TEATRO

[asteriscooo]

¿Mayorga criticando el "teatro del sermón"? ¿Y qué era La tortuga de Darwin, por citar sólo una, sino un larguísimo sermón de Historia? Lo veo por aquella época gozando como una perra imaginando que en la Complutense sustituían el partidista Hobsbawm por su no menos partidista obra

 

[pilou12]

Dani Mateo vuelve al teatro ovacionado y entre medidas de seguridad
El humorista sube de nuevo al escenario desde su polémico 'sketch' en el que simuló sonarse con la bandera de España. Unas decenas de personas protestan en la puerta


MANUEL MORALES
Ciudad Real 10 NOV 2018

Raúl Cimas aplaude a Dani Mateo al comienzo de su actuación en Ciudad Real. MARIANO CIEZA EFE


"No me aplaudáis tanto, que no os conviene". Con esta broma ha respondido el cómico Dani Mateo a la gran ovación que le ha dedicado el público del Teatro Municipal Quijano, en Ciudad Real, en cuanto ha aparecido en escena para representar, junto a los también humoristas Raúl Cimas y José Juan Vaquero, la obra Nunca os olvidaremos.Las 900 personas que llenaban el teatro han mostrado así su cariño a Mateo en su primera función tras la tormenta desatada en su contra desde desde que el pasado 31 de octubre, en un sketch del programa de humor político El intermedio, de La Sexta, simuló un estornudo y se sonó la nariz con una bandera española.

La gamberrada de Mateo (Granollers, Barcelona, 1979) se produjo para hacer un chiste sobre "el único texto que realmente crea consenso en España", el prospecto del antigripal Frenadol. La escena acababa con Mateo, avergonzado, preguntándose: "¿Qué he hecho?". Sin embargo, el gag suscitó en Twitter insultos, la cancelación de una campaña publicitaria con el cómico y de los pases, el 23 y 24 de este mes, en el teatro Olympia de Valencia, de Nunca os olvidaremos. Todo ello pese a que el actor y El intermedio ofrecieron sus disculpas en antena. Mateo ha asegurado en varias entrevistas en los últimos días que él y su familia habían recibido amenazas.


De todo ello ha habido un regusto desagradable esta noche antes de empezar la función. Un grupo de unas 60 personas, con varias banderas españolas, un megáfono y carteles, se han manifestado a unos metros de la entrada del teatro para protestar por la presencia de Mateo, sin que se hayan producido incidentes y vigilados por media docena de agentes de la Policía Nacional. El grupo ha proferido gritos como ¡Viva España!, ¡Viva la bandera!, ¡Viva la Guardia Civil! o ¡Viva La Legión!.

Entre el público, que se dirigía a la entrada del teatro, la actitud mayoritaria ha sido la indiferencia, a excepción de alguna consigna que se ha escuchado a favor de la libertad de expresión. Para evitar que dentro del teatro hubiera reventadores, casi una decena de guardias de seguridad privada han practicado cacheos y registrado bolsos y mochilas a los que accedieron al espectáculo. La gente se lo tomó con tranquilidad y humor.

Varias de las personas que han protestado contra la presencia del cómico Dani Mateo en Ciudad Real.MARIANO CIEZA EFE


Durante la hora y tres cuartos de divertida función, han sido varios los momentos en que Mateo y sus compañeros han hecho mención a lo sucedido en los últimos días. Incluso en una escena en la que hay una lápida con la supuesta tumba de Mateo, Cimas y Vaquero la han cubierto con una bandera española. Este periódico intentó hablar con el cómico horas antes de subirse al escenario, pero a través de su representante declinó hacer declaraciones.

Nunca os olvidaremos echó a rodar hace un año y, según el representante de Mateo, "siempre con llenos" en las ciudades por las que ha estado de gira: Zaragoza, Málaga, A Coruña, Santander... Tras la función de Ciudad Real, continuará su ruta por Elche (18 de noviembre), Sevilla (1 de diciembre) y Albacete (15 de diciembre). La suspensión en Valencia, anunciada por el teatro Olympia el jueves, ante las presiones, en especial del grupo ultra España 2000, con 1.200 entradas vendidas, motivó que el Ayuntamiento haya ofrecido como alternativa el Palau de la Música, la sala más grande de la ciudad, con 1.300 butacas, informó Cristina Vázquez. La recaudación de ese día, en el que Mateo y sus compañeros actuarán gratis, irá destinada a una ONG.

https://elpais.com/cultura/2018/11/09/actualidad/1541766680_620100.html

 

[pilou12]

EN EL TEATRO DE LA LUZ PHILIPS EN MADRID
'El jovencito Frankenstein' vive, la parodia sigue. El musical inmortal de Mel Brooks
La clásica sátira de terror, basada en el clásico de Mary Shelley, llega en su versión musical con canciones en español y un elenco más que a la altura

El musical 'El jovencito Frankenstein', basado en la película de Mel Brooks, se estrena este mes en Madrid.

