Pintura - Museos - Exposiciones

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Apertura Madrid Gallery Weekend 2018. El arte como un derecho ciudadano

GALERIA: https://www.gentleman.elconfidencia...pertura-madrid-gallery-weekend-2018_1614272#0


14.09.2018
Arte_Madrid, fundada en el año 2000, es la Asociación de Galerías de Arte de la capital, el nexo de unión de 50 galerías de arte moderno y contemporáneo pero además, desde hace nueve años, organizan el Apertura Madrid Gallery Weekend.

Para esta novena edición se esperan cuatro días de intensidad –13-16 al septiembre–, en los que galeristas, artistas, coleccionistas, periodistas, comisarios nacionales e internacionales, amantes del arte y público en general tendrán la oportunidad de disfrutar, de forma totalmente gratuita, un programa de visitas a las 50 galerías madrileñas donde expondrán más de 70 artistas.

"En nuestras galerías defendemos nuestra profesión y la del artista como parte de la construcción del patrimonio del mañana, un valor añadido para nuestra sociedad y nuestra historia. Asimismo, consideramos que el acceso al arte es un derecho ciudadano irrenunciable y las galerías, como empresas privadas, lo hacen accesible a todos de forma gratuita", declara Sabrina Amrani, presidenta de Arte_Madrid. Así celebra el Apertura Madrid Gallery Weekend su evento.

 

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¿Quiere pagar un cuadro para que cuelgue en el Museo del Prado? Pinche aquí
La pinacoteca madrileña lanza su primera campaña de micromecenazgo para adquirir la obra 'Retrato de niña' de Vouet por 200.000 euros

'Retrato de niña', de Vouet
CULTURA
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MUSEO DEL PRADO

18/09/2018
Usted paga, ellos se lo agradecen y se lo quedan. El Museo del Pradoha lanzado la primera campaña de micromecenazgo, con motivo de la celebración de su Bicentenario, para que "toda la ciudadanía" pueda participar de la adquisición de 'Retrato de niña', de Simon Vouet, con aportaciones de a partir de cinco euros, hasta llegar a los 200.000 euros que cuesta la pieza. Así lo ha hecho saber el director del museo, Miguel Falomir, en rueda de prensa con motivo de la presentación de la iniciativa, este lunes 17 de septiembre en Madrid. "Queremos abrir cada vez más la base de donantes del museo", ha aseverado para añadir que "siguen reclamando una ley de micromecenazgo". Además ha asegurado que si la iniciativa tiene éxito, "habrá mas cuadros".

Las donaciones se podrán hacer de manera presencial, a través de una hucha situada junto a la obra (expuesta en el espacio adyacente a la Sala de las Musas) y que ha sido estrenada por el propio Falomir, o a través de la página web, mediante pago con tarjeta. Los donantes podrán beneficiarse de las deducciones fiscales en este caso, (una deducción de hasta el 80% en la cuota íntegra del IRPF en donaciones iguales o inferiores a 150 euros, y del 35% a partir de dicha cantidad).

"Es la manera de hacer que el Museo del Prado sea de todos, no hace falta ser millonario", ha señalado. En cualquier caso, ha precisado que no es la primera vez que el Museo "hace partícipe a la ciudadanía" puesto que hace 100 años la institución ya puso en marcha una iniciativa conocida como "suscripción popular" que "enriqueció muchas obras", aunque ha destacado que "se tienen que actualizar a la realidad de cada momento". Además, ha explicado que "todo aquel que participe y lo desee verá su nombre reconocido" en un listado donde aparecerán los nombres de donantes en la página web de la institución. El plazo para la adquisición de la obra estará abierto hasta finales de año.

Colas en el Museo del Prado. (EFE)


En cuanto a 'Retrato de niña' (1620-1622), se trata de un cuadro, en buen estado de conservación, que posee "un gran interés" por su "sobresaliente calidad" y por la actitud sonriente y desenfadada de la niña, alejada de la seriedad habitual en los retratos de la época, según ha explicado el director de conservación del Museo, Andrés Úbeda. En este sentido, ha destacado que Vouet es, junto a Claudio de Lorena y Nicolas Poussin, el más importante de todos los artistas franceses activos en Roma durante las primeras décadas del siglo XVII.

Además, ha subrayado que es una obra que "alberga muchos misterios", primero porque es inédita, y también porque sus propietarios, residentes en España, desconocen su procedencia. "Es un cuadro extraño porque los retratos de esa época son más aburridos, de personajes generalmente masculinos y más mayores que ostentan altos cargos", ha añadido.

