Directores de cine favoritos

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Hola,

Me pregunto cuales son vuestros directores de cine favoritos, de cualquier época o país.

En mi caso, adoro a Joseph L. Mankiewicz, autor de "Carta a tres esposas", "Eva al desnudo", "Odio entre hermanos (House of Strangers, impresionante), "Julio Cesar", entre otras joyas.

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(1909 - 1993)
Estuvo en activo entre 1929 y 1972. Se dice que era el director - y guionista - que amaba las palabras, porque sus historias se basaban en unos diálogos espectaculares, asombrosos en su carga de irónica profundidad.

Joseph Leo Mankiewicz nació en 1909 en Pennsylvania y tuvo una esmerada y completa educación. Estudió Psiquiatría e Historia del Arte, pero lo que de verdad le apasionaba era el teatro. Fue su hermano Hermann, que estaba trabajando como guionista en Hollywood, quien le introdujo en la industria del cine. Empezó su carrera como rotulista para películas mudas. De ahí ascendió a dialoguista y poco después se convirtió en guionista de grandes directores como Ernst Lubitsch o George Cukor. También hizo labores de productor en clásicos como Historias de Filadelfia o Furia. Pero Mankiewicz quería dirigir, aunque no lo tuvo fácil. “Lo último que quería Louis B. Mayer era que un escritor dirigiera”, decía.

En 1946, con El castillo de Dragonwyck, debutaba como realizador. Un año después dirigió la encantadora, romántica y misteriosa El fantasma y la señora Muir, pero su consagración definitiva le llegó en 1949 con su sexto título, Carta a tres esposas. Ganó los Oscar a la mejor dirección y al mejor guion. Al año siguiente, con Eva al desnudo, una de las grandes obras maestras de la historia del cine, Mankiewicz repetiría doblete: mejor guion y mejor dirección.

Considerado ya como uno de los grandes, continuó su fructífera carrera en las décadas de los años 50, 60 y comienzos de los 70. Realizó dramas como La condesa descalza y De repente, el último verano; musicales como Ellos y ellas; adaptaciones de obras teatrales de clásicos de Shakespeare como Julio César e incluso el western lleno de ironía El día de los tramposos. Trabajó con los más grandes actores de su tiempo: Ava Gardner, Humphrey Bogart, Marlon Brando, Bette Davis, Elizabeth Taylor, Katharine Hepburn o Richard Burton. “El star system nunca fue realmente un sistema. Solo existe realmente un poder que pueda crear una estrella de cine y es el público. Por el contrario, muchos gastaron millones de dólares intentando crear estrellas que nunca lo fueron”, explicó en San Sebastián.

Joseph Mankiewicz rodó películas en las que intentaba descubrir qué había de verdad y qué de mentira en la conducta de los seres humanos. Cuando se hizo cargo del rodaje de Cleopatra, tras el despido de Rouben Mamoulian, quiso dar al filme un tono intimista, centrado en los sentimientos y las emociones de los personajes, algo que chocaba con el tono grandioso y épico que pretendía el productor, Richard Zanuck. Tras casi dos años de quebraderos de cabeza, Mankiewicz acabó la película. El estudio la remontó entera sin su permiso. El director siempre se refirió a ella como “la película de la que nunca hablo”. El resultado fue uno de los grandes fracasos comerciales de la historia del cine.

Mankiewicz salió tan tocado de Cleopatra, que solo dirigiría tres películas más. La última fue La huella en 1972. Era como un resumen de toda su carrera. Solo dos actores, Laurence Olivier y Michael Caine, en un duelo interpretativo magistral. Los dos fueron nominados al Oscar y Mankiewicz también lo fue como director. Hollywood seguía reconociendo al viejo maestro, pero él había tomado ya su decisión. “Yo me retiré por dos razones: el cine ya no me quería y yo tampoco quería ya al cine. Era consciente de que nos estábamos aproximando a lo que hoy es el cine: películas de Stallone o Schwarzenegger, guerras intergalácticas, efectos especiales... Yo no quería ni sabía hacer ese tipo de películas porque todo en ellas son trucos de cámara”, explicaba melancólico en ese ya lejano Festival de San Sebastián de 1992.


Los nuevos directores han cometido un grave error al aprender a hacer cine en escuelas y universidades. Que se cultiven, que lean, que aprendan de Shakespeare, de Molière o de Cervantes, que han sido formidables guionistas.