PAULA CANTÓ

14/11/2018 1


“Se pronuncia Fronkonstin”, dice el nieto del famoso doctor girándose hacia sus alumnos de la universidad de Ingolstadt. Es una de las primeras escenas de ‘El jovencito Frankenstein’ (1974), la parodia dirigida por Mel Brooks basada en el clásico de Mary Shelley, y el momento en el que el público del musical homónimo estalla en un enloquecido aplauso, azotado por la risa más nostálgica. Ver cobrar vida a su película favorita va más allá de lo racional. El musical ‘El jovencito Frankenstein’ ha llegado a Madrid en una adaptación perfecta que ha teñido la Gran Vía de verde desde el Teatro de la Luz Philips y honrado con honores al desaparecido Gene Wilder entre gags clásicos y bailes de claqué.

Víctor Ullate se convierte en el nieto de Frankenstein -”Fronkonstin”, insiste- en carne y hueso para llevar sobre las tablas la magia de Brooks. La historia de Frankenstein, tergiversada, homenajeada y empapada de humor por el genio estadounidense, la conocemos todos: el joven neurocirujano Frederick Frankenstein hereda el castillo de su abuelo en Transilvania y, aunque en principio se niega a seguir la tradición familiar de revivir la materia muerta, termina camino del cementerio para continuar el legado, con un carro chirriante, sospechosas piernas que sobresalen de la manta y una lluvia inesperada. Y bueno, un cerebro que no resulta ser como creían.





Con libreto original de Mel Brooks y Thomas Meehan, dirigido por Esteve Ferrer, producido por Letsgo y protagonizado también por Jordi Vidal (Igor -perdón, Aigor-), Marta Ribera (Elizabeth), Cristina Llorente(Inga), Teresa Vallicrosa (Frau Blücher -truenos y relinchos-) y Albert Gracia (el monstruo), el musical transporta a la Transilvania más caricaturesca sobre una orquesta de nueve músicos bajo el escenario, entre diálogos clásicos de la película (“Vaya par de aldabas”, “Oh, gracias”) y referencias a la actualidad española 44 años después del estreno de la cinta. La risa no conoce el paso del tiempo.

El musical mantiene los gags de Brooks y añade referencias a la actualidad (EFE)




"La parodia es un homenaje a lo que amas"
-No pretendo molestar, pero soy bastante buen cirujano y tal vez podría librarle de su problema.

-¿Qué problema?

-Ya sabe, la joroba.

-¿Qué joroba?

“Es quizá la mejor película que he hecho”, la definió Mel Brooks. En 2006 comenzó a trabajar en una composición para adaptar ‘El jovencito Frankenstein’ al formato musical y la obra se estrenó en noviembre del siguiente año en el Paramount Theatre de Seattle, Washington. Más tarde llegó a Broadway y arrancó una gira por Estados Unidos. En 2017 se asentó en el West End de Londres, donde actualmente continúa en cartel con un éxito de público noche tras noche.

La parodia, en contra de lo que muchos creen, es un homenaje continuo a algo que respetas y que amas con profunda admiración

‘El jovencito Frankenstein’, con unos temas adaptados al español, a la actualidad y a un humor que siempre está vigente, juega con la ilusión,se luce con números espectaculares, efectos especiales, voces impresionantes y canciones que casan a la perfección con las escenas de la película, grabadas a fuego en la memoria de los espectadores. Es fiel a los chistes e introduce nuevos -”tiene un máster”, exclaman en algún momento mientras se escuchan risas cómplices en el público- "Quería hacer mi propio homenaje no solo a la película sino al propio Mel Brooks e incluso a todo el género paródico que está muy denostado y muy maltratado", ha explicado Ferrer, director y adaptador al castellano que también dirigió ‘La familia Addams’.

El doctor Frankenstein y su ayudante Igor, o el doctor Fronkonstin y Aigor, en su defecto (EFE)


“La parodia, en contra de lo que muchos creen, es un homenaje continuo a algo que respetas y que amas con profunda admiración”. Ferrer quiere reverenciar a los cómicos de oficio y ponerse de rodillas ante la esencia “de lo que ahora llamamos teatro musical, la Comedia musical”.

