Pintura - Museos - Exposiciones

[Serendi]

Jenny Holzer exhibe obra nueva en Bilbao
La obra de Holzer ha estado presente en el Museo Guggenheim desde sus inicios a través de la imponente Instalación para Bilbao (1997). Hoy, una nueva exposición llega a Bilbao

El propósito de la artista es involucrar al público mediante la creación de espacios evocadores.
KARINA SAINZ BORGO
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PUBLICADO 09.03.2019 - 05:15ACTUALIZADO9.3.2019 - 5:16

Quien haya visto caer, como una cascada, las frases de Jenny Holzer que se derraman sobre la ría de Bilbao, entenderá por qué la obra de la estadounidense tiene tanto peso en el arte contemporáneo del siglo XX. Ella hizo del lenguaje el material más importante de su obra. Con textos categóricos e incisivos, la artista aborda elementos fundamentales de la existencia humana, incluyendo el poder, la violencia, las creencias, la memoria, el amor, el s*x* y la muerte.

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En Bilbao, los visitantes descubrirán las reflexiones e ideas que Holzer ha expresado a lo largo de toda su carrera presentadas a través de un amplio abanico de instalaciones creadas expresamente para el Museo Guggenheim Bilbao y que se reúnen en Jenny Holzer. Lo indescriptible. Esta exposición presenta obras de nueva creación, incluyendo una serie de proyecciones de luz sobre la fachada del Museo de las que se podrá disfrutar todas las noches desde el 21 hasta el 30 de marzo.

El propósito de la artista es involucrar al público mediante la creación de espacios evocadores que invitan a los observadores a plantearse y, quizá, a definir su postura sobre asuntos polémicos, entre los que se incluyen la crisis global de los refugiados, la violencia contra las mujeres y los abusos sistemáticos de poder. La muestra incluye también letreros electrónicos con dispositivos robotizados, pinturas y proyecciones de luz, además de textos de poetas vascos, españoles e internacionales, que formarán parte de las proyecciones.

Jenny Holzer comenzó su primera serie, Truismos (Truisms), en 1977 como resultado de una serie de lecturas académicas del Programa de Estudios Independiente del Whitney Museum de Nueva York, donde estudiaba; en 1979 ya había escrito varios cientos de estos aforismos. Empezando por "Un poco de sabiduría llega muy lejos" y terminando "Tus temores más viejos son los peores", los Truismos utilizan una gran variedad de expresiones y transmiten numerosas orientaciones y creencias.

Lo que emerge reiteradamente de las revulsivas provocaciones que resultan del acto de concienciación es que la verdad es relativa y que cada espectador ha de contribuir a determinar lo que es legítimo y lo que no lo es. A partir de Truismos, Holzer ha seguido utilizando el lenguaje como principal forma de expresión y emplea una multitud de medios para comunicar sus mensajes. Así, por ejemplo, aparecieron algunas selecciones de sus Ensayos inflamatorios (Inflammatory Essays) en carteles de estilo publicitario sin firmar pegados en fachadas y paredes por todo Manhattan.

Cuando en 1982 algunas máximas de Holzer tales como "El abuso de poder no es nada nuevo" o "El dinero crea el gusto" aparecieron en el luminoso publicitario gigante que corona el edificio de Times Square, la artista inició su primera apropiación de los dispositivos electrónicos de señalización. Con este modo de difusión, confirió a sus inquietantes mensajes una nueva dimensión de compromiso social subversivo. Sus instalaciones de las últimas tres décadas plantean cuestiones como la viabilidad del arte público, la transformación del objeto de arte en un artículo comercial y de consumo y la relación entre lo personal y lo político.

https://www.vozpopuli.com/altavoz/cultura/jenny-holzer-nueva-obra-bilbao_0_1222978457.html

 

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Hallados rastros del zurdo Leonardo da Vinci en ‘La Gioconda’ desnuda
Los científicos franceses vinculados al Louvre hallan en la 'Monna Vanna' ciertas huellas que podrían atribuir “la mayor parte del dibujo” al maestro


PEIO H. RIAÑO
Madrid 12 MAR 2019

La 'Monna Vanna'.



No se sabe si la Monna Vanna fue una gran broma o un retrato de uno de sus ayudantes convertido en mujer. La firma también es un misterio, como mucho de lo que tiene que ver con Leonardo da Vinci. Se ha querido ver una versión desnuda de La Gioconda, coetánea de este dibujo a carboncillo, aunque solo tengan en común la posición de la protagonista. Ahora, los especialistas del laboratorio del Centre de Recherche et de Restauration des Musées de France (C2RMF), bajo la supervisión del Louvre de París, han determinado que ahí hay mano de Leonardo. Al menos así lo ha hecho saber Mathieu Deldicque a la agencia AFP. El responsable de la conservación del dibujo en el Museo Condé, en el palacio de Chantilly, de propiedad pública, ha asegurado que los expertos han determinado que “hay una gran posibilidad de que Leonardo haya hecho la mayor parte del dibujo”.

El C2RMF todavía no ha hecho público el estudio, pero Deldicque –el mayor defensor en los últimos años del reconocimiento de la mano del maestro, en la conocida como Monna Vanna– ha adelantado que los exámenes del laboratorio del C2RMF han demostrado que la imagen se dibujó desde la parte superior izquierda hacia la inferior derecha, síntoma propio de un autor zurdo, como Leonardo. Al parecer, a lo largo de la superficie han quedado grabadas las marcas y las manchas del carbón utilizado por el pintor. Es otra buena noticia para la celebración este año de los 500 años del fallecimiento del genio renacentista, aunque el Louvre todavía debe decidir si Salvator Mundi es autoría de Leonardo.

De hecho, con la compra de la Monna Vanna pasó algo parecido a la del cuadro más caro de la historia de las subastas (450 millones de dólares): el duque de Aumale compró, en 1862, el dibujo como si fuera de Leonardo, por la elevada cifra de 7.000 francos. Y dos años más tarde, los historiadores se retractaron y arrebataron su autoría, que podría ser de Salai. “En Milán”, cuenta Vasari, “Leonardo tomó como sirviente a un milanés llamado Salai. Era extraordinariamente agraciado y atractivo, y tenía un hermoso cabello rizado que Leonardo adoraba”. Sus rizos y las bellas facciones del joven se repiten una y otra vez en los bocetos y apuntes en hojas y cuadernos. Salai es la fuente de inspiración del canon de belleza masculino que crea el maestro, que podría haber convertido en mujer.