Otra de las características en las que ha hecho hincapié es la vinculación de esta pieza con otro cuadro de Vouet que forma parte de la pinacoteca, 'El tiempo vencido por el amor, la belleza y la esperanza', en el que también aparece "la niña de la Paloma" que es "una representación alegórica de la belleza". "El Museo empezó como la Colección Real que abría sus puertas a los españoles, pero en 200 años ha adquirido una personalidad propia, y muestra de ello es la adquisición de estos dos cuadros", ha concluido.

https://www.elconfidencial.com/cult...l-prado-micromecenazgo-200-000-euros_1616964/

 

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París se tiñe del azul y rosa de Picasso
El Museo de Orsay reivindica la obra más temprana del pintor en la mayor antológica de los últimos 20 años sobre la etapa previa al cubismo


ÁLEX VICENTE
París 18 SEP 2018

'Mujer con peine' (1906) de Pablo Picasso. EL PAÍS

Al principio de la muestra, Picasso tiene 19 años. El joven prodigio de la pintura acaba de desembarcar en París para participar en la Exposición Universal de 1900, habiendo sido escogido como representante del arte español. Supondrá su primera toma de contacto con la efervescencia de las vanguardias en la capital francesa y un preludio a los seis años que pasará viajando sin cesar entre París y Barcelona, forjándose una identidad como artista a la que se mantendrá fiel hasta el final de su vida. Es lo que defiende Picasso, azul y rosa, la gran exposición de cerca de 300 obras que el Museo de Orsay inaugura en París. Hasta el 6 de enero, la muestra propone una relectura y una rehabilitación de su etapa anterior al cubismo, siempre considerada la más accesible y consensual, aunque Picasso ya renegase entonces del academicismo con todas sus fuerzas y demostrase una voluntad feroz de inscribirse en la modernidad.

Picasso (Málaga, 1881- Mougins, 1973) vuelve al lugar donde llegó. El museo parisino, que fue estación de tren mucho antes que pinacoteca, fue el sitio donde el pintor se apeó de su vagón al llegar a la capital francesa. “Por esa razón anecdótica, resultaba el lugar perfecto para organizar la exposición”, señala el comisario general de la muestra, Laurent Le Bon, director del Museo Picasso de París, que firma su primera colaboración de envergadura con el de Orsay. Está claro que no es la única: que el lugar esté especializado en exponer el arte situado entre 1848 y 1914 refuerza todavía más su idoneidad. “Durante los periodos azul y rosa, Picasso logra pasar del siglo XIX al siglo XX”, explica Le Bon. El malagueño es el eslabón perdido en esa cadena evolutiva. La exposición lo demuestra en una de las primeras salas gracias a una hábil decisión escenográfica. De cara, el visitante se enfrenta a Mujer en azul(1901), retrato prestado por el Reina Sofía que inmortaliza a una dama de vestimenta ampulosa. A sus espaldas, una pared perforada permite percibir, algunas salas más allá, La vida (1903), óleo metafísico en el que Picasso condensa las edades de la existencia y resume su investigación plástica de todo el periodo azul. “El primero es, en cierta manera, un cuadro decimonónico. El segundo es moderno en su tratamiento de la figura humana y en su carga alegórica”, analiza Le Bon.

Acróbata y joven Arlequín' (1905) de Pablo Picasso. EL PAÍS


La exposición parisina es la mayor dedicada al periodo precubista desde 1997, cuando se celebró otra de tamaño y préstamos similares en la National Gallery de Washington. Esta vez, la cuestión cromática ocupa un lugar central. En la primera página del catálogo, aparecen muestras de todos los azules y rosas que Picasso utilizó durante ese lustro, una paleta poco habitual en los cuadros postimpresionistas de autores como Van Gogh y Toulouse-Lautrec, que tanto impactaron al joven pintor. “Fue al pensar que Carlos Casagemas estaba muerto cuando me puse a pintar de azul”, confesaría Picasso al historiador Pierre Daix, en alusión al su***dio de su gran amigo. Por otra parte, el rosa irrumpió en sus lienzos cuando el pintor descubrió a una troupecircense al pie de la colina de Montmartre

Sin embargo, en los pasillos de esta muestra, la tradicional asociación del azul con la melancolía y del rosa con la pulsión de vida no resulta especialmente evidente. Existen en sus lienzos añiles vivaces y también lavandas funestos. “A veces hay azul en el rosa y rosa en el azul. En realidad, pese a la versión que se ha dado, no son etapas uniformes”, confirma Le Bon. No debe de ser casualidad que, en la primera retrospectiva protagonizada por Picasso, celebrada en la galería Georges Petit en 1932, el artista colgase cuadros de ambos periodos en una misma pared. “Entendió que su obra era un todo, pese a que los demás quisieran clasificarla en categorías distintas”, apunta el comisario. La exposición recrea, desde su segunda sala, ese desorden conceptual, mezclando los autorretratos que firmó en 1901 y en 1906, y arrimando El abrazo, pastel del periodo azul, a Los adolescentes, perteneciente al rosa. El resto de la muestra se inscribe, en cambio, en una cronología tal vez demasiado obediente.