Joseph Mankiewicz (años 1970)​












https://elpais.com/cultura/2018/03/22/actualidad/1521732905_305003.html


https://www.alohacriticon.com/cine/actores-y-directores/joseph-l-mankiewicz/
 
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Robert Mulligan
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(1925 -2008)​

Robert Mulligan (Nueva York, 23 de agosto de 1925 - Lyme, Connecticut, 20 de diciembre de 2008) fue un director estadounidense de cine y televisión adscrito al movimiento del Nuevo cine estadounidense y más concretamente a la llamada «generación de la televisión», junto con Stanley Kramer y Robert Altman, entre otros.

A Mulligan se debe unas películas que unen la cruda denuncia con la poesia y sensibilidad más exquisitas. Sea a través de los niños de "Matar a un Ruiseñor" y su padre, Atticus Finch, como en el enamorado adolescente que despierta al amor adulto gracias a una bella mujer casada enamorada de su esposo en "Verano del 42", así como las consecuencias inesperadas de un embarazo no deseado en "Amores con un extraño". Sus películas tienen siempre un aire nostálgico, de reconstrucción de un pasado reciente a través del tamiz de la memoria, fundamentalmente de aquellas vivencias que tienen que ver con el punto de vista de la niñez y de la adolescencia, enlazados a su vez indisolublemente con acontecimientos históricos relevantes, como pudieron ser la Gran Depresión en el sur agrícola de los Estados Unidos (To Kill a Mockingbird) o el trauma que supuso la Segunda Guerra Mundial para aquella generación de jóvenes norteamericanos (Summer of '42). De alguna manera se puede decir que sus películas plantean una revisión crítica, aunque no exenta de valores éticos y épicos, de la historia reciente de su país.
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http://www.elcinedeloqueyotediga.ne...igan-maestro-del-romanticismo-cinematografico
https://mubi.com/es/cast/robert-mulligan
 
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John Cassavetes

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https://www.eleditor.net/donde-desc...or-desafiante-pionero-del-cine-independiente/

(1929 -1989)


Maravilloso director independiente y actor destacado también.

La feroz independencia de John Cassavetes
John Cassavetes murió de cirrosis el 3 de febrero de 1989. Tenía 59 años y, fuera de Europa y de los círculos de los jóvenes cineastas estadounidenses (donde era, sencillamente, Dios), el director de Shadows era casi un desconocido. Una exhaustiva biografía, Cassavetes por Cassavetes, editada en España por Anagrama, reúne ahora (y en más de 600 páginas) muchas de sus teorías y pensamientos. El libro, escrito por Ray Carney, recopila textos, entrevistas y declaraciones. "Como artista que soy", dijo Cassavetes, "y por encima de todo, me atrevo a fracasar".

John Cassavetes empezó a destacar como actor en la televisión de los años 50 del siglo XX. La serie “John Staccato” le reportó la fama y el dinero suficientes para dedicarse a lo que de verdad quería: dirigir una película. En 1959 debutó como realizador con “Sombras”, una film rodado en blanco y negro con una cámara de 16 milímetros y protagonizado por los alumnos de un seminario de interpretación que él dirigía. El presupuesto era tan solo de 15.000 dólares pero el dinero era algo que nunca de preocupó a Cassavetes: “Creo que, a la postre, mata tu creatividad. Si lo tienes no necesitas inventar, no necesitas encontrar una forma diferente de contar las cosas. Evita que pienses, que todo el equipo piense”, contaba el director.

Arrogante, eternamente furioso e impulsivo, John Cassavetes era conocido como actor por La semilla del diablo o Doce del patíbulo. Con el dinero que ganaba actuando rodaba sus películas, siempre desafiantes, intransigentes y reveladoras. Y siempre al margen de la industria de Hollywood.


Dicen que era impulsivo, parlanchín, testarudo y manipulador. Con el dinero que ganaba como actor en películas como “Doce del patíbulo”, “Pánico en el estadio” o “La semilla del diablo” rodaba sus películas de tono experimental y al margen de la industria de Hollywood. “No me interesa si es un éxito o no.” –explicaba el director– “No voy a maquillar mis historias, no le mostraré al público nada teatral, nada maravilloso ni entretenido; nada que le haga soñar con cosas que no tiene o que no es. No quiero inspirarle sobre nada”. Sus películas son auténticos ejercicios de exploración de la naturaleza humana, mostrando siempre los sentimientos de personas corrientes con problemas cotidianos. A Cassavetes le gustaba rodar en las calles mezclando a sus actores entre la gente. A menudo rodaba también en su propia casa donde los actores improvisaban o proponían ellos mismos cambios en el guion.