“No quería dejar Transilvania”
Según Mel Brooks, él mismo le sugirió a Gene Wilder que escribiera una historia sobre el nieto de Frankenstein durante una pausa para el café en el rodaje de ‘Sillas de montar calientes’. Según el actor, fue su agente, Mike Medavoy, quien le instó a trabajar en un guion donde pudiera incluir a Peter Boyle (monstruo) y Marty Feldman (Igor). “Gene Wilder dijo que haría la película solo si yo no actuaba en ella”, dijo Brooks a ‘Scenario’. “Me dijo ‘no quiero que lo estropees saltándote la cuarta pared como haces siempre’”. Con el acuerdo cerrado y fuera de quien fuera la idea original, trabajaron juntos durante meses siguiendo una dieta de infusiones y pastas de té. “Para ponernos en el mismo modo mental que Mary Shelley”.





Mientras trabajaban en la cinta lo pasaron tan bien que Mel Brooks alargó el rodaje inventándose escenas que no iba a incluir en el montaje final y, aun así, terminaron a los 45 días. Usaron las mismas piezas de laboratorio que aparecieron en la película de Frankenstein de 1931, solo que esta vez en su versión gamberra. Cuando el último día desmontaron los decorados, Brooks encontró a Wilder llorando en mitad del estudio. “Estaba terriblemente triste”, dijo el director. “No quería dejar Transilvania, no quería volver a casa”.

Aunque la cariñosa y divertida aventura cinematográfica terminara en unos pocos días, el mismo espíritu sigue vivo desde este mes de noviembre en el Teatro de la Luz Philips de Gran Vía, entre jorobas que cambian de sitio, relinchos al compás de Frau Blücher, voces portentosas y el mejor homenaje a un humor inmortal.

https://www.elconfidencial.com/cult...jovencito-frankenstein-madrid-teatro_1647006/

 

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Las cuentas del Teatro Real: tres millones de euros más en taquilla, 9.352 euros de superávit y más subvenciones de Manuela Carmena

• • DARÍO PRIETO
  • 12 DIC. 2018

El coliseo madrileño presenta los resultados presupuestarios de 2018 y avanza los del próximo ejercicio, que contará con más apoyo del Ayuntamiento de Madrid.


El Teatro Real ha presentado este miércoles sus cuentas correspondientes al ejercicio 2018, más los presupuestos del próximo año. En el primer caso, el balance es de ligero superávit (9.352 euros) que, según el informe presupuestario del coliseo madrileño "confirma el equilibrio alcanzado" en los últimos cuatro años. En total, el teatro de ópera ingresó 56.870.245 euros, lo cual supone 1,2 millones más del presupuesto inicialmente aprobado para este ejercicio. De ellos, 25,2 millones corresponden a los ingresos por ventas (la taquilla), casi tres millones más que en 2017.

Por otra parte los ingresos por patrocinio se han situado en 14,3 millones de euros, que provienen de 110 mecenas y de otras modalidades, como las galas, donaciones y aportaciones en especie. Las cifras son superiores a las previsiones iniciales del Real, que se estimaban en 12,5 millones. El resto del montante en el apartado de "haber" viene dado en su mayor parte por las subvenciones de las administraciones públicas, que suman 14,4 millones de euros, un 26% del total del presupuesto.

Además, se ha presentado el presupuesto correspondiente al ejercicio 2019, de 54.735.974 euros, en el que una de las principales novedades es el aumento de las subvenciones por parte del Ayuntamiento de Madrid, que pasa a colaborar con un millón de euros, frente a los 660.000 del pasado año, un "hito" en el que se incorpora al núcleo permanente del Real y deja de ser un mero patrocinador más. Además, una vez finalizadas las celebraciones del bicentenario del coliseo madrileño, la partida destinada a producción de espectáculos desciende dos millones de euros, hasta los 20 millones.

El presidente del patronato del Real, Gregorio Marañón, ha señalado durante la presentación de las cifras que Joan Matabosch, director artístico del teatro, "va a demostrar que con dos millones menos lo va a hacer mejor" y que esa partida no se tiene que entender "como un gasto, sino como una inversión". "Sabemos perfectamente que el año del Bicentenario era especial", ha señalado Matabosch, quien ha avanzado que se ha elaborado la programación "de una forma más conservadora, pero ambiciosísima" y que "gastar 20 millones en programación artística es muy buena cifra".