Mejor, acompañado
El muchacho es un truhan, un ladronzuelo, que el maestro colma con caprichos sin reparar en gastos: le compra una capa tan cara como llamativa (cuatro brazos de paño de plata, terciopelo verde para los ribetes, cintas, aros pequeños...). La pareja pasea tranquilamente ya por Florencia, el más joven protegido por una capa plateada, el mayor con unas largas calzas rosas. Además de los regalos, forma a Salai –con 16 años– como un pintor competente, que ya estaba con él en la preparación del muro de la Última Cena, en Santa María delle Grazie, unos años antes de realizar esta mujer desnuda, un hito extraño en medio de su producción y su vida revuelta.



ver fotogalería
'Salvator Mundi', de Leonardo da Vinci. Vendido en 2017, en subasta, por 382,1 millones de euros. Pinchando en la imagen, la galería con los cuadros más caros de la historia. REUTERS



El descubrimiento del C2RMF confirma –una vez más– que Leonardo nunca trabajó solo y siempre dejó al taller lo engorroso. Vasari tiene un célebre comentario sobre el artista: “Empezaba muchas cosas y nunca las terminaba”. Como hizo Verrocchio con él antes, Leonardo delega pequeñas áreas de las pinturas a sus alumnos y asistentes, dándoles la responsabilidad de continuar el trabajo que el maestro ha marcado con su primer dibujo. En ocasiones les hace responsables de un diseño global, otras veces rematan partes en las que basta con que continúen la coherencia estilística de la firma de la empresa. En otras ocasiones, copian.

Todos sus pupilos debían educarse en la ley del dibujo para que los cuadros resistieran como los edificios. El dibujo antes que nada. El dibujo a todas horas y ellos reproducen los bocetos que Leonardo traza en sus cuadernos. Revisa sus ejercicios y siempre incide sobre lo mismo: las sombras. Se queja el maestro de que sus ayudantes nunca las rematan, que tienen afán y amor por la pintura, pero no disposición. Necesita ver más voluntad y mimo por el detalle. “Hay más dificultad en las sombras de las pinturas que en sus perfiles”, escribe. Por eso insiste en el cuidado y la verdad, en la intención y en la verdad, para lograr el claroscuro (una de la pruebas de esta Monna Vanna).

Un gesto muy ensayado
Esta mujer desnuda recuerda a La Gioconda, pero la obra de arte más famosa del mundo no fue fruto de la espontaneidad ni un gesto casual. Es la fuerza de la insistencia: el cruce de manos por delante de la figura ya los practicó en el delicado dibujo, de 1500, que hace como cartón preparatorio con sanguina para el retrato que nunca realizará a Isabella d’Este (y que ella le reclamará toda su vida). El boceto es la compensación por la atención que le ofreció la marquesa de Mantua, una de las mujeres más poderosas del momento, en su huida de Milán a Florencia. Esta postura es el primer acercamiento del modelo que llevará a otros retratos y que culminará con La Gioconda años más tarde.

Los expertos han datado la Monna Vanna en 1503, año en que Leonardo empieza con Mona Lisa, cuando acaba de llegar a Florencia, adonde ha regresado 18 años después. Con casi 50 años vuelve a estar exiliado, sin trabajo y tratando de buscar un lugar en el mundo que no termina de aceptarle. Le encuentran admirable y absurdo. Abre una de sus pequeñas libretas y escribe: “El movimiento es el origen de toda vida”. Pura resignación. Da Vinci es un migrante sin refugio, que solo encuentra nación en su taller y en sus cuadernos, cómplices de su devenir errático, libretas que cuelgan de su cintura y dan testimonio de su vida. Y vuelve a escribir: “¿Por qué no creas entonces obras que hagan que tras tu muerte sigas pareciendo vivo, en lugar de pasarte la vida durmiendo como si fueras ya un triste muerto?”.

https://elpais.com/cultura/2019/03/08/actualidad/1552051186_072150.html

 

[Serendi]

'Creadores de conciencia': 40 formas de abrir los ojos al mundo a través de la fotografía

CREACIÓN CULTURAL

El Círculo de Bellas Artes de Madrid acoge una muestra que rinde homenaje a fotoperiodistas españoles que arriesgan su vida en zonas de conflicto

"Somos de alguna forma los alertadores de la sociedad. Queremos abrir la conciencia para señalar lo que está pasando y que hagan algo", explica la reportera Maysun

José Antonio Luna
10/03/2019 - 21:05h

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Busha Shari, atacada con ácido por su marido. Islamabad. Pakistan 2008 EMILIO MORENATTI

La historia tras la imagen de la primera mujer nominada al World Press Photo: "Me volví invisible"

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Algunas fotografías consiguen destacar incluso en un mundo dominado por imágenes. Se graban a fuego en nuestra retina como símbolos de hitos, injusticias o, simplemente, de realidades lejanas que no por ello dejan de ser menos reales. Muchas no son cómodas, como la del niño sirio Aylan muerto en la orilla intentando cruzar la franja que separa Turquía de la isla griega de Lesbos. Sin embargo, a veces los puñetazos en forma de instantáneas son necesarios.

Es lo que se puede apreciar en la exposición Creadores de conciencia. 40 fotoperiodistas comprometidos, disponible en el Círculo de Bellas Artes de Madrid hasta finales de abril y que posteriormente llegará a otras ciudades como Valencia, Zaragoza o Gijón. La muestra, como su propio nombre indica, rinde homenaje a varios fotoperiodistas españoles destacados por arriesgar su vida en zonas de conflicto, como Manu Brabo, Samuel Aranda, Bernat Armangué o Lurdes Basolí, entre otros.

En total son 120 fotografías que dan a conocer realidades de lugares como Siria, Colombia, Venezuela, Irak o Egipto, pero también de lo que puede llegar a ocurrir en los propios pueblos españoles. Así se comprueba a través de trabajos como el de Clemente Bernad, que capturó la exhumación de 46 víctimas Guerra Civil. En el mapa fotográfico de los problemas sobre los que fijar la mirada también está España.

Exhumación de 46 víctimas guerra civil. Fosa Alto de la Venta, Villamayor de los Montes. Burgos 2004 CLEMENTE BERNAD



"El fotógrafo que hizo el reportaje cuenta que en las excavaciones descubrieron a una persona con el anillo de boda todavía puesto en la mano. Eso produjo una sensación tremenda, porque permitía conocer perfectamente quién era y si los que estaban allí sus familiares", explica a eldiario.es Chema Conesa, comisario de la exposición. La historia de Bernad, sin embargo, es solo una de las muchas que impactan a través del recorrido por la sala.