A finales de los años ochenta, ninguna de las películas de Cassavetes estaba disponible en vídeo. Sony le había ofrecido una cuantiosa cifra por comercializarlas, pero el cineasta se negó: "¿Tú piensas que yo quiero ser popular?", dijo Cassavetes a su biógrafo. "¿Crees que quiero que mis películas circulen en vídeo? ¿Que quiero que millones de personas vean mis películas? ¿Por qué razón querría yo eso?". El director de Faces añadió: "Llevo 25 años haciendo películas, y ninguna ha hecho mucho dinero. Pero no hay nadie en el mundo que pueda decirme que no conseguí lo que quería".

Dotado de un poderoso magnetismo físico, Cassavetes conoció a su única mujer, la actriz Gena Rowlands, en 1954. Se casaron a los cuatro meses de estar juntos y nunca se separaron. "Antes de conocer a Gena, yo era un soltero que iba por la vida torturando a la gente... Desde mi punto de vista, yo tenía que renunciar a mi precioso ego". Pese a que la relación era tempestuosa, con continuas peleas y malentendidos ("ella y yo teníamos fricciones en cuanto a estilo de vida y gustos. No estábamos de acuerdo absolutamente en nada"), se convirtieron en inseparables. La relación con su mujer, sus hijos y sus amigos fue la base de su cine. "Gena y yo somos raros, en serio. Estamos total y locamente obsesionados con querer transmitir algo que nos cuesta muchísimo expresar en nuestra vida", dijo el cineasta. Las resonancias autobiográficas están en la mayoría de su filmografía (Faces, Maridos, Así habla el amor, Una mujer bajo la influencia, Corrientes de amor). Incluso están en Gloria, una película que Cassavetes hizo en 1987 por "accidente" y por su mujer. Cassavetes escribió el guión de Gloria para venderlo y no para dirigirlo, pero al final la película acabó en sus manos. Extrañamente tocada por la muerte del padre de Cassavetes (a quien el cineasta estaba muy unido), Gloria es una película sobre el amor y la muerte dirigida por un hombre que sentía una profunda aversión por la violencia en el cine: "Me gustó Doce del patíbulo, pero no la violencia final", dijo una vez sobre una de sus películas más conocidas como actor. "Intenté escaquearme del final de la película, dije que estaba harto, que no daría un paso más, pero me amenazaron con ir a juicio. No me gustaba la idea de matar a noventa millones de nazis apiñados en un sótano, tirar una bomba y quemarlos vivos. No comprendo qué tiene que ver eso con actuar".


Lo que no sabemos

Cassavetes detestaba el cine político; también el cine pretendidamente artístico. Quería un cine directo, que hablara de lo que "no sabemos". Ni cobraba ni pagaba a sus actores (no lo permitían sus mínimos presupuestos); trabajaba por ello con sus mejores amigos (Peter Falk, Ben Gazzara), creando un sistema al margen de cualquier convención en el que el rodaje era la médula de una experiencia creativa única. Los resultados poco importaban. "No es fácil explicar qué significa independencia, pero para aquellos que la tienen, el cine sigue siendo un misterio, no una salida", dijo una vez el director, que también apuntó la hipocresía de muchos de los colegas que tanto le idolatraban: "Todos dicen que quieren trabajar como lo hago yo, pero no es cierto. No quieren pasar por lo que hay que pasar para trabajar de esa manera. Quieren protegerse. Tienen miedo. No quieren arriesgarse".

Premios




Y, junto a su musa, Gena Rowlans, protagonizó una de las historias de amor y genialidad más grandes de al historia del cine. Se casaron en 1954, a los cuatro meses de conocerse. La dama y el vagabundo, porque ella procedía de buena familia mientras él era el rudo hijo de unos pobres inmigrantes griegos. Pero nada, ni siquiera el alcoholismo de él, les separó hasta la muerte de él en 1989 por cáncer complicado con su cirrosis. Fueron padres de tres hijos, Nicholas (director de cine, autor de "El diario de Noah" :wtf: ), Alexandra y Zöe.