Respecto a la participación del Ministerio de Cultura y Deporte, que aportará casi 10 millones de euros al presupuesto, Marañón ha destacado que el Teatro Real "es una fundación pública adscrita" al mismo y que "el ministerio tiene que saber cuál es su política de subvención respecto al proyecto". En ese sentido, ha incidido en la necesidad de que "las administraciones públicas apuesten por el teatro de ópera de referencia".


https://www.elmundo.es/cultura/2018/12/12/5c1134d3fc6c8391498b45c2.html

 

[pilou12]

Roberta Pasquinucci y Rodrigo García Olza, intérpretes de 'Mantequilla', de Carlos Zamarriego. Sala Mirador



CULTURA TEATRO
Carlos Zamarriego estrena 'Mantequilla', un pedazo de verdad, en la Sala Mirador de Madrid

La función, con Roberta Pasquinucci y Rodrigo García, lleva a escena a dos personajes desazonados porque no entienden que no se entienden.


24 febrero, 2019

Alberto D. Prieto @ADPrietoPYC


"Lo nuestro ya no es nuestro", dice ella. Se llama Bea, pero qué más da. En realidad se llama como tantas. Es el personaje femenino de 'Mantequilla', obra de Carlos Zamarriego estrenada este viernes en la Sala Mirador, un vergel del teatro madrileño.

Y esa frase que, ustedes me perdonen, tiene algo de spoiler, es la realidad de tantos (y tantas) que no lo saben. Al menos, aquí hay quien se da cuenta. Y ésa es la única esperanza de un texto arrancado de las paredes internas de dos estómagos sufrientes y quién sabe de dónde se lo sacó el autor.

Ambos, dos jóvenes que viven y se quieren, se hablan de espaldas y se hacen daño de frente, sin escucharse porque no se entienden (o viceversa). Y sufren, sufren mucho porque nadie les dio la sabiduría para atreverse a saber que la vida se equivoca a veces y junta dos seres de puzles distintos... o quizá sus respectivos puzles sí muestran el mismo anhelo, pero tienen más o menos piezas.

Al cabo, de tanto no oírse, escuchan a sus distancias. Y cuando se separan, él, Andrés, aprende a volar y sólo se arrepiente de que la vida es como es, razón de más para no reprochar(se) nada. Ni tampoco a la vida.

El texto dirigido por Edgar Costas es mucho más verdad que otras piezas de chico encuentra a chica. De hecho, es lo opuesto. Estamos acostumbrados a historias lineales, de amor o desamor, en las que primero conoces a los personajes, después asistes a su unión, y al final el autor decide, con más o menos fortuna, desenlazar la historia en tono esperanzador o verdadero.

Roberta Pasquinucci y Rodrigo García, protagonistas de 'Mantequilla'. Sala Mirador



Porque la vida no es así, y lo de ellos ya no es de ellos porque nada es para siempre y todo acaba antes o después.

Esta historia revierte todo eso, la narrativa y el estándar de gente que se halla. Para empezar, el encuentro ocurrió antes (mucho antes) de que se apaguen las luces y se enciendan los focos. Para seguir, los personajes se definen mucho más tarde de lo que le facilitaría la vida al que paga la butaca. Así, la entrada es cara, porque el texto exige trabajo intelectual al espectador, un ejercicio para introducirse en alegorías, monólogos posados y simbolismos desazonantes.

Dan ganas de agarrar el libreto y sacudirlo, exigir claridad, pedir la vez a un traductor simultáneo al lenguaje mainstream del teatro de hoy en día... hasta que, de sopetón, Roberta Pasquinucci (Bea) cambia 10 veces de gesto y expresión en solo cinco segundos. Y Rodrigo García abandona el matiz de ansiedad en sus leves sonrisas. Y entonces se abre la historia como una flor intensa, que lo impregna todo en la Sala Mirador de Madrid.

Y la lástima es que de inmediato vienen los aplausos, sin invitar a Disney ni por un instante, y sabiendo el espectador que bueno, que Bea y Andrés seguirán ahí, con sus avatares sin resolver, pero aceptándolos, que eso es la vida.

*** 'Mantequilla' se representa en la Sala Mirador de Madrid viernes, sábado y domingo hasta el próximo 3 de marzo.


https://www.elespanol.com/cultura/2...tequilla-sala-mirador-madrid/378462657_0.html

 

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RECOMENDACIONES
Las obras de teatro que hay que ver este otoño: Darín, Lolita y Sacristán
Un repaso a lo mejor de la 'rentrée' teatral

'Escenas de la vida conyugal'





AUTOR
MILAGROS MARTÍN-LUNAS
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TEATRO
05/09/2019



Sostiene Joseph de Resma que el teatro, no es, como muchos se creen, un espectáculo de pura diversión y pasatiempo; “al contrario, bien desempeñado el teatro debe ser un verdadero modelo de educación, capaz de las acciones más heroicas y gloriosas”. Resulta innegable que el teatro posee el oficio de despertar, de abrir los ojos, de quitar las telarañas, de sacar de la rutina a la gente, puesto que la rutina que es siempre el rincón de la ceguera. En septiembre arranca la temporada escénica, los teatros levantan el telón y el exceso de oferta, de algún modo, puede llegar a abrumar al aficionado. Comedias, tragedias, sátiras, apuestas alternativas, clásicos reestructurados… la cartelera de otoño rezuma novedades. Más que dar un repaso a toda la oferta, desde la butaca de 'El Confidencial' apostamos por el teatro caviar, el esencial, el que cualquier aficionado que se precie no puede dejar de ver.