Ciertas fotos, además, miran directamente al espectador. Es el caso del desgarrador retrato realizado por Emilio Morenatti a una mujer pakistaní con la cara desfigurada tras sufrir un ataque con ácido de su marido. Otras, en cambio, son más sutiles, pero no por ello menos sorprendentes. Por ejemplo, la instantánea de Olmo Calvo con varios migrantes rescatados en el Mediterráneo a bordo del barco Open Arms. Todos dormidos, con ropa azul y mantas rojas. Y, en el centro, un niño desnudo.

Rescatados en el Mediterraneo duermen en el Golfo Azzurro barco de Open Arms. Enero 2017 OLMO CALVO



"Somos de alguna forma los alertadores de la sociedad. Queremos abrir la conciencia para señalar lo que está pasando y hagan algo", dice a este periódico la fotoperiodista Maysun, responsable de imágenes para medios como The Guardian, Time Magazine o The Washington Post, entre muchos otros. Quizá una de sus instantáneas más reconocidas sea la tomada en el cementerio de Alepo durante el entierro de una víctima de un bombardeo sirio, la cual fue elegida como portada de The New York Times.

Maysun cuenta cómo los allegados del fallecido querían darle una sepultura digna a pesar de los riesgos que ello conllevaba: la noche ya caía en la ciudad y cualquier luz en medio de la carretera podía convertirse en un ataque aéreo. A pesar de ello, la experta les acompañó e inmortalizó el momento durante la milésima de segundo en la que encendieron una linterna. "Ni lo pensé, enfoqué al infinito y que fuera lo que sea", recuerda. Al final, salió.

Victima anónima de bombardeo sirio. Cementerio de Alepo, Siria 2012 MAYSUN



Pero no todos los retratos de guerra son aceptados de la misma forma. De hecho, La imagen de Aylan también abrió un debate en la prensa: ¿debía publicarse o caía en el morbo? Se trata de una línea complicada y en ocasiones difusa, pero en ese caso parecía estar clara. "Las fotos están ahí para molestar tu conciencia, no son para que te gusten, no las pondrías como decoración en tu salón", apunta Maysun. La especialista señala que "hay que mostrar sangre porque existe y las guerras son sangrientas", pero que "puede resultar impactante sin necesidad de ser grotesca. Para mí esa es la diferencia".

También es habitual que los espectadores se pregunten por el papel del fotógrafo en el momento de la captura, como ocurrió con la famosa imagen tomada por Kevin Carter de un buitre junto a un niño sudanés famélico. Hubo quien entendió aquella captura como una metáfora de lo que por entonces estaba ocurriendo en Sudán: el niño pequeño era la pobreza, el buitre el capitalismo y el reportero, la sociedad del primer mundo que miraba impasible.

No se sabe con exactitud qué parte es mito y cuál es verdad, pero lo cierto es que Carter acabó suicidándose en 1994, dos años después de recibir el premio Pulitzer por aquella foto. Probablemente no fuera el único motivo, ya que tenía antecedentes depresivos y sufrió la pérdida de un compañero. Aun así, como recoge Time, dejó escrito lo siguiente: "Me persiguen los vívidos recuerdos de asesinatos, cadáveres, ira y dolor". Entonces, ¿cuándo deberían intervenir los fotógrafos?

"Creo que la gente también descontextualiza. A mí me preguntan: ‘¿y por qué no le ayudaste?’ No sabes si le ayudé o no, lo que pasa que tú ves solo cuando yo hice la foto y a lo mejor hay veinte personas al lado que le están ayudando. Mi labor no es ayudar, porque ya lo están haciendo. Mi labor es contar lo que está pasando", sostiene Maysun, quien recalca que "evidentemente somos humanos antes que fotógrafos y si esa persona no tuviera a nadie que le ayudase pues tiraríamos la cámara a tomar por saco".

Un trabajo precario y firmado en masculino
El oficio de fotoperiodista de guerra cuenta con riesgos más allá de los evidentes. No solo luchan por entrar en una zona de conflicto y conseguir un buen material, sino también por poder venderlo para poder llegar a final de mes. Sin embargo, la cuenta corriente pocas veces se corresponde con el sacrificio. Es lo que contó a este periódico Catalina Martin – Chico, primera mujer nominada al World Press Photo: "Me encantaría volver a España, pero luego me doy cuenta de que iba a ser aún más difícil vivir de mi trabajo". En la misma línea se sitúa el comisario Chema Conesa, que lamenta cómo a veces con el presupuesto de los medios españoles no se puede pagar "ni la décima parte de un proyecto".

Celebración del día del Orgullo Gay. Madrid 2016 DANIEL OCHOA DE OLZA



Pero todavía hay que sumar otro hándicap a la profesión: el del género. Es algo que se puede apreciar en esta misma exposición, donde de los 40 fotógrafos reunidos solo cinco son mujeres. "Parecen pocas, pero ¿cuántas más hay? Esto responde a la realidad de lo que sucedía hace dos años cuando se inició este proyecto", defiende Conesa. Esa realidad a la que alude el comisario, sin embargo, podría tener una explicación. "Esta es una industria muy patriarcal en la que las mujeres tenemos que probar de forma continua que somos igualmente capaces que nuestros compañeros. Y no es solo que no ganemos premios ni que no expongamos lo suficiente, es que no nos dan suficientes encargos", critica Maysun.

Solo basta un vistazo a una página como Women Photograph para comprobar la escasa participación de fotógrafas: en ningún medio de los 8 analizados representan el 50% de la plantilla. Entonces, en lugar de reflejar una realidad desigual, ¿por qué no aprovechar las muestras para mostrar más referentes femeninas? "Te aseguro que si hubiese una mujer de la que hubiera visto un trabajo relevante, sea donde sea, habría estado en esta exposición posiblemente", recalca Conesa.

No coincide demasiado Maysun, que en el momento de la entrevista también estaba exponiendo una muestra colectiva en Zaragoza junto a 52 mujeres aragonesas. "Haberlas las hay, solo es cuestión de que hagamos el ejercicio de cambiar de mentalidad y de que los editores o los comisarios, cuando tienen que hacer su lista de exposiciones, publicaciones o lo que sea, pues se pregunten a quién llaman sin que salgan siempre los mismos nombres de hombres", denuncia la fotoperiodista.