 


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BILLY WILDER
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Samuel Wilder

(Sucha, Galitzia, Imperio Austrohúngaro,(actual Polonia), 1906 - Hollywood, 2002)

¡El gran genio simpar! Su humor descacharrante combinado con la crítica social más sensible y aguda, derribando los prejuicios y denunciando las debilidades morales es un cocktel molotov maravilloso.



Wilder pasó su infancia y su juventud entre Cracovia y Viena. Su primer trabajo fue como cronista en el periódico austriaco Juranek. Continuó trabajando como cronista en Berlín, y tuvo que alternar esta ocupación con otras para sobrevivir. Allí se aficionó al cine, tras ver diversas películas que le impresionaron hondamente. Una de ellas fue El acorazado Potemkin, de Serguéi Eisenstein. Entró a trabajar para la Universum Film AG (UFA), donde conoció a los grandes directores del momento.


Tras la subida al poder de Adolf Hitler, Wilder se vio obligado a abandonar Berlín, debido a su ascendencia judía. Su madre moriría en los campos de concentración de Auschwitz. Estuvo en París y, desde allí, en 1934 se trasladó a los Estados Unidos, junto al actor Peter Lorre. Wilder y Lorre compartieron apartamento, hambre y momentos muy difíciles durante una temporada. Allí comenzó a trabajar como guionista para la Paramount, y tuvo la ocasión de colaborar con Ernst Lubitsch, su gran maestro. Al funeral de éste acudieron, entre otros, Wilder y su colega y amigo William Wyler. A la salida del mismo, ambos comentaron: "Nos hemos quedado sin Lubitsch". "Peor aún, nos hemos quedado sin las películas de Lubitsch".

Como guionista, Wilder escribió 60 argumentos, y como director realizó 26 películas. Fue galardonado con seis Óscar, tras haber sido nominado en 21 ocasiones.

Vamos, un portento como escritor y cineasta.

Como gran ejemplo de su humor inigualable queda la llamada que hizo a Fernando Trueba cuando éste, al recibir el Oscar a la mejor película extranjera por Belle Epoque, que había dedicado su Oscas a "mi Dios, Billy Wilder. Cuando Trueba cogió el teléfono, él le dijo: "Hola, soy Dios". Cachondo hasta el fin de sus dias


Su estilo
En un famoso ensayo sobre Wilder, Stephen Farber comenta: "La principal aportación de Wilder al cine norteamericano es la inteligencia", que le permite combinar lo corrosivo y lo sensiblero e integrar en los argumentos paradojas, ironías y giros sorprendentes. En ocasiones, individuos respetados emergen como canallas: los soldados norteamericanos del Berlín de posguerra en Berlín Occidente (1948), el jefe de información de Traidor en el infierno (1953) o el solemne director de una aseguradora en El apartamento (1960). Y a veces un aparente villano resulta ser un ser íntegro. Pensaba que la gente no suele ser ni tan buena como aparece en la superficie ni tan mala como teme ser en el fondo. Esta visión de la realidad le valió abundantes honores (veintiuna candidaturas a los oscares y seis estatuillas), pero también la controversia.


Incluye en sus películas lo que los estudiosos del cine han dado en llamar "discrepancia entre niveles de conocimiento":2 cuando el público sabe más sobre lo que ocurre en una escena que, al menos uno de los personajes, se siente cómodo, listo, se fija más y capta las sutilezas. Seh producen ironías cómicas y dramáticas. Cuando existe una mayor discrepancia entre lo que sabe el público y lo que sabe más de uno de los personajes, las posibilidades dramáticas se multiplican. Wilder, de hecho, era un virtuoso al permutar niveles de conciencia discrepantes, una táctica que coloca al público en una posición privilegiada desde la cual sigue la historia. Un ejemplo claro de ello lo encontramos en El apartamento.

1. Primero, el público ve cómo Jack Lemmon presta la llave de su apartamento a los ejecutivos más ligones del trabajo para que se encuentren con sus amigas.

2. Segundo, comprueba el tímido afecto que Lemmon profesa a Shirley McLaine, la ascensorista. T

3- Observa que el jefe interpretado por Fred McMurray, un hombre casado, llama a Lemmon para reprocharle su función de alcahueta, pero le sorprende pidiéndole la llave. El público, tan desprevenido como Lemmon, está menos preparado para Cuarto,

4. La escena en que McMurray se encuentra con su amiga, que resulta ser McLaine. Mientras se dirigen al apartamento, la película introduce una toma de Lemmon solo ante el cine donde había planeado encontrarse con McLaine. Ello provoca intensidad, más que sentimentalismo, y por combinaciones fílmicas como la explicada se considera que nadie en la historia del cine ha orquestado mejor las posibilidades de la argumentación que Billy Wilder.