Sin duda, septiembre será el mes de José Sacristán y Miguel Delibes. El actor permanecerá en las tablas del Bellas Artes hasta el 17 de noviembre donde, de la mano de José Sámano, interpretará ‘Señora de rojo sobre fondo gris’, el monólogo que brotó de la pluma del Premio Cervantes en forma de catarsis, el quejido desgarrador que Delibes autografió tras la muerte de su mujer.

Septiembre será el mes de Sacristán y Delibes

Se trata de una apuesta personal de José Sacristán. El actor llevaba detrás de hacer realidad ‘Señora de rojo sobre fondo gris’ desde que en 1989 interpretara ‘Las guerras de nuestros antepasados’, pero entonces a Delibes todavía le dolía demasiado la pérdida de Ángeles de Castrocomo para verla evocada en el escenario. A pesar del empeño del actor y de su relación epistolar ha tenido que llegar el siglo XXI para que el protagonista de ‘Muñeca de porcelana’ se pudiera meter en la piel del afligido pintor que llora la muerte de su pareja.



“Con su sola presencia aligeraba la pesadumbre de vivir”, se lamenta el actor sobre las tablas en las que cumplirá 82 años el próximo 27 de septiembre. El óxido del tiempo ha remarcado su cuerpo enjuto, menudo de hombros, pero continúa siendo capaz de abrazar el escenario monocromático, desde el que resalta el rojo pasión de su vestuario, y abarcarlo con un vozarrón que proyecta desde ultratumba, una voz que el sobrecogedor Delibes transforma en lamento y que transita por todos los estados imaginables del dolor y de la felicidad. Sin duda, es la interpretación de la temporada, por lo menos la interpretación del otoño madrileño. Sacristán está en la cumbre.

“Nos bastaba mirarnos y sabernos. Estábamos juntos, era suficiente. Cuando ella se fue, todavía lo vi más claro: aquellas sobremesas sin palabras, aquellas miradas sin proyecto, sin esperar grandes cosas de la vida, eran sencillamente la felicidad”.

El volcán Flores
Lolita es otra de las apuestas que no hay que perder de vista. Tras pasar más de un año metida en la piel de ‘Fedra’, el 11 de septiembre regresa al Teatro Infanta Isabel con 'La fuerza del cariño', una adaptación de Emilio Hernándezde la película y obra teatral homónimas de J.L. Brooks y Dan Gordon.

Dirigida por Magüi Mira, el volcán Flores protagoniza una comedia que, poco a poco, se transforma en drama, gracias a un texto que entrecruza perfectamente los ingredientes necesarios para despertar el alma del espectador, un texto con el que el patio de butacas transita por los mismos caminos emocionales que pululan los protagonistas.

La obra narra la historia de una viuda y madre sobreprotectora; su hija (Marta Guerras), una joven que emprende el vuelo con su pareja (Antonio Hortelano) y un vecino astronauta y mujeriego (Luis Mottola). Sus vidas transcurren a toda velocidad, hasta que el abismo y el vértigo les atizan de repente. Cuando la vida tiembla es cuando aparece la fuerza del cariño, esa que de golpe te coloca en el paisaje real de la vida. Imbatibles. Sinceros. Admirables. Soberbios. Los cuatro protagonistas son los verdaderos supervivientes del drama.

Los rezagados, aquellos que no estuvieron atentos a la cartelera, este mes de septiembre tendrán la oportunidad de recuperar dos obra ineludibles. Por una parte, ‘La vida es sueño de Calderón de la Barca’ en el Teatro de la Comedia y, por otra, ‘Escenas de la vida conyugal’ de Ingmar Bergman en Los Teatros del Canal.

La primera se presenta como la despedida de Helena Pimenta puesto que con ella, a partir del 13 de septiembre, cierra su etapa como directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Pimenta cierra el círculo con la misma obra con el que lo inauguró hace ocho años.

Bergman hace saltar al vacío a los personajes

La segunda, que se reestrena el 18 de septiembre, tiene como gancho a Ricardo Darín que sostiene que aunque lleva años caminando con esta obra que ha protagonizado ya con tres actrices diferentes (Valeria Bertucelli, Érica Rivas y Andrea Pietra), “cada día es un nuevo desafío”.