Miguel Alfonzo abatido por banda rival. Parroquia El Valle, Caracas, Venezuela 2008 LURDES BASOLÍ

Noir, niño esclavo. Centro de acogida misioneros salesianos. Kara, Togo 2016 ANA PALACIOS

Coche bomba suicida. Sirte, Libia, 2019 RICARDO GARCÍA VILANOVA

Mujer kurda ante su casa destruida. Kobane, Alepo, Siria 2015 J M LOPEZ

Mujer refugiada y su hijo caen al agua durante desembarco. Lesbos, Grecia 2015 SAMUEL ARANDA


Hombre y mujer celebran emocionados el exito de su travesía como refugiados. Lesbos, Grecia 2015 JAVIER BAULUZ.


Las llamadas Mulas de Melilla trasladan mercancía. Frontera de Melilla. Marruecos 2015 JOSÉ COLÓN

Reportaje al completo (2 fotografías más) en el siguiente enlace, gracias:
https://www.eldiario.es/cultura/arte/Creadores-conciencia-formas-traves-fotografia_0_874563367.html

 

[Serendi]

Patricia Phelps de Cisneros: «El interés en España por Latinoamérica y su arte no es esporádico»
La mecenas venezolana ha hecho una nueva donación al Reina Sofía: 45 obras de 33 artistas contemporáneos latinoamericanos

Natividad Pulido
Madrid
Actualizado:13/03/2019 01:53h
0Patricia Phelps de Cisneros dona otras 45 obras latinoamericanas al Reina Sofía

Colabora con el Museo Reina Sofía desde 2011 y participa de forma muy activa en laFundación de la pinacoteca desde su creación. El compromiso e implicación de la coleccionista y mecenas venezolanaPatricia Phelps de Cisneros (esposa del empresario Gustavo Cisneros) con el museo ha ido en aumento. En 2012 donó una escultura de Juan Muñoz y, en 2018, 39 obras de doce artistas. Ahora vuelve a hacer otra donación: 45 obras de 33 artistas, en su mayoría de Brasil y Venezuela, aunque también los hay de Argentina, Colombia, México y EEUU.

Las piezas abarcan de los 60 a la actualidad, con especial énfasis en lo contemporáneo, principal laguna en la colección de arte latinoamericano del museo. « Manolo Borja-Villel y su equipo están haciendo un trabajo ejemplar en la investigación y presentación del arte iberoamericano contemporáneo, insertándolo perfectamente al canon global sin duda alguna de que ése sea su justo lugar –comenta la mecenas en una entrevista con ABC–. Se ha dado continuidad a un proyecto de importantes exposiciones de artistas latinoamericanos que tiene el museo desde su origen, pero hoy se fortalece con un esfuerzo de coleccionismo y de producción de nuevo conocimiento».

Entrega y generosidad
Gracias a su ejemplo están siendo muy activos importantes coleccionistas latinoamericanos en el Patronato de la FundaciónMuseo Reina Sofía. Es el caso de Jorge Pérez, que ha decidido donar 1,5 millones de euros para compra de obras de arte. «Me encanta ver cómo este programa de donaciones que establecí junto con mi marido, Gustavo, y mi hija Adriana, presidenta de la Fundación Cisneros, ha sido bien recibido. Todos los miembros de la Fundación son sumamente entregados y generosos. De hace cinco años hasta ahora se han donado más de 400 obras a la colección permanente del museo.

ARCO en estos años:«Se ha consolidado un diálogo con Latinoamérica a nivel de mercado y de instituciones. Pero quizás lo que me gusta más es que no es un interés esporádico, sino que se nota a todos los niveles en España, en sus museos, centros culturales, galerías y colecciones. No cabe duda de que ARCO jugó un papel importante en ese proceso». Grandes coleccionistas siguen mirando a España para traer sus colecciones. ¿Por qué les atrae tanto nuestro país? «No puedo responder por los demás. Gustavo y yo llevamos décadas viviendo en Madrid y sentimos gran afinidad con el país, que de hecho es el país de origen de la familia de Gustavo».

El MoMA habla español
El MoMA de Nueva York anunció hace unas semanas que cerrará cuatro meses para poner a punto su ampliación y que una de las exposiciones inaugurales será «Sur Moderno», con obras donadas por Patricia Phelps de Cisneros. «En los orígenes del MoMA, en la década de 1930, hubo un interés muy fuerte por el arte latinoamericano, que luego ha entrado y salido de foco. Pero en la última década se ha notado un enorme esfuerzo en todo el museo para estar en diálogo con América Latina. Es algo muy impresionante, y me hace sentir muy orgullosa saber que, en los últimos 20 años, bajo la gestión de Glenn Lowry, director de MoMA, han entrado casi tres mil obras de arte latinoamericano a la colección. Es algo muy importante, y es una gran satisfacción haber podido contribuir a ese proceso junto con muchas otras personas. Ha sido fantástico participar en esa evolución de la mirada y atestiguar cómo el canon global incluye hoy al arte de América Latina».

Gracias a ella, el MoMA inauguró el Instituto de Investigación Cisneros para el Arte de América Latina:«Esta iniciativa es muy importante, pues permitirá que el museo consolide de manera permanente la magnífica labor de investigación del arte en la región que se ha hecho en los últimos años, pero además estimule, apoye y disemine nuevos acercamientos al arte moderno y contemporáneo de América Latina».

Aunque no quiere entrar en asuntos de política en Venezuela, sí habla del arte en su país: «Venezuela siempre tuvo magníficos artistas, y los sigue teniendo. Por supuesto, han sido años muy complicados, no solo para los artistas sino para toda la sociedad, pero sigue habiendo actividad artística. Nosotros colaboramos en lo que podamos desde la Fundación Cisneros con varias iniciativas locales para el arte y la educación».

Su colección tiene sedes en Caracas y Nueva York. «Nuestra misión –dice– ha sido siempre la de diseminar lo más ampliamente posible la apreciación por la rica producción artística y cultural de la región». Una película en español, «Roma», de Alfonso Cuarón, optaba este año al Oscar a mejor película; el español se ha impuesto al inglés como lengua franca en la música... Llevaba razón Phelps de Cisneros cuando en 2011 decía a ABC: «La próxima década será latinoamericana». «Hoy es una realidad indiscutible, aunque nos preocupa siempre el aumento de la intolerancia y la crisis migratoria», advierte.
https://www.abc.es/cultura/arte/abc...-arte-no-esporadico-201903130153_noticia.html

 

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Los ladrones de la «Crucifixión» de Brueghel el Joven se llevaron una copia
Los desconocidos que asaltaron la iglesia italiana de Santa María Magdalena, en Castelnuovo Magra, cayeron en la trampa policial

0Roban de una iglesia italiana la «Crucifixión» de Brueghel el Joven

El cuadro de la «Crucifixión» del pintor flamenco Pieter Brueghel el Joven que robaron este miércoles en la iglesia de Santa María Magdalena de la localidad italiana de Castelnuovo Magra era, en realidad, una copia que la Policía había colocado en su lugar al saber de la intención del hurto por un aviso, según informan medios locales italianos.