En una entrevista publicada en 1952, Wilder enumeró sus diez películas favoritas:[cita requerida]

  1. El acorazado Potemkin (Serguéi Eisenstein) (1925)
  2. Avaricia (Erich von Stroheim) (1924)
  3. Varieté (Ewald André Dupont) (1925)
  4. La quimera del oro (Charles Chaplin) (1924)
  5. Y el mundo marcha (King Vidor) (1928)
  6. La gran ilusión (Jean Renoir) (1937)
  7. El delator (John Ford) (1935)
  8. Ninotchka (Ernst Lubitsch) (1939)
  9. Los mejores años de nuestra vida (William Wyler) (1946)
  10. Ladrón de bicicletas (Vittorio de Sica)

Nominaciones al Óscar
Como director[editar]
CategoríaPelículaAñoResultado
Perdición
1944
Nominado​
Días sin huella
1945
Ganador
El crepúsculo de los dioses
1950
Nominado​
Traidor en el infierno
1953
Nominado​
Sabrina
1954
Nominado​
Testigo de cargo
1957
Nominado​
Con faldas y a lo loco
1959
Nominado​
El apartamento
1960
Ganador

Como guionista





https://www.alohacriticon.com/cine/actores-y-directores/billy-wilder/
 
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Samuel Wilder

(Sucha, Galitzia, Imperio Austrohúngaro,(actual Polonia), 1906 - Hollywood, 2002)

¡El gran genio simpar! Su humor descacharrante combinado con la crítica social más sensible y aguda, derribando los prejuicios y denunciando las debilidades morales es un cocktel molotov maravilloso.



Wilder pasó su infancia y su juventud entre Cracovia y Viena. Su primer trabajo fue como cronista en el periódico austriaco Juranek. Continuó trabajando como cronista en Berlín, y tuvo que alternar esta ocupación con otras para sobrevivir. Allí se aficionó al cine, tras ver diversas películas que le impresionaron hondamente. Una de ellas fue El acorazado Potemkin, de Serguéi Eisenstein. Entró a trabajar para la Universum Film AG (UFA), donde conoció a los grandes directores del momento.


Tras la subida al poder de Adolf Hitler, Wilder se vio obligado a abandonar Berlín, debido a su ascendencia judía. Su madre moriría en los campos de concentración de Auschwitz. Estuvo en París y, desde allí, en 1934 se trasladó a los Estados Unidos, junto al actor Peter Lorre. Wilder y Lorre compartieron apartamento, hambre y momentos muy difíciles durante una temporada. Allí comenzó a trabajar como guionista para la Paramount, y tuvo la ocasión de colaborar con Ernst Lubitsch, su gran maestro. Al funeral de éste acudieron, entre otros, Wilder y su colega y amigo William Wyler. A la salida del mismo, ambos comentaron: "Nos hemos quedado sin Lubitsch". "Peor aún, nos hemos quedado sin las películas de Lubitsch".

Como guionista, Wilder escribió 60 argumentos, y como director realizó 26 películas. Fue galardonado con seis Óscar, tras haber sido nominado en 21 ocasiones.

Vamos, un portento como escritor y cineasta.

Como gran ejemplo de su humor inigualable queda la llamada que hizo a Fernando Trueba cuando éste, al recibir el Oscar a la mejor película extranjera por Belle Epoque, que había dedicado su Oscas a "mi Dios, Billy Wilder. Cuando Trueba cogió el teléfono, él le dijo: "Hola, soy Dios". Cachondo hasta el fin de sus dias


Su estilo
En un famoso ensayo sobre Wilder, Stephen Farber comenta: "La principal aportación de Wilder al cine norteamericano es la inteligencia", que le permite combinar lo corrosivo y lo sensiblero e integrar en los argumentos paradojas, ironías y giros sorprendentes. En ocasiones, individuos respetados emergen como canallas: los soldados norteamericanos del Berlín de posguerra en Berlín Occidente (1948), el jefe de información de Traidor en el infierno (1953) o el solemne director de una aseguradora en El apartamento (1960). Y a veces un aparente villano resulta ser un ser íntegro. Pensaba que la gente no suele ser ni tan buena como aparece en la superficie ni tan mala como teme ser en el fondo. Esta visión de la realidad le valió abundantes honores (veintiuna candidaturas a los oscares y seis estatuillas), pero también la controversia.


