de que, en realidad, todo empezara.

Ha deslumbrado con un increíble vestido blanco de Chanel, un diseño de la colección Fall-Winter 2019/20 de Virginie Viard con escote asimétrico y falda de tulipán con botones joya y plumas rosas en un lateral y el bajo, adornado con un fino cinturón negro a tono con sus sandalias de tacón. Ha recogido su melena en un elaborado moño de bailarina y arriesgado en un maquillaje con tonos rosados conjuntado con unos impresionantes pendientes largos.


Y ha llegado la gran sorpresa de la velada: Bono, el líder de U2, ha viajado a San Sebastián expresamente para entregar el premio Donostia a su buena amiga Penélope. Ella no podía creerlo después de días intentando sonsacarle a su marido, Javier Bardem, el nombre de la persona que le entregaría el galardón. Se ha arrodillado ante él -el ha hecho lo mismo-, le ha abrazado, y besado. "Significa tanto para mí que estés aquí...", le ha agradecido.





© GETTY



Bardem, entre el público sentado junto a Fernando Trueba, ha aplaudido entusiasmado el gran momento. A él y a sus dos “preciosos” hijos ha dedicado la actriz el premio. “Al compañero de viaje más maravilloso que se puede tener. Él también estaba en mis sueños y está aquí conmigo”, le ha dicho en un breve discurso en el que ha hablado de sueños infantiles cumplidos. Ser madre y dedicarse a su pasión “desde que era una niña: interpretar”, toda una “necesidad” para la madrileña ganadora de un Oscar, galardonada con el César de Honor, tres goyas, un Bafta y el premio a mejor interpretación femenina de Cannes.

Ha recordado a sus padres por darle “una libertad que ahora sé que no debió ser fácil”; a los primeros directores que confiaron en ella, Pedro Almodóvar, Bigas Luna y Fernando Trueba; a sus maestros, Juan Carlos Coraza y Cristina Rota; a su representante Katrina Bayonas.

Ha dejado de lado su trayectoria, los agradecimientos, el glamour y el cine para dejar claro que su “principal sueño hoy, cuando se ha celebrado la Huelga Mundial del Clima, es proteger y cuidar este lugar común que es el mundo y demos a los niños razones para seguir soñando”. Y su gran preocupación, el lastre de la violencia machista. En lo que va de año “han sido asesinadas por violencia 44 mujeres. Más de mil desde 2003 solo en nuestro país. Cuántas serán en el mundo”, se ha preguntado, y ha clamado que “cuando una mujer encuentre la fuerza necesaria para contarlo, la escuchen pero que no lo hagan cuando ya sea demasiado tarde” como ha ocurrido este mismo mes en Navalcarnero. Aunque insista en que recibir un premio sirve para recordar y agradecer a los que siempre han estado ahí, es consciente de que es un gran altavoz y quién sabe si a ella, nuestra actriz más internacional, sí se la escuche.





En la alfombra roja no ha posado con Javier Bardem sino con Gael García Bernal y Edgar Ramírez sus compañeros de reparto en 'La Red Avispa', la película que presentan en el Festival.© GETTY





Penélope Cruz es la segunda española con el premio Donostia, Carmen Maura fue la primera y lo recogió en 2013. Fernando Fernán Gómez, Paco Rabal a título póstumo y Antonio Banderas, han sido los otros actores de nuestro país en recibirlo. A Banderas se lo entregó Almodóvar en 2008 y Penélope pensó que esta noche su adorado director manchego regresaría a San Sebastián para hacer lo mismo con ella. No tenía ni idea de lo que le esperaba.

https://www.revistavanityfair.es/cu...ono-vestido-blanco-chanel-javier-bardem/40825


Festival de cine de San Sebastián 2019 - Premio Donostia: Penélope Cruz

VIDEO:
http://www.rtve.es/alacarta/videos/...n-2019-premio-donostia-penelope-cruz/5397666/