«El cuadro original había sido sustituido hace más de un mes con una copia», explicó a los medios el alcalde de la localidad de Castelnuovo Magra, Daniele Montebello. Las autoridades supieron que se pretendía robar esta obra de arte valorada en más de tres millones de euros y «los carabineros (policía militarizada) decidieron ponerla al seguro, sustituyéndola con una copia e instalando algunas cámaras», continuó el regidor antes de añadir que no se podía desvelar «nada más por razones de la investigación».

En la mañana del miércoles, varios desconocidos accedieron a la capilla lateral de la iglesia de Santa María Magdalena donde se encontraba la obra y tras romper la mampara de protección de cristal, se llevaron con facilidad el cuadro huyendo en un Peugeot blanco. Un gran golpe, debieron de pensar.

Il fatto Quotidiano». «Cuando ocurrió el episodio de hoy, por razones de seguridad no pudimos revelar nada. Pero evidentemente los informes eran fundados, por eso agradezco al Arma (de Carabineros) y también a la comunidad: algunos fieles notaron que el expuesto no era el original sino una copia y afortunadamente no revelaron el secreto», explicó Montebello.

La auténtica «Crucifixión», que se encuentra en un lugar seguro, es una pintura sobre tabla realizada por Brueghel el Joven, miembro de una de esta dinastía de artistas, entre el final del siglo XV y principios del XVI y está valorada en unos tres millones de euros. Fue donada a la iglesia de Castelnuevo Magra por una familia adinerada hace poco más de un siglo. Durante la Segunda Guerra Mundial se ocultó para evitar que cayera en manos del ejército alemán. En 1981 fue robada por unos ladrones de arte, aunque los carabineros lograron recuperarla meses después.

Años antes, en 1979, la iglesia sufrió otro robo. Se sustrajo otro de sus tesoros, una pintura atribuida a uno de los alumnos genoveses de Anton van Dyck, recuperado tiempo después
https://www.abc.es/cultura/arte/abc...oven-llevaron-copia-201903140908_noticia.html

 

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Las diez curiosidades que reinan en la Feria de Maastricht




TEFAF Maastricht 2019, la feria de arte y antigüedades más prestigiosa del mundo, acogerá a 279 galeristas de renombre internacional que exhibirán más de 30.000 obras desde la antigüedad hasta nuestros días.

El abanico de arte que podremos encontrar en la XXXII edición de TEFAF Maastricht es casi inabarcable, desde piezas de arte asiático o egipcio, hasta obras en papel únicas, pasando por pinturas de grandes maestros, joyas extraordinarias, objetos decorativos de todas las épocas o muebles antiguos.

Son muchas las historias y curiosidades que se esconden detrás de las piezas que se podrán ver en la feria a partir de mañana. Gentleman adelanta diez de ellas.

Galeria :
https://www.gentleman.elconfidencia...3-15/feria-de-maastricht-2019-tefaf_1880598#0

 

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El MoMA saca a subasta en París un excepcional dibujo de Picasso
El valor de «Joueuse de flûte et nu couché» (1932) se estima entre 250.000 y 350.000 euros

0Sale a subasta «Meules», de Monet, todo un icono del impresionismo

• El exilio de la inteligencia

Un excepcional dibujo de Pablo Ruiz Picasso, « Joueuse de flûte et nu couché» («Flautista y desnuda acostada» (1932), inédito en el mercado del arte y perteneciente al MoMA de Nueva York, saldrá a subasta el próximo 28 de marzo en la sala de Christie's en París, según ha anunciado este miércoles la casa de subastas.

Realizada con lápiz y tinta china sobre papel, esta obra cuyo valor se estima entre 250.000 y 350.000 euros será vendida en beneficio del fondo de adquisiciones del Museo de Arte Moderno.

El dibujo, que data de octubre de 1932, un año particularmente prolífico en la vida privada y artística de Picasso, forma parte de una serie de tintas chinas que revelan su pasión por Marie-Thérèse Walter, su amante entre 1927 y 1935 y madre de su hija Maya Widmaier-Picasso.



«El día en que encontré a Marie-Thérèse, me di cuenta de que tenía ante mí lo que siempre había soñado», confesó un día Pablo Picasso. El artista representó en este dibujo a su musa desnuda a la izquierda y lo que podría ser su doble retrato a la derecha, bajo el disfraz de una niña inocente de ambigua feminidad.

«La enorme calidad de esta obra combinada con su prestigioso origen suscitará sin duda alguna el interés de numerosos coleccionistas internacionales presentes en París», subraya Antoine Lebouteiller, director del departamento de arte impresionista y moderno de Christie's.

Este dibujo sobre papel fue regalado por Picasso a su marchante Daniel-Henri Kahnweiler y en 1961 pasó a formar parte de las colecciones del MoMA por una donación de la artista estadounidense Eve Clendenin.

La obra será expuesta en Christie's París del 23 al 27 de marzo y durante la mañana del día de la subasta.
https://www.abc.es/cultura/arte/abc...onal-dibujo-picasso-201903201252_noticia.html

 

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Jenny Holzer: la palabra como arma contra los abusos de poder
El Museo Guggenheim de Bilbao dedica una ambiciosa exposición a la combativa artista norteamericana

Natividad Pulido
Bilbao
Actualizado:22/03/2019 01:59h0

Hay obras de arte que no se pintan, ni se dibujan, ni se esculpen. Simplemente, se escriben. Allá por los 70, una jovencísima Jenny Holzer (Gallipolis, Ohio, 1950) andaba pegando pósteres con sus textos en las calles de Manhattan de forma clandestina. Son los llamados truismos (verdades, aforismos, máximas, ideas, reflexiones sobre distintos asuntos) y ensayos incendiarios, que imprimía en papeles de colores. En ellos se leían frases lapidarias como «Protégeme de lo que deseo». Desde entonces, y a lo largo de cuatro décadas de carrera, esos textos –siempre mordaces y concisos, directos a las conciencias– han tenido infinidad de soportes: papel, lienzo de lino, bancos de piedra, señales de leds, camisetas, gorras, vajillas, medias y hasta preservativos. Incluso proyecciones en paisajes y edificios emblemáticos como el Museo Guggenheim de Bilbao, que le dedica, hasta el 9 de septiembre, su exposición más ambiciosa hasta la fecha, patrocinada por la Fundación BBVA.