'Mujer con el cuervo' (1904) de Pablo Picasso.EL PAÍs


La muestra se cierra con el abandono gradual del rosa, tras dos años experimentando con él, y la transición al color ocre durante su estancia en Gósol, la localidad ilerdense en la que Picasso volvería a alterar su estilo y su paleta. El pintor decidió experimentar con volúmenes poliédricos, similares a los que Cézanne utilizaba para pintar sus paisajes. Sin embargo, el malagueño los aplicó al rostro humano, influido por el descubrimiento de la escultura romana y del arte íbero en una exposición en el Louvre. A lo largo del año 1906, lienzos como Los dos hermanos y Muchacho con caballoabrirán paso a retratos femeninos como El peinado o Dos desnudos. Unos meses después, ya en 1907, Picasso firmará Las señoritas de Avignon y empezará así la aventura del cubismo. “En ese corto periodo de seis años, Picasso descubre lo que será su característica principal como pintor: una reinvención permanente”, concluye Le Bon. Al final de la exposición, Picasso tiene 25 años. La pintura ha cambiado con él. Su arte nunca dejará de hacerlo.


PRÉSTAMOS DE EXCEPCIÓN


La vida (1903), obra maestra del joven Picasso, es uno de los grandes préstamos obtenidos por esta exposición, a la que llega desde la colección permanente del Museo de Arte de Cleveland. Hay unos 40 más, algunos tan importantes como La acróbata de la bola (1905), procedente del Pushkin de Moscú, que lo ha cedido en contadas ocasiones –se pudo ver en el Prado en 2011–, o Joven con una cesta de flores (1905), prestado por la colección Rockefeller. La Tate Modern ha prestado Mujer con camisa (1905) y la National Gallery de Washington ha mandado Mujer con abanico (1905), aunque no La familia de los saltimbanquis, que no es prestable por decisión del coleccionista que la cedió a ese museo. Tampoco está El viejo guitarrista ciego, expuesto en Chicago y demasiado frágil para cruzar el océano. Entre los principales prestatarios de la muestra también se encuentra el Museu Picasso de Barcelona. A través de un acuerdo firmado con el de Orsay para el intercambio de obras, ha mandado a París distintos paisajes de los tejados barceloneses o el retrato picassiano de Benedetta Bianco, además de los dibujos en que retrató a algunos de sus contemporáneos, como Casas o Rusiñol.


https://elpais.com/cultura/2018/09/17/actualidad/1537209267_138814.html

 

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Hallada la causa de la muerte de Caravaggio cuatro siglos después
El pintor italiano murió por una infección de estafilococo, según el estudio de un centro de investigación francés

Retrato de Caravaggio dibujado por Ottavio Leoni.

EFE
Madrid 19 SEP 2018



Caravaggio, el pintor italiano que pasó a la historia como el genio que revolucionó el arte del siglo XVII con su técnica del tenebrismo, falleció en 1610 por una infección causada por un estafilococo dorado, según ha revelado este martes un centro de investigación francés. El Instituto IHU Méditerranée Infection de Marsella, en el sur de Francia, llegó a esa conclusión tras analizar la pulpa de sus dientes, rica en vasos sanguíneos.

"El asesino ha sido identificado: un estafilococo dorado", ha indicado el IHU en un comunicado recogido por el diario local La Provence, que precisa que el instituto colaboró con antropólogos italianos y con el microbiólogo Giuseppe Cornaglia. El hallazgo se publicará completo este otoño en la revista Lancet Infectious Diseases, pero el avance difundido este martes apunta a que el genio milanés contrajo esa infección tras una herida provocada por una pelea, un dato que arrojaría información concreta sobre su fallecimiento, envuelto hasta ahora en especulaciones.

En 2010 se hallaron unos huesos en el antiguo cementerio de San Sebastián, en la localidad toscana de Porto Ercole, que podían corresponder al artista con un 85% de fiabilidad, según los expertos que analizaron los restos. Entonces apuntaron a que la causa de la muerte era una neurosífilis.

Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), más conocido como Caravaggio, fue un hombre difícil y temperamental, que se caracterizó por el uso melodramático de fuertes contrastes de luz y sombra. El pintor pasó los últimos cuatro años de su vida por Nápoles, Malta y Sicilia, después de haber tenido que huir de Roma bajo la amenaza de ser apresado y condenado a la pena capital por asesinato. El autor de La flagelación de Cristo o de La vocación de San Mateohabía asesinado en la capital italiana el 28 de mayo de 1606 al proxeneta y mercenario Ranuccio Tomassoni, con quien se batió en duelo tras una discusión por un partido de pallacorda, una especie de tenis de la época.

https://elpais.com/cultura/2018/09/19/actualidad/1537356575_463991.html

 

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El artista que ‘inunda’ las ciudades para hablarte del cambio climático
Desde la posibilidad de reciclar basura espacial hasta alumbrados vivos: recorre la obra de Daan Roosegaarde, el diseñador que mezcla arte, sostenibilidad y arquitectura


JAIME RIPA
20 SEP 2018

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• Desde hace años, el diseñador holandés Dan Roosegaarde (1979) dirige un equipo con una misión: reventar la concepción clásica de las ciudades, esa que no se sostendrá en el tiempo, mediante intervenciones que mezclan arte, arquitectura y mucha imaginación. ¿Cómo? Con kilométricos haces de luces que revelan la cantidad de basura espacial que orbita sobre nuestras cabezas. O con inundaciones virtuales que nos trasladan a un apocalipsis climático. O con máquinas que se comen la niebla tóxica de las metrópolis (en la foto, una bolsa de esa suciedad filtrada). Con ellas, su equipo trata de visibilizar males ambientales urbanos y hallar soluciones inspiradas en la naturaleza. "Son prototipos para los paisajes de mañana en los que la belleza no sea tener un Louis Vuitton o un Ferrari, sino energía, aire y agua limpia", afirma Roosegaarde, nombrado Young Global Leader por el Foro Económico Mundial y seleccionado por Wired y Forbes como agente de cambio creativo. Aquí, un paseo por los proyectos del holandés, expuestos en los principales museos del mundo.
  
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  • ¿Una segunda vida para la basura espacial? Unos 29.000 objetos de más de 10 centímetros de tamaño orbitan alrededor de la Tierra, según la Agencia Espacial Europea (ESA, en sus siglas en inglés). Unos objetos que, al alcanzar velocidades cercanas a los 25.000 kilómetros por hora, pueden destrozar un satélite si sus trayectorias se cruzan. "Es una locura cómo seguimos contaminando dentro y fuera del planeta", sostiene el diseñador. "La basura espacial es el smog del universo y hay que pensar en cómo lidiar con ella". Con esa intención, su equipo, que cuenta con la propia ESA como socio científico, ha puesto en marcha Space Waste Lab, un proyecto que consta de dos fases y que quiere atacar y dar respuestas al fenómeno.STUDIOROOSEGAARDE
    
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    • "La primera fase está pensada como una llamada de atención sobre esta clase de basura", desarrolla Roosegaarde, "una amenaza real para las comunicaciones por satélite". Para visualizarla, la ciudad holandesa de Almere alojará, a partir de octubre, una instalación de rayos de luz con un alcance de entre 200 y 20.000 kilómetros que marcarán en el cielo esta chatarra galáctica. Los resultados de estos avistamientos se estudiarán en talleres dirigidos por expertos y abiertos al público durante tres meses. Después, la segunda fase del proyecto, pensada a varios años vista, profundizará en cómo capturar estos fragmentos y en qué materiales útiles se pueden transformar. Ya especulan con unos cuantos: "Podrían convertirse en estrellas fugaces sintéticas que sustituyeran a los muy contaminantes fuegos artificiales o en elementos para imprimir viviendas 3D en otros planetas", señala.STUDIOROOSEGAARDE
      
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      • La torre que se 'come' la polución... En Pekín (China) hay una torre de siete metros que, alimentada por energía verde, elimina mediante un sistema de iones 30.000 metros cúbicos por hora de la mugre que cubre la ciudad. En concreto, se zampa un 50% de PM2.5 y un 70% de PM10, dos de las partículas en suspensión que contribuyen a la boina tóxica de muchas urbes. "Hemos construido en Polonia, Holanda y en China hay varios centenares en producción", explica Roosegaarde. "Con el material extraido hacemos anillos que vendemos en museos y en centros de exposición y cuya compra supone donar 1.000 metros cúbicos de aire limpio a las ciudades". Hoy, la torre la última réplica acaba de ser estrenada en la ciudad holandesa de Rotterdam.
        