Incluye en sus películas lo que los estudiosos del cine han dado en llamar "discrepancia entre niveles de conocimiento":2 cuando el público sabe más sobre lo que ocurre en una escena que, al menos uno de los personajes, se siente cómodo, listo, se fija más y capta las sutilezas. Seh producen ironías cómicas y dramáticas. Cuando existe una mayor discrepancia entre lo que sabe el público y lo que sabe más de uno de los personajes, las posibilidades dramáticas se multiplican. Wilder, de hecho, era un virtuoso al permutar niveles de conciencia discrepantes, una táctica que coloca al público en una posición privilegiada desde la cual sigue la historia. Un ejemplo claro de ello lo encontramos en El apartamento.

1. Primero, el público ve cómo Jack Lemmon presta la llave de su apartamento a los ejecutivos más ligones del trabajo para que se encuentren con sus amigas.

2. Segundo, comprueba el tímido afecto que Lemmon profesa a Shirley McLaine, la ascensorista. T

3- Observa que el jefe interpretado por Fred McMurray, un hombre casado, llama a Lemmon para reprocharle su función de alcahueta, pero le sorprende pidiéndole la llave. El público, tan desprevenido como Lemmon, está menos preparado para Cuarto,

4. La escena en que McMurray se encuentra con su amiga, que resulta ser McLaine. Mientras se dirigen al apartamento, la película introduce una toma de Lemmon solo ante el cine donde había planeado encontrarse con McLaine. Ello provoca intensidad, más que sentimentalismo, y por combinaciones fílmicas como la explicada se considera que nadie en la historia del cine ha orquestado mejor las posibilidades de la argumentación que Billy Wilder.

En una entrevista publicada en 1952, Wilder enumeró sus diez películas favoritas:[cita requerida]

  1. El acorazado Potemkin (Serguéi Eisenstein) (1925)
  2. Avaricia (Erich von Stroheim) (1924)
  3. Varieté (Ewald André Dupont) (1925)
  4. La quimera del oro (Charles Chaplin) (1924)
  5. Y el mundo marcha (King Vidor) (1928)
  6. La gran ilusión (Jean Renoir) (1937)
  7. El delator (John Ford) (1935)
  8. Ninotchka (Ernst Lubitsch) (1939)
  9. Los mejores años de nuestra vida (William Wyler) (1946)
  10. Ladrón de bicicletas (Vittorio de Sica)

Nominaciones al Óscar
Como director[editar]
CategoríaPelículaAñoResultado
Perdición
1944
Nominado​
Días sin huella
1945
Ganador
El crepúsculo de los dioses
1950
Nominado​
Traidor en el infierno
1953
Nominado​
Sabrina
1954
Nominado​
Testigo de cargo
1957
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Con faldas y a lo loco
1959
Nominado​
El apartamento
1960
Ganador

Como guionista





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Mis películas favoritas:

Perdición ="el hombre encoñado, jajaja"
El apartamento.
Sabrina.
Testigo de cargo.
El crepúsculo de los dioses.
las dos de Lemmon y Mathau,
Besame, tonto.
Con faldas y a lo loco...
¿Que pasó entre mi padre y tu madre?
y me dejo algunas más...
 
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William Wyler (1902-1981)

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William Wyler (Mulhouse hoy Francia, entonces Alemania, 1 de julio de 1902 - Los Ángeles, 27 de julio de 1981) fue un prolífico y sobresaliente director de cine, de origen suizo-alemán, y tres veces ganador del Premio de la Academia.

Índice
Primeros años[editar]
Wyler, con el nombre de nacimiento de Willi Wyler, nació en 1902 en una familia judía de Mulhouse, ciudad de la región francesa de Alsacia (que desde la guerra franco-prusiana formaba parte del Imperio alemán). Su padre era suizo y su madre alemana. Se educó en Lausana (Suiza), luego estudió violín en el Conservatorio de París; se trasladó a los Estados Unidos en 1921.