Ya desde su inauguración en 1997, el museo bilbaíno apostó por Jenny Holzer encargándole para el atrio una pieza (nueve columnas de luz de más de doce metros de altura), en la que trata el drama del sida. En 1990 se convirtió en la primera artista norteamericana en exponer en solitario en la Bienal de Venecia: se alzó con el León de Oro. Desde entonces, es una de las artistas más destacadas de nuestro tiempo. Pero, quizás debido a lo incómodo de sus propuestas, no ha sido profeta en su tierra.

«Purple» (2008), de Jenny Holzer - EFE
Empatía y pensamiento crítico
Su herramienta de trabajo es la palabra. Con ella aborda temas universales como el amor, el poder, la violencia, el s*x*, la muerte, la belleza, la justicia… Con sus obras, que, según la comisaria de la muestra, Petra Joos, «siempre destilan empatía y pensamiento crítico», da voz a lo indescriptible (título de la exposición), a aquellos que han sufrido abusos de poder. Es el caso de los refugiados y víctimas de guerras como las de Siria y Afganistán, que aborda en piezas como «There Was a War» (Hubo una guerra) o «Sworn Statement» (Declaración jurada). Bien con huesos humanos que empezó a utilizar en los 90, bien con señales de led a caballo entre Matrix y las pantallas de las cotizaciones bursátiles, Jenny Holzer relata los horrores de la guerra, siempre a través de sus protagonistas: testimonios de presos, torturados, desertores, refugiados…



También usa el lenguaje para denunciar la violencia sexual, las violaciones cometidas en la antigua Yugoslavia o por parte de soldados birmanos a mujeres y niñas de la etnia rohinyá. Es el caso de «I Woke up Naked» (Me desperté desnuda) o «Purple» (Púrpura). La propia Holzer reconoce haber tenido una infancia difícil y confesó en una entrevista reciente que fue víctima de abusos. En algunos casos no utiliza textos propios, sino que toma prestados versos de autores como la polaca Anna Swirszczynska, que se unió a la resistencia en la II Guerra Mundial. Encerrado en una pequeña vitrina, instalada frente a las poderosas esculturas de Richard Serra (no parece que sea de forma casual), un preservativo con el lema «Men Don’t Protect You Anymore» (Los hombres ya no te protegen). Toda una declaración de intenciones.

Jenny Holzer, ante sus ensayos incendiarios, en el Guggenheim Bilbao - EFE
Documentos desclasificados y censurados
En sus pinturas y acuarelas, Holzer reproduce documentos sensibles del Gobierno norteamericano que han sido desclasificados, pero en los que aún se aprecia la huella de la censura: operaciones militares en Irak y Afganistán en la era Bush, documentos del FBI sobre amenazas terroristas, contraespionaje informático… y hasta parte de la investigación del fiscal especial Robert S. Mueller sobre la injerencia rusa en las elecciones presidenciales de 2016, en las que resultó vencendor Donald Trump. Y, hablando de Trump, Holzer no se muerde la lengua: «Las mujeres no volverán jamás a la cueva. Ganarán y Trump se irá». Preguntada sobre si se considera una artista feminista, responde: «Espero ser una artista, ese es mi objetivo. Y también soy feminista. Soy las dos cosas. Me emociona mucho ver que algunas de mis frases han sido utilizadas por el movimiento #MeToo».

Para Jenny Holzer, lo peor es la indiferencia: «Sé que no voy a salvar el mundo, pese a mis esfuerzos. Pero no se puede ser miope y protegerte egoístamente. Hay que saber qué ha pasado, qué han sentido esas víctimas y emprender algunas acciones, ayudar, echar una mano, aliviar el sufrimiento, en la medida de lo posible. Si me volviera insensible, debería dejar este trabajo». En una de las salas de la muestra se exhiben obras de artistas que han impresionado, desconcertado o influido a Jenny Holzer desde el siglo XIX hasta hoy: Natalia Goncharova, Eva Hesse, Lee Lozano, Kiki Smith, Odilon Redon, Paul Klee, Frank Lloyd Wright, Keith Haring, Louise Bourgeois o Paul Thek, entre otros. La mayoría de las obras pertenecen a su colección privada.

«Ram», instalación de Jenny Holzer en la que emplea huesos humanos - AFP
Versos sobre el museo
Artista complicada y difícil, con fama de huraña y obsesa del control en su trabajo –supervisa personalmente hasta el más mínimo detalle–, lleva a cabo unas proyecciones de luz sobre la fachada norte del edificio de titanio de Gehry, que incluso pasan sobre la araña de su admirada Bourgeois. Desde ayer, cuando se celebraba el Día Mundial de la Poesía, y hasta el 30 de marzo (de 20,30 a 23 horas), cinco proyectores estampan sobre el museo versos en español, vasco, inglés… Son 169 textos de 19 escritores. Entre ellos, la Nobel polaca Wislawa Szymborska, la norteamericana Elizabeth Bishop y los españoles Bernardo Atxaga y Olvido García Valdés. «La poesía, dice Jenny Holzer, puede ser amable, ofrecer ternura, cariño y apoyo, pero también puede ser devastadora. Esa es la gloria de la poesía: aborda la guerra y el amor». Se muestra feliz por regresar a Bilbao:«Es una suerte volver a esta arquitectura tan fantástica, es como estar dentro de la mente de Gehry. Un lugar estupendo».
https://www.abc.es/cultura/arte/abc...contra-abusos-poder-201903220159_noticia.html

 

[pilou12]

SELFIES SONRIENDO
El Museo de Auschwitz, harto de las fotos de los turistas: "Mataron a más de un millón"
El Auschwitz Memorial ha denunciado el comportamiento "irrespetuoso" de algunos visitantes al campo de concentración y ha compartido varias de sus fotografías como ejemplo

Imágenes compartidas por @AuschwitzMuseum para denunciar los comportamientos de los turistas.


AUTOR
P. CANTÓ
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pppua


22/03/2019


“Cuando vengas al Auschwitz Memorial, recuerda que estás en el lugar donde mataron a más de un millón de personas. Respeta su memoria. Hay mejores sitios para aprender cómo andar sobre una barra de equilibrios que el lugar que simboliza la deportación de cientos de miles a su muerte”.