La obra de Bergman es compleja. Al igual que la película, narra la historia de un matrimonio a través del tiempo. “Bergman eligió momentos determinados de la historia de estos personajes, y los hace saltar al vacío. Pasa una escena a la otra prácticamente sin solución de continuidad; salvo en las dos primeras, que sí tienen una continuidad cronológica. En la tercera han pasado meses; en la cuarta, años y en las otras dos, más años aún. Es una obra que mueve muchos resortes. Nos sumerge en ciertas profundidades de las relaciones humanas que no son necesariamente agradables, que pueden ser muy ácidas”.

Actor por vocación, Darín asegura que puede prescindir del cine, pero jamás del teatro. “En el cine resulta difícil encontrar satisfacción real hasta que uno no ve el resultado. En una función no hay intermediarios. Se abre el telón, ahí estamos parados, en una reunión extraña. Y si la cosa funciona bien, todos saldremos reconfortados y modificados. Si eso no ocurre, será una decepción”.

Cualquiera de estas cuatro obras resulta una apuesta ganadora para el mes en el que muere el verano.

https://www.elconfidencial.com/cultura/2019-09-05/teatro-otono-recomendaciones_2209507/

 

[pilou12]

Calígula (obra de teatro de Albert Camus, 1944)

Calígula es una obra de teatro en cuatro actos, escrita por el dramaturgo y filósofo francés Albert Camus y publicada en 1944.


Argumento
La obra muestra al emperador romano Calígula destrozado por la muerte de Drusila, su hermana y amante. En la obra, Calígula finalmente trama su propio asesinato.

En palabras del propio autor, en la edición estadounidense de su obra de 1957, la obra se resume en los siguientes términos:

Calígula, hasta entonces príncipe relativamente amable, se da cuenta cuando muere Drusila, su hermana y su amante, de que "los hombres mueren y [...] no son felices". Desde entonces, obsesionado con la búsqueda de lo absoluto, envenenado de desprecio y horror, intenta ejercer, a través del asesinato y la perversión sistemática de todos los valores, una libertad que finalmente descubre que no es buena. Rechaza la amistad y el amor, la solidaridad humana sencilla, el bien y el mal.

Toma la palabra los que le rodean, les empuja hacia la lógica, nivela todo lo que está a su alrededor por la fuerza de su negativa y por la furia de la destrucción que conduce su pasión por la vida.Pero, suponiendo que la verdad sea rebelarse contra el destino, su error consiste en negar a los hombres. No se puede destruir todo sin destruirse a sí mismo. Por eso Calígula desaloja a todos los que le rodean y, fiel a su lógica, hace lo necesario para armar a aquéllos que finalmente lo asesinarán. Calígula es la historia de un su***dio superior. Es la historia del más humano y más trágico de los errores. Infiel a los seres humanos debido a la excesiva lealtad a uno mismo, Calígula consiente en morir después de darse cuenta de que no se puede salvar solo y que nadie puede ser libre si es en contra de otros.

Versiones
La versión final de cuatro actos, se publicó en 1944, aunque existe una versión anterior en tres actos, de 1941 y no publicada hasta 1984. Las diferencias entre ambas registran el efecto de la II Guerra Mundial sobre el ánimo del autor

Calígula (obra de teatro) - Wikipedia, la enciclopedia libre

es.wikipedia.org

"Calígula" llega al Teatro Principal dando una lección de filosofía

 

[Amelia Earhart]

Teatro
Alfredo Sanzol: "La dama boba señala la estupidez del machismo"

• • JOSÉ LUIS ROMO
  • Madrid
• 28 NOV. 2017 12:24

El director y dramaturgo Alfredo Sanzol.



El director adapta una de las comedias de Lope de Vega más feministas para La joven Compañía Nacional de Teatro Clásico

Gracias a la originalidad de su humor y esa poética tan personal, Alfredo Sanzol(Pamplona, 1972) ha recibido este año el Premio Nacional de Literatura Dramática por La ternura y ultima su nueva obra, La aventura, para su estreno en el Teatro Pavón Kamikaze. Pero antes ha viajado al siglo de Oro Español para adaptar y dirigir La dama Boba, de Lope de Vega. Un montaje interpretado por La Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico que podrá verse en el Teatro de la Comedia hasta el 30 de diciembre.