Estaba emparentado con Carl Laemmle, fundador de los estudios Universal Pictures, a través de su madre, prima de Laemmle. En 1921 se trasladó a los Estados Unidos. Gracias a estas conexiones familiares, y sobre todo por su talento precoz, fue el más joven director de la Universal en 1925. En 1928, se convirtió en ciudadano naturalizado estadounidense.

Director de cine[editar]
Pronto demostró que era un competente artesano y un riguroso director de escena, y a principios de los años treinta se convirtió en uno de los mejores activos de la Universal, dirigiendo películas tan sólidas como The Love Trap (1929), Hell's Heroes (1930), ¿Héroe o cobarde? (1932) y Una chica angelical (1935).

Más tarde fue contratado por Samuel Goldwyn y dirigió películas de gran calidad como Esos tres (1936), Rivales (1936), una obra maestra como Desengaño (1936), Dead End (Callejón/Calle sin salida) (1937), Jezabel (1938), Cumbres borrascosas (1939), La carta (1940), The Westerner (1940) y La loba (1941). La mítica y legendaria actriz Bette Davis dijo en varias ocasiones que fue el único director que supo dirigirla correcta y completamente.

Segunda Guerra Mundial[editar]
Entre 1942 y 1945, Wyler se enroló en el Cuerpo Aéreo del Ejército de los Estados Unidos con el grado de comandante y mientras la guerra estaba todavía en curso dirigió dos documentales y dos películas de ficción. Los dos documentales fueron rodados en dos frentes aéreos diferentes. El primer documental, Memphis Belle: A Story of a Flying Fortress, fue rodado en Inglaterra y en el cielo alemán en 1943 y fue proyectado en las salas estadounidenses en 1944. Fue rodado a bordo del célebre bombardero B-17 Memphis Belle durante su última misión de bombardeo sobre territorio enemigo, misión que hizo de él el primer bombardero estadounidense en terminar su ciclo de 25 misiones obligatorias. Volvió de dicha misión sin un solo rasguño y con su tripulación en perfecto estado de salud, pero la película de ficción Memphis Belle (de 1990) dramatizó esa última misión por razones comerciales, con daños en el aparato causados por fuego enemigo y con heridos a bordo. El segundo documental, Thunderbolt!, fue rodado en otro frente aéreo: el de las acciones de ametrallamiento y bombardeo que los cazas P-47 Thunderbolt llevaron a cabo en los primeros meses de 1944, en Italia, durante la Operación Strangle, cortando los suministros alemanes que venían por tierra desde el norte. Este documental no fue proyectado en los cines de Estados Unidos hasta 1947, una vez terminada la guerra.

Las dos películas de ficción que Wyler rodó durante la guerra fueron de las primeras en captar el estado de ánimo de la nación conforme se preparaba para la batalla y, cuatro años más tarde, para la paz: la primera, La señora Miniver (1942), narra la historia de una familia inglesa de clase media que se adaptaba a la guerra en Europa y ayudaba a preparar al público estadounidense a la vida en tiempos de guerra (y galvanizó el apoyo a los británicos). La segunda, Los mejores años de nuestra vida (estrenada en 1946), cuenta la historia de tres veteranos que volvían a casa y que intentaban adaptarse a la vida civil, dramatizando los problemas de los veteranos que regresaban con quienes se habían quedado en casa durante el conflicto. Wyler logró con ambas películas tanto el premio de la academia al mejor director como el premio a la mejor película.

Carrera en la posguerra[editar]
Durante los años cincuenta y sesenta, Wyler dirigió toda una serie de películas aclamadas por la crítica, entre las que cabe destacar Detective Story (1951) galardonada en Cannes con el premio de mejor actriz para Lee Grant; Vacaciones en Roma (1953) que presentó a Audrey Hepburn al público estadounidense y le llevó a ganar su primer Óscar; La heredera, que hizo ganar a Olivia de Havilland su segundo Óscar, Friendly Persuasion (1956), con la cual Wyler ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes y Ben-Hur, con la que consiguió casi todos los Óscar de la edición de 1959; los once premios que ganó sólo han sido igualados dos veces, por Titanic en 1997 y El Señor de los Anillos: el retorno del Rey en 2003.

En su última etapa Wyler siguió dirigiendo filmes de notable interés, como La calumnia (The Children's Hour, 1961), polémico filme alusivo al lesbianismo con Audrey Hepburn y Shirley MacLaine; El coleccionista (1965) con Terence Stamp (que inspiró a Pedro Almodóvar el argumento de ¡Átame!) y la película musical Funny Girl (1968), que supuso el debut en el cine de Barbra Streisand y tuvo por coprotagonista a Omar Sharif.