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        • ...y la bicicleta que la imita "Ahora tenemos máquinas que nos dañan. Vamos a construir máquinas que nos curen, que nos ayuden", argumenta el holandés. Una de ellas es una bicicleta purificadora de aire que ya rueda por las calles de Pekín. "Está inspirada en la manta, un pez que filtra el agua para extraer comida", explica el diseñador. La bici, en este caso, inhala el smog de la ciudad y suelta aire limpio directamente hacia la cara del ciclista. El proyecto, desarrollado en colaboración con Ofo, el principal servicio público de alquiler de bicicletas de China, está en vías de llegar a acuerdos de fabricación en serie.
          
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          • El calentamiento (virtual) del mar La mitad de las especies de plantas y animales de las áreas naturales más ricas del mundo podrían desaparecer de aquí a final de siglo si no cesa el calentamiento global, advierte WWF. Sobre este desastre habla Waterlicht, una instalación itinerante (los madrileños pudieron verla en el Retiro el pasado octubre) que simula el desbordamiento de las aguas. "Aquí en Holanda, sin tecnología y diseño, literalmente estaríamos ahogados", dice Roosegaarde, que se pregunta: "¿Deberíamos hacer ciudades flotantes? ¿Generar energía del cambio de las mareas?". La obra, que se podrá ver en Toronto en unos días, utiliza un programa que controla varias luces LED y distintos tipos de lentes para dibujar un paisaje acuático que, además, varía si llueve o cambia el viento.STUDIOROOSEGAARDE
            
            
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• Daft Punk y energía limpia en un dique de 1932 El Afsluitdijk, un impresionante dique diseñado por el abuelo del renombrado arquitecto Rem Koolhaas, protege desde 1932 el territorio holandés. Desde hace un año, atravesar sus 32 kilómetros es una experiencia de ciencia ficción: sus 60 compuertas se iluminan y marcan su contorno cuando les da la luz de los coches. "Es una mezcla entre Daft Punk, Blade Runner y las cosas que veíamos de pequeños y nos influían”, evoca Roosegaarde, que señala que la ilusión funciona sin electricidad: lo posibilita una capa de pintura especial y pequeños prismas que reflejan el haz de los faros.STUDIOROOSEGAARDE
  
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  • Un suelo vivo y luminiscente "Es, básicamente, una colonia de algas milenarias cultivada y entrenada para que emitan la mayor cantidad de luz posible". Así define Roosegaarde Glowing Nature, una sugestiva obra alojada también en las entrañas del dique Afsluitdijk. En ella, el visitante puede caminar sobre un suelo vivo y ver cómo estos microorganismos bioluminiscentes "se contraen, brillan, interactúan: abre la posibilidad de alumbrar las ciudades de maneras diferentes", afirma el artista. "Es un intento de traer de vuelta la naturaleza a nuestra día a día para reflexionar sobre su poder y aprender de ella".STUDIOROOSEGAARDE
    
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    • Cometas que abastecen a 200 hogares En el dique Afsluitdijk vive otro inquilino fantástico. Son unas cometas verdes de apariencia láser que flotan entre el viento marino. "Sus oscilaciones se transforman en electricidad a la manera de la dinamo de una bicicleta", detalla Roosegaarde, que indica que la obra es un homenaje al considerado primer astronauta holandés, Wubbo Ockels. Las cometas, hoy de gira por varios museos del mundo, pueden abastecer energéticamente 200 hogares y conforman, junto a las puertas de luz y las algas bioluminiscentes, una trilogía: "Es lo más parecido un modelo aspiracional de paisaje verde", compara el creador.STUDIOROOSEGAARDE
      
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      • Rodando por La noche estrellada de Van Gogh En la pequeña ciudad de Nuenen (Holanda) hay un carril bici cuyo pavimento, de noche, brilla. Y esboza un mosaico que recuerda misteriosamente a La noche estrellada de Van Gogh. ”Está construido con piedras de un material que se carga con la energía del sol", explica Roosegaarde. "¿Te acuerdas de las estrellas que colgaban en tu cuarto y brillaban cuando eras pequeño? Esto se basa en el mismo principio". Inspirándose en ese recuerdo infantil y en ese compuesto fosforescente, su estudio también ha investigado sistemas de iluminación inteligente y sostenible para las carreteras en los que ya se han interesado, entre otros, el comité organizador de los Juegos Olímpicos de Tokio en 2020.
        
        
        https://elpais.com/elpais/2018/09/18/album/1537280180_774389.html#foto_gal_10

 