Con La ternura jugó a escribir como Shakespeare y, ahora, adapta un texto de Lope de Vega. ¿Qué une y separa a estos autores?
Creo que pertenecen a una época en la que se cuajó la narración dramática contemporánea. Tienen muchas en cosas en común a la hora de construir personajes que están llenos de sorpresas y argumentos con muchos giros. Les gustaba la acción y por eso no perdían poesía. Quizás los diferencia que Lope hacia obras de neopreno y Shakespeare gastaba mucha más tela.
En su escritura suele haber mucha magia pero también está muy marcada por lo local. ¿Se siente más identificado con ese aire tan fantasioso de las comedias de Shakespeare o prefiere el enredo más terrenal de Lope?
Me gusta la mezcla de las dos. Y mi esperanza es poder sintetizar en mi dramaturgia los caminos que otros han abierto, así que por ahora no he descubierto nada que me sobre.

Creo que es su primera versión de un clásico del Siglo de Oro, ¿cómo ha abordado el verso?
El verso es esencial para escribir buena prosa. De hecho comparten lo básico: musicalidad. Me he sentido muy libre. El trabajo con Vicente Fuentes me ha enseñado muchísimo. Disfrutar de cada palabra es esencial para no perder ni una oportunidad de sorprender al público.
Su teatro es profundamente original, ¿aun siendo una adaptación vamos a poder notar su sello?
Cuando estudiaba alguien me dijo que no me preocupara con ser yo mismo porque era lo único que podía ser. Me dijo que me preocupara de estar, y con La Dama Boba estoy enamorado de esta pieza.
¿Cómo describiría el humor de este montaje?
Lope es muy irónico con todo el sistema patriarcal de educación, y con todo el machismo que juzgaba la inteligencia de la mujer como algo peligroso. Es una obra muy femenina y muy liberadora.

Cuando Helena Pimenta le ofreció dirigir algún proyecto en la Compañía Nacional de Teatro Clásico, ¿por qué elegió este título de Lope?
Forma parte de los títulos que admiro. Creo que todos los que hacemos teatro llevamos en una imaginación la posibilidad de hacer unas obras por encima de otras y La Dama Boba forma parte de las mías.
Pimenta dirigió hace años este texto y comentó que era un "divertimento lleno de horror". ¿Lo ve también así?
Sí, es verdad que el sentido del humor no oculta el dolor que produce la opresión de las normas sociales. Lope tenía la maestría de decirlo todo. No es superficial.

El quid de la obra está en saber si la dama, efectivamente, es boba y el amor la convierte en inteligente o si siempre ha fingido su 'tontuna'...
Lope denuncia la bobería de los prejuicios. Tratar a alguien como bobo lo convierte en bobo. Tratar a alguien con dignidad lo hace discreto. Creo que Lope no pone tanto el foco en el problema individual de Finea, si no en el problema social de las concepciones de la inteligencia en función del género.
En el Teatro de la Comedia va a coincidir la Dama Boba, de Lope, y La dama duende, de Calderón. Ambas muestran la dificultad e ingenio con las que las mujeres salían adelante. ¿Eran más feministas nuestros autores del siglo de oro de lo que pudiéramos imaginar?
Sin duda. Hacían filigranas para decir lo que pensaban y saltarse la censura. El pensamiento patriarcal está presente con todo su peso, pero abrían muchas fisuras.

En esta época en la que el machismo sigue campando a sus anchas, ¿qué aporta un texto como La dama Boba?
Creo que lo que hace es señalar la estupidez del machismo, y descubrir los camuflajes que usa para hacernos creer que ciertas cosas son normales cuando no lo son.
Ha escrito personajes femeninos fascinantes, bien para las T de Teatre, o como Nagore y las mujeres de La Ternura. ¿Qué lugar ocupa la mujer en tu teatro?
Deseo que mis personajes femeninos y masculinos formen parte de una unidad. No les reservo lugares especiales.

Tras las experiencias con La ternura y La dama boba, ¿le interesa seguir ahondando en el teatro barroco?
Me encantaría, el teatro barroco está lleno de posibilidades, lo bueno es que pienso lo mismo de casi todas las épocas teatrales. El repertorio teatral es alucinante.
http://www.elmundo.es/cultura/teatro/2017/11/28/5a1c6e48ca4741ee1e8b45b7.html

He visto la obra en enero y es maravillosa, una delicatessen fabulosa, un privilegio q te hace envidiar al público de los corrales de los siglos XVI y XVII. Los actores demuestran q no es algo al alcance de cualquier actor

 

[Amelia Earhart]

Calígula (obra de teatro de Albert Camus, 1944)

Calígula es una obra de teatro en cuatro actos, escrita por el dramaturgo y filósofo francés Albert Camus y publicada en 1944.