Este tajante texto lo ha compartido en Twitter la propia cuenta oficial del Auschwitz-Birkenau, en Cracovia, que conserva las instalaciones donde tuvieron lugar los campos de concentración nazis. Un mensaje dirigido a los no pocos turistas que aprovechan su visita a Auschwitz para llevarse fotos de recuerdo.

La cuenta, además, ha compartido cuatro fotos de varias personas subidas a los raíles que dirigían a los campos de concentración.


Esta ocasión no es la única en la que han trascendido las fotos de los visitantes. El lugar recibe más de dos millones de visitas al año, con siete mil turistas diarios de todas las nacionalidades. Muchos de ellos aprovechan para hacerse fotos con la ropa de los judíos asesinados o sonriendo delante de los barracones.

El youtuber polaco Patrick Ney denunció el año pasado este tipo de comportamiento: “Lo primero que nos pidió el guía cuando entramos en el museo fue que no sacáramos fotos del cabello humano o de los zapatos de los judíos asesinados, por respeto. Nada más terminar la observación ya había varios turistas disparando con el móvil”.

La advertencia del Auschwitz Memorial de esta semana tampoco ha sido la primera. En 2015 denunció otra imagen en su perfil. “¿Un selfie en una habitación llena de zapatos de las víctimas? Triste y muy irrespetuoso”.

Uno de los casos más criticados fue en 2014, cuando la norteamericana Breanna Mitchell publicó una fotografía de sí misma sonriendo en mitad del campo de concentración. Tras las críticas por su actitud, la joven borró la publicación. “Sinceramente, no habría hecho nada diferente porque no pretendía hacer daño”, dijo después a TakePart, como recoge The Huffington Post. “El Holocausto y la Segunda Guerra Mundial es lo único que me interesa de la historia”.

https://www.elconfidencial.com/cultura/2019-03-22/auschwitz-museo-selfie-visitantes-twitter_1897914/

 

[Serendi]

Un museo de Connecticut confirma la autoría de un cuadro de Van Gogh
«Florero con amapolas» ha sido estudiado por especialistas del Museo Van Gogh de Ámsterdam

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El Museo de Arte Wadsworth Atheneum, situado en Connecticut (Estados Unidos), ha confirmado hoy la autenticidad de un cuadro que se atribuía al pintor holandés Vincent van Gogh, llamado «Florero con amapolas») y que le fue donado por una coleccionista en 1957. Según dijo la institución en un comunicado, «Florero con amapolas» es considerado «sin duda» una obra de Van Gogh tras la verificación de los especialistas del Museo Van Gogh en Ámsterdam, quienes determinaron, a través de investigaciones, que el estilo y técnica coinciden con la obra documentada del artista en 1886.

La obra fue donada al museo Wadsworth en 1957 por Anne Parrish Titzell, una escritora y coleccionista de arte impresionista francés que también aportó obras de Renoir, Monet o Redon, pero había sido difícil atribuirle con seguridad la autoría a Van Gogh (1853-1890) por los interrogantes sin resolver sobre sus prácticas artísticas. El Museo Wadsworth, que abrió sus puertas en 1844, es ahora hogar de dos obras del pintor holandés, ya que «Florero con amapolas» se une a «Autorretrato», ambas pintadas durante su periodo en la ciudad de París, indica el comunicado.

«Florero con amapolas» encaja estilísticamente con otros trabajos del artista a su llegada a París en la primavera de 1886, donde aprovechó «el fácil acceso a las flores», mientras reinventaba su enfoque estilístico después de dos años representando vida de los campesinos en el pueblo de Nunen en los Países Bajos. El uso de una paleta de colores más vibrantes y del retrato de sus sujetos con más luz queda reflejado en esta obra.



Coincidiendo con el análisis del equipo del Museo Van Gogh, recientes investigaciones revelaron que la pintura fue exhibida en la veterana feria de arte The Armory Show de Nueva York en 1913. «Florero con amapolas» regresará desde Amsterdam al Museo Wadsworth a tiempo para la apertura de la 38 edición de su exposición anual «Fine Art and Flowers» (Bellas artes y flores) el próximo 26 de abril. Después será prestada al Museo Barberini en la ciudad de Potsdam (Alemania) para la exhibición «Van Gogh Still Lifes», que se mostrará del 26 de octubre de este año al 2 de febrero del 2020.
https://www.abc.es/cultura/arte/abc...autoria-cuadro-gogh-201903230228_noticia.html

 

[Serendi]

El «Indiana Jones del arte» recupera el cuadro «Busto de mujer», de Picasso robado hace veinte años
La obra está valorada en 25 millones de euros en subastas

@abc_cultura
Actualizado:26/03/2019 10:18h
0Se subastan grabados que Picasso vendió para financiar la causa republicana

• Recuperan un mosaico bizantino robado de hace 1.600 años

El cuadro «Busto de Mujer», de Pablo Picasso, robado en 1999, fue localizado en Ámsterdam, después de pasar por al menos 20 manos durante las últimas dos décadas, ha confirmado el investigador de arte holandés Arthur Brand, quien ha recuperado el lienzo.

«Retrato de Dora Maar», de 1938, también conocido como «Busto de mujer (Dora Maar)» representa a uno de las amantes y musas del artista malagueño (1881-1973). La pintura, que formaba parte de la colección privada de Picasso hasta su muerte, fue robada en el yate de un jeque saudí Abdul Mohsen Abdulmalik amarrado en el puerto de Antibes, cerca de Cannes, de acuerdo con AFP.

El jeque lo adquirió en los ochenta en la galería Pace de Nueva York por una cifra no confirmada, pero cuando fue robado de su yate en Francia tenía un valor en el mercado de 4 millones de euros.



Con el paso del tiempo, las autoridades francesas dieron el caso por cerrado porque la mayoría de las veces, ha señalado Brand, apodado el «Indiana Jones del mundo del arte» por sus hazañas de investigación, «cuando un cuadro así desaparece totalmente es porque sus ladrones no lo han podido vender y apuestan por destruirlopara quitarse de problemas».

El propietario ofrecía una recompensa de 400.000 euros, pero tras perder la esperanza de encontrarlo, recibió 4 millones de euros de la compañía de seguros y ahora esta tiene el lienzo en su propiedad en Ámsterdam.