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El Prado se desnuda para 12 fotógrafos contemporáneos
Una muestra celebra la fascinación icónica por el museo

ÁNGELES GARCÍA
Madrid 20 SEP 2018

Una fotografía de Alberto García-Alix expuesta en el Prado. FUNDACIÓN AMIGOS DEL MUSEO DEL PRADO



Doce fotógrafos contemporáneos de diferentes generaciones andan sueltos por el Prado. Como parte de un proyecto que vio la luz ayer, el museo ha permitido, en un insólito gesto, que una docena de ellos campen a sus anchas por las salas para que plasmen en imágenes las emociones que surgen tras una visita a Velázquez, el Greco o Rubens. Y lo de las emociones no es, por esta vez, una forma de hablar. Muchos de los invitados a esta fiesta fotográfica, retratistas curtidos, hablaban ayer sin rubor aparente de “nudos en la garganta” y de “piel de gallina”.

La alineación la formaban José Manuel Ballester, Bleda y Rosa, Javier Campano, Joan Fontcuberta, Alberto García-Alix, Pierre Gonnord, Chema Madoz, Cristina de Middel, Isabel Muñoz, Aitor Ortiz, Pilar Pequeño y Javier Vallhonrat. Su obra, dos por artista, conforma la exposición Doce fotógrafos en el Museo del Prado, que hasta el 13 de enero de 2019 se puede ver en la galería baja norte del edificio Villanueva. Patrocinada por Japan Tobacco International (JTI), ha sido organizada por la Fundación Amigos del Prado.

El catedrático Francisco Calvo Serraller, comisario de la muestra y colaborador de EL PAÍS, cuenta que desde hace muchos años viene repitiendo en sus clases que a quien solo le interesa el arte contemporáneo, o exclusivamente el arte antiguo, no le gusta el arte. Con el mismo convencimiento afirma que nadie puede cuestionar que la fotografía ocupe un lugar respecto a las formas de creación tradicionales. Es más, define a los fotógrafos como escultores del tiempo capaces de trocear y moldear un fragmento temporal único y congelado y, por ello, los más capacitados para capturar el aura del museo.

En la sala de la exposición, los artistas se encontraban por primera vez frente a frente con sus obras colgadas. No conocían las piezas realizadas por sus colegas y la contemplación del conjunto les despertaba todo tipo de emociones. Isabel Muñoz, con dos piezas en las que se ve a danzantes dentro del agua, cuenta que se inspiró en las imágenes barrocas de santos ascendiendo a los cielos. “Ha sido entrar en la sala y ponérseme la piel de gallina. Entrar en el Prado es lo más importante que le puede pasar a un artista. Es un reconocimiento que hace que me sienta muy feliz”.

A solas por las salas
De intensas emociones y nudos en la garganta también habló Alberto García-Alix. Con su voz rota, recordó las tres noches durante las que recorrió él solo las salas del museo. “Primero me dirigí hacia cuadros que había visto siempre y que estaban en mi cabeza como parte del trabajo que iba a hacer: pinturas de Velázquez, Goya, Sofonisba Anguissola. Pero, no sé cómo, me vi ante El descendimiento de la cruz, de Rogier van der Weyden, y supe que ahí iba a poner mi objetivo”.

José Manuel Ballester lo tuvo bastante claro desde el primer momento. Una de sus obras, dedicada al futuro, es una vista interior del Salón de Reinos. La otra es el espacio dedicado a Velázquez. “El Prado para mí lo ha sido todo”, cuenta. “Lo he disfrutado una y otra vez y aquí he aprendido todo lo que sé, todo aquello que no supieron enseñarme en escuelas y academias”.

Pierre Gonnord, fiel a su trayectoria con los personajes, expone un primer plano de una corneja disecada del Museo de Ciencias Naturales y el de un joven austriaco, una reflexión sobre lo que queda de una presencia viva después de haber sido fotografiada.

Miguel Falomir, director del museo, definió esta exposición como “modélica” respecto a lo que debe de ser el Prado en relación con el arte contemporáneo: mostrar cómo las colecciones han influido en los artistas, y nada mejor que hacerlo con la fotografía.

https://elpais.com/cultura/2018/09/20/actualidad/1537471451_211550.html

 

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Un artista urbano utiliza la perspectiva para hacer grafitis en 3D
EC

VIDEO : https://www.elconfidencial.com/multimedia/video/cultura/2018-09-21/arte-urbano-grafitis-3d_1618871/

21/09/2018
Los grafitis de Sergio Odeith son más que simples pinturas. Este artista urbano portugués engaña a la vista con sus obras en tres dimensiones. Para ello, se ayuda de paredes, esquinas y suelos. Odeith lleva desde los 15 años pintando, y el 3D se ha convertido en su seña de identidad dentro de la comunidad de arte urbano internacional.