Argumento
La obra muestra al emperador romano Calígula destrozado por la muerte de Drusila, su hermana y amante. En la obra, Calígula finalmente trama su propio asesinato.

En palabras del propio autor, en la edición estadounidense de su obra de 1957, la obra se resume en los siguientes términos:

Calígula, hasta entonces príncipe relativamente amable, se da cuenta cuando muere Drusila, su hermana y su amante, de que "los hombres mueren y [...] no son felices". Desde entonces, obsesionado con la búsqueda de lo absoluto, envenenado de desprecio y horror, intenta ejercer, a través del asesinato y la perversión sistemática de todos los valores, una libertad que finalmente descubre que no es buena. Rechaza la amistad y el amor, la solidaridad humana sencilla, el bien y el mal.

Toma la palabra los que le rodean, les empuja hacia la lógica, nivela todo lo que está a su alrededor por la fuerza de su negativa y por la furia de la destrucción que conduce su pasión por la vida.Pero, suponiendo que la verdad sea rebelarse contra el destino, su error consiste en negar a los hombres. No se puede destruir todo sin destruirse a sí mismo. Por eso Calígula desaloja a todos los que le rodean y, fiel a su lógica, hace lo necesario para armar a aquéllos que finalmente lo asesinarán. Calígula es la historia de un su***dio superior. Es la historia del más humano y más trágico de los errores. Infiel a los seres humanos debido a la excesiva lealtad a uno mismo, Calígula consiente en morir después de darse cuenta de que no se puede salvar solo y que nadie puede ser libre si es en contra de otros.

Versiones
La versión final de cuatro actos, se publicó en 1944, aunque existe una versión anterior en tres actos, de 1941 y no publicada hasta 1984. Las diferencias entre ambas registran el efecto de la II Guerra Mundial sobre el ánimo del autor

Calígula (obra de teatro) - Wikipedia, la enciclopedia libre

es.wikipedia.org

"Calígula" llega al Teatro Principal dando una lección de filosofía

La vi hace muchos años encarnado por Luis Merlo, fantástica.

Y siempre recordaré haber gozado de asistir a la representación de El alcalde de Zalamea encarnado por el gran Jesús Puente y con Juan Ribo como el violador capitán.

 

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Los justos ( Les justes. Obra de teatro de Albert Camus, 1949)

Los justos (título original en francés: “Les justes") es una obra teatral escrita por el escritor francés Albert Camus.

Está dividida en cinco actos y fue representada en el Théâtre Hébertot en París, el 15 de diciembre de 1949. La obra de Albert Camus ubica al lector en el contexto de la Revolución rusa de 1905, y la inconformidad de un grupo de revolucionarios que quieren atacar la tiranía del zar. Está basada en una historia real del asesinato del Gran Duque Sergio Aleksándrovich Románov. Se da una discusión entre dos hombres de la revolución que ejemplificarían los dos puntos de vista que Camus quiere explicar: Stepán que corresponde a la facción "fuerte" y Kaliáyev que representa la facción soñadora de la revolución. La obra girará entonces en torno a estas ideas

Los justos - Wikipedia, la enciclopedia libre

es.wikipedia.org

Los justos de Albert Camus ; dirección del prof. Dean Zayas - Teatro Universitario - Drama UPRRP

 

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Los constructores de imperios o el Schmürz ( Obra de teatro de Boris Vian, 1959)

Tragicomedia que muestra al espectador los escapes de una sociedad abatida en la que la cólera y la indignación van a recaer siempre con violencia sobre alguien. Una sociedad conformada por sucesivas generaciones igualmente frustradas y cegadas, y empeñadas en cambiar algo que ni siquiera reconocen.


Sipnosis
Los miembros de una familia van asciendiendo en el interior de un edificio. Están obligados a ir dejando atrás todas sus pertenencias a medida que suben al siguiente piso, que siempre será más pequeño que el anterior. Huyen de un monstruoso ruido al cual no le dan un nombre, tan sólo lo llaman el ?Ruido?.
En cada piso de este edificio existe un personaje llamado el ?Schmürz?, que es maltratado, golpeado y humillado, y cuyo cuerpo está destrozado por las constantes agresiones físicas que sufre a manos de los componentes de toda la familia, del ama de llaves y del vecino.
Recibe la rabia de todos, menos de la hija de dieciséis años, pues es ella la única que realmente percibe las palizas que se le propinan. Schmürz nunca protesta, no se queja, no dice nada. Aguanta los golpes y los maltratos en silencio, como si de su trabajo se tratara, como si esa fuese su función en la vida.



Los Constructores de Imperios o el Schmürz de Boris Vian Dirección Marisol Rozo