Un experto en arte estadounidense se encuentra en la capital holandesa analizando el cuadro para verificar su estado antes de ofrecérselo de nuevo a Abdulmalik, quien recuperaría una obra valorada en 25 millones de euros en subastas
https://www.abc.es/cultura/arte/abc...do-hace-veinte-anos-201903260946_noticia.html

 

[pilou12]

MUSEO NACIONAL DE CATAR
Jean Nouvel levanta en Doha el icono del desierto
Catar inaugura un museo nacional firmado por el arquitecto con el que quiere escribir su historia

Una imagen del Museo Nacional de Qatar. IWAN BAAN




ANATXU ZABALBEASCOA
Doha 27 MAR 2019




Construir un icono para reconstruir la historia. El Museo Nacional de Catar, inaugurado esta tarde en Doha, debe de ser, con más de 8.000 metros cuadrados de exposición, el mayor museo de historia local del planeta. Su envoltorio, en cambio, tiene ambición internacional. Le habla al mundo de vanguardia y, a la vez, de un pasado remoto que los cataríes están tratando de escribir y documentar.

Así, el edificio evoca la cristalización de una rosa del desierto —una formación mineral típica de la región del Golfo Pérsico— y tiene un contenido altamente escenográfico que quiere arraigar una cultura nómada de pescadores de perlas reconvertidos en señores del petróleo y el gas natural. El proyecto de Jean Nouvel es, en palabras del arquitecto, la materialización de lo que es Catar: “un lugar de encuentro entre el mar y el desierto”. Ciertamente retrata también la paradoja de un país no democrático que quiere ser, si es que eso es posible, culturalmente progresista. Nouvel ha declarado a EL PAÍS que la arquitectura es siempre difícil “incluso en países absolutistas, pero estos gobiernos levantan una arquitectura autoritaria que extiende su mensaje de poder y ese no es el caso de mi museo”. Doha, la capital, es una de las ciudades más transformadas en la última década. Aquí vive la mayoría de los cataríes —solo 1/8 de los dos millones de habitantes del país que tiene la mayor renta per cápita del planeta—. Eso si, ningún residente paga impuestos. De ahí que entre los habitantes se cuente un puñado de deportistas famosos.


Con un pasado nómada, Catar ha visto aparecer y desaparecer la fortuna. La crisis de las perlas, su industria “hasta que los japoneses decidieron hacerlas artificiales”, ha dicho Sheikha Al Mayassa bint Hamad bin Khalifa Al Thani, hermana del actual emir y directora de los museos del país —calificada por la revista Forbes como la “Reina indiscutible del mundo del arte actual”—. Basta una mirada a la nueva arquitectura y escultura pública de la capital —la Biblioteca Nacional de Rem Koolhaas o las polémicas esculturas de fetos de Damien Hirst— para comprobar que tras las perlas, no están esperando a que se termine el gas para invertir en su reconversión como destino turístico. Por si el arte no resulta suficiente, la copa del mundo de fútbol 2022 se jugará aquí por primera vez en invierno y en un país árabe. Estadios firmados por Foster o la desaparecida Zaha Hadid se construyen por todo el país.

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Una imagen aérea del museo. IWAN BAAN




De modo que la ingente rosa del desierto convertida en edificio por Nouvel es una pieza más en este ambicioso rompecabezas. A pesar de estar sostenido por acero con el que se podrían levantar dos torres Eiffel, el Museo Nacional de Catar (NMoQ) tiene el aire ligero de una formación que podría cambiar de aspecto con una brisa. Bajo los voladizos, y a pesar de los 27 grados a la sombra, el arquitecto aparece cubierto por el ala de su sombrero negro y su legendaria chaqueta de piel. Ante una treintena de periodistas internacionales invitados por la Qatar Foundation —incluido este periódico— cada vez que Nouvel alude al desierto, la hermana del emir recuerda que su país es mucho más que desierto: “las excavaciones danesas de 1959 descubrieron una historia que se remonta a 20 millones de años”. Las primeras arquitecturas modernas llegaron con el protectorado británico de los años cincuenta. “La arquitectura es sorprendente, pero —con muros inclinados y suelos en pendiente— incómoda para colgar nada. Por eso las paredes funcionan como dioramas para proyectar nuestra historia” ha dicho Sheika Al Mayassa. Para Nouvel, esas proyecciones representan el movimiento nómada de los beduinos.

“Nadie ha estado en el interior de una rosa del desierto”, resume. Ciertamente el recorrido recurre a la “compresión-expansión” —acoger en espacios pequeños para sorprender con los grandes— que defendía Frank Lloyd Wright, otro arquitecto que supo construir en el desierto. Ese es el gran mérito de Nouvel: en un bosque de rascacielos con muros cortina que ignoran la arena y el calor que los rodea, el francés anticipa y prevé el polvo y la erosión con un edificio capaz de convivir con el sol. Los discos de hormigón reforzado con fibra de vidrio protegen las ventanas con voladizos para mantener alejado el calor.

Cuesta mucho construir un icono. Además de talento para aportar ideas en lugar de repetir fórmulas, es fundamental negociar. La historia de este icono se remonta 18 años, cuando el autor de la torre Agbar de Barcelona propuso un museo subterráneo junto a un lago artificial que recuperase la unión entre mar y desierto. En un tiempo en el que tantas ciudades recurren a terrenos ganados al mar para crecer, él quiso devolver al mar la orilla que le quitó el paseo marítimo, la Corniche. Quiso esconder el museo siguiendo la tradición beduina de protegerse del calor bajo tierra. Aquella propuesta no prosperó. “Comprendí que un museo nacional debe ser visible”, admite . Él encontró en el desierto la manera de hacerlo hablar. Autor del Louvre de Abu Dhabi (2017) y de la Torre Doha (2011) —singularmente cubierta por una celosía—, no por casualidad Nouvel saltó a la fama en 1989, cuando culminó en París el Instituto del Mundo Árabe.

Así, con la geometría matemática de una rosa del desierto, este nuevo museo catarí es uno de los embalajes arquitectónicos más extraordinarios levantados en los últimos años —en parte por empresas y mano de obra españolas: la constructora Empty y Acciona— . El edificio lo tiene todo: identidad, relación con el lugar, referencia a un símbolo del desierto y tecnología punta para lograr la unión dinámica y precisa de los 539 discos de hormigón —de entre 14 y 87 metros de diámetro— que, como un castillo de naipes, levantan este paradójico museo con ambición mundana y contenido local.

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Una imagen del nuevo museo nacional de Catar. IWAN BAAN



https://elpais.com/cultura/2019/03/27/actualidad/1553678389_726333.html