 

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RETRATOS FRAGMENTADOS EN LOS COLLAGES DE SUSANA BLASCO

• 22 Septiembre 2018
  

Los collages tienen infinitas posibilidades, todas esas que se puedan dar en nuestra imaginación y nuestra mente pueden ser plasmadas en forma de composición; todos nuestros pensamientos y nuestros mundos fragmentados son una infinidad de combinaciones artísticas.

Susana Blasco tiene entre sus múltiples facetas, la de creadora de collages y, para ello, usa fotografías antiguas, un cuchillo cortador y pegamento para crear composiciones interesantes e ilusiones ópticas que se alargan en trozos que forman retratos en los que conviven lo retro y lo vanguardista.

Como ella misma se define, dice ser diseñadora gráfica, ilustradora, collagista, afiladora de cuchillas, zaragozana, londinense, bilbaína y cualquier cosa que le apetezca; amante de piedras, papeles y tijeras, colecciona fuegos lentos, le gusta el juego y el vino y tiene alma de marinero.

Sus collages vintage se alargan hasta donde ella quiere, y aunque dan la sensación de infinitud forman varios todos de desasosegantes acabados en los que mezcla espacios vacíos o combina diferente rasgos en un mismo rostro.

Pulió su ingenio y creatividad combinando sus estudios de Publicidad y Empresariales con cursos de arte y diseño.

Después de trabajar en distintos estudios y agencias de publicidad de Zaragoza como diseñadora gráfica y directora de arte, en 2007 constituyó su propio estudio gráfico y recibe una beca DPZ para ampliar sus estudios artísticos en el extranjero por lo que, en 2008 traslada su residencia a Londres donde alterna el trabajo como freelance con los estudios de varios cursos monográficos en la prestigiosa Central Saint Martins College of Art and Design.

Aunque realiza muchos trabajos por encargo, cuando da rienda suelta a su creatividad, tira de sus dos pasiones, cortar y la exploración de la memoria, el tiempo, el pasado, los recuerdos, el olvido y la mujer.

Usa fotografías antiguas que rescata de mercadillos, pequeños objetos encontrados y naturaleza muerta que manejan una gama cromática específica alrededor del blanco y el negro, los grises y el sepia.

SIGUE: http://culturainquieta.com/es/foto/...entados-en-los-collages-de-susana-blasco.html

 

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Más de 100 obras para viajar al México ilustrado

GALERIA :https://www.elconfidencial.com/mult...ilustraciones-infantiles-exposicion_1620658#0

26/09/2018

La ilustración mexicana contemporánea para niños llega al Museo ABC con los trabajos más representativos de las últimas décadas. Casi cincuenta artistas nacidos entre los años 40 y 80 muestran sus obras para ver cómo esta disciplina ha evolucionado en el último medio siglo y en qué medida ha crecido la pluralidad, la calidad y la originalidad.

Entre las propuestas, conviven formatos como el cartel, el diseño, el grafiti, los juguetes, el arte callejero, el cine, la animación o la novela gráfica. El ilustrador Mauricio Gómez Morín es el comisario de la muestra y ha seleccionado los trabajos -142 en total- basándose en criterios propios de "calidad técnica, estética, formal y conceptual".

La exposición 'Pintacuentos. Ilustración mexicana contemporánea para niños' podrá verse desde el 25 de septiembre hasta el 6 de enero en la sala Cubo del Museo ABC.

 

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GUSTAVE COURBET
La bailarina que inspiró el escandaloso cuadro ‘El origen del mundo’
Un historiador francés revela la identidad de la modelo que posó para Gustave Courbet


ÁLEX VICENTE
París 27 SEP 2018

Constance Quéniaux, en una imagen tomada por Félix Nadar, pionero de la fotografía.


La misteriosa identidad de la mujer que inspiró el lienzo El origen del mundo, del pintor francés Gustave Courbet (1819-1877), acaba de quedar al descubierto un siglo y medio después de que el cuadro provocara un inmenso escándalo en el París decimonónico. El reputado historiador Claude Schopp, biógrafo de Alejandro Dumas, acaba de descubrir quién fue la modelo que prestó su anatomía al artista, según revela en un nuevo libro, L’origine du monde, vie du modèle (Phébus), que llegará la semana que viene a las librerías francesas.

Su nombre fue Constance Quéniaux, una bailarina de la Ópera de París, donde encadenó pequeños papeles antes de convertirse en una cortesana solicitada por algunos de los hombres más poderosos de la capital francesa. El autor halló una alusión directa a esa mujer en una carta que Dumas mandó en 1871 a la escritora George Sand, figura materna con la que mantuvo una estrecha amistad. En ella, el autor deja entender que la modelo fue meretriz ocasional. “Como todas las bailarinas, necesitó a protectores que completaran sus ingresos, ya que su sueldo era miserable. En aquella época, la danza solía ser una pendiente resbaladiza hacia la prostit*ción”, señaló ayer Schopp durante una entrevista en París. Su suposición es que Dumas descubrió la identidad de la modelo a través del diplomático otomano Khalil Bey, uno de los hombres que requirieron sus servicios. Propietario de una gran colección de arte, fue él quien encargó el cuadro a Courbet, para quien Quéniaux habría posado a los 34 años.

Zola, cronista de las desdichas de la clase obrera en los albores de la Revolución Industrial, sino más bien uno de Proust. “De hecho, vivió en Cabourg, en la costa normanda, durante la misma época que el escritor. Su domicilio estaba lleno de muebles del siglo XVIII, como demuestra un inventario realizado cuando falleció, que da fe de su gusto refinado y de su voluntad de formar parte de la aristocracia”, sostiene Schopp. El historiador también sugiere que Constance pudo ser lesbiana. “Dumas dijo que era una de esas mujeres que prescinden de los hombres. Está claro que prefería la compañía femenina, aunque no puedo certificar que pasase al acto”, sonríe.

Por azares del calendario, la Biblioteca Nacional de Francia inaugurará el 16 de octubre una exposición donde figura un retrato de la misteriosa modelo, realizado por un pionero de la fotografía como Félix Nadar. “Tenemos la certeza al 99% de que fue la modelo de Courbet”, asegura la directora de su departamento de estampas y fotografías, Sylvie Aubenas, que participó en el descubrimiento al comparar la referencia encontrada por Schopp con el manuscrito original de la misiva, conservado en la biblioteca parisina. Este descubrimiento permite descartar los nombres de otras sospechosas de haber posado para Courbet, como la modelo irlandesa Joanna Hiffernan, cuya tez pálida y cabello pelirrojo no corresponde con la pilosidad presente en el cuadro, o la condesa Jeanne de Tourbey, cuya posición social dificulta que se dedicara a estas labores.

Recurrir a prost*tutas como modelos fue habitual durante la segunda mitad del siglo XIX, cuando pintores como Manet, Degas, Van Gogh o Toulouse Lautrec se sirvieron de ellas para sus lienzos. En su tiempo, el primero suscitó una gran polémica con su Olympia, un gigantesco formato, digno del que se utilizaba para la pintura histórica, pero que protagonizaba una cortesana. Pero ninguno de esos pintores ha podido igualar los escándalos que ha inspirado el cuadro de Courbet, protagonista de innumerables controversias. La más reciente es la que provocó Facebook al censurarla en 2011, un caso que llegó hasta los tribunales franceses. El origen del mundo forma parte de las colecciones francesas desde 1995 y se expone en el Museo de Orsay como máximo ejemplo del realismo pictórico del siglo XIX. A partir de ahora, el visitante podrá poner nombre a su protagonista. “Al contar su vida, he tenido la sensación de transformarla en sujeto. Es como si se hubiera tomado su venganza”, remata Schopp.

https://elpais.com/cultura/2018/09/26/actualidad/1537987216_179635.html

 

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Diseño y emoción en el modernismo de Pedro Miralles

GALERIA : https://www.elconfidencial.com/mult...lles-exposicion-modernismo-valencia_1618134#0

20/09/2018
"Fue un diseñador industrial auténtico, transgresor y con identidad propia, que supo vivir con plenitud la movida madrileña sin que repercutiese en la calidad estética de su obra", describe Mª Pilar Mellado, ingeniera técnica en Diseño Industrial y autora del libro biográfico 'Pedro Miralles. Diseño y Emoción. Legado de una década (1983-1993)' (Experimenta Editorial).

La Semana del Diseño de Valencia presenta ahora 'El legado de Pedro Miralles 1983-1993', una exposición a través de un recorrido por los proyectos más representativos del diseñador valenciano en el 25 anivesario de su fallecimiento, con láminas de dibujo, bocetos, maquetas o fotografías.

El diseñador valenciano dejó unas obras definidas por su formación como arquitecto y su fascinación por la diversidad simbólica de las culturas antiguas, la música y las artes. La muestra permanecerá abierta hasta el 20 de octubre en el centro de innovación Las Naves de Valencia.