En 1965, Wyler obtuvo el Premio en Memoria de Irving Thalberg a los logros de toda su carrera. Once años más tarde, recibió el Premio a toda su carrera por parte del American Film Institute. Además de los premios de la Academia que consiguió, diez de sus películas fueron nominadas a la mejor película. Recibió doce nominaciones como Mejor Director, ganándolo tres veces, mientras que tres docenas de sus actores ganaron el premio o fueron nominados a él.

Wyler estuvo casado durante un breve periodo con Margaret Sullavan (25 de noviembre de 1934 a 13 de marzo de 1936); su matrimonio con Margaret Tallichet, desde el 23 de octubre de 1938 hasta su muerte, fue un éxito y tuvieron cuatro hijos. El 24 de julio de 1981, Wyler fue entrevistado junto a su hija, la productora Catherine Wyler, para un documental de PBS sobre su vida y su carrera: Dirigido por William Wyler. Tan sólo tres días más tarde, Wyler murió de un ataque al corazón. Las últimas palabras de Wyler en la película se referían a una visión de dirigir su «próxima película...Going Home (Regreso al hogar)». Wyler está enterrado en el cementerio de Forest Lawn Memorial Park en Glendale, California.

Valoraciones[editar]
Wyler dirigió películas de todo tipo, sin ningún tipo de tema que fuera su marca personal en el cine. Pero sus películas estaban siempre bien hechas, resultaban bellas y su forma de rodar era reconocible, incluyendo innovaciones como la profundidad de campo (luego usada por Welles). Era conocido por realizar decenas de tomas de cada una de las escenas de sus películas, y por exigir gran control sobre la historia, las localizaciones y el personal de cada producción. Por ello es dudoso afirmar, como se hace, que Wyler, como Michael Curtiz, no tuvo su propio estilo particular. Hoy se le incluye entre los directores de cine más valiosos.

Su naturaleza meticulosa y su atención al detalle fueron efectivos, y logró tanto el éxito popular como el de crítica no especializada. No construyó un conjunto de intérpretes como Capra, Sturges o Ford. Orson Welles le llamaba burlonamente un "brillante productor", pero más bien era un 'director-de-estudio' que supo trabajar muy bien y controlar las imposiciones de los estudios.

Durante unos años ha sido un director no bien considerado. Seguramente el peso de la crítica francesa (Cahiers su Cinéma, Positif), que destacaban mucho a John Ford, Howard Hawks, Nicholas Ray o al propio Welles, que influyó con su desdén por Wyler en el crítico americano Andrew Sarris (publicaba la edición inglesa de Cahiers). Así que The American Cinema (libro de Sarris) se sumó a las voces sectarias al respecto de esas por lo demás excelentes revistas.

Ahora bien, en contra de muchos de sus coetáneos, André Bazin (1918-1958) —un crítico tan importante, creador de Cahiers du Cinéma, autor de un Orson Welles—, señaló, en un gran texto sobre Wyler, cómo no era difícil reconocer su personal firma, al igual que sucedía con las películas de Lang, Ford o Hitchcock. Su ética de la puesta en escena, su personal ascesis, lograda con un trabajo riguroso con los actores (que expresan precisamente la acción), logró un gran "cine-escritura". El cine puro, decía Bazin, existe en muchas combinaciones narrativas, no es una materia independiente y aislable: "el cine es más bien un estado estético de la materia", y nadie ha sabido "contar mejor una historia en 'cine'" que Wyler.

El Festival Internacional de Cine de Berlín le dedicó una retrospectiva en 1996, y poco a poco, pese a la ausencia de bibliografía francesa, se está siguiendo la senda valorativa de Bazin.

Filmografía[editar]
Premios

Premios Óscar[editar]
AñoCategoríaTrabajo NominadoResultado
1937
Dodsworth
Nominado
1940
Nominado
1941
Nominado
1942
Nominado
1943
Ganador
1947
Ganador
1950
Nominado
Nominado
1952
Nominado
1954
Nominado
Nominado
1957
Nominado
Nominado
1960
Ganador
1966
Nominado
Ganador
 
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Raoul Walsh (1887-1980)

raoul walsh.jpg

Raoul Walsh (Albert Edward Walsh, Nueva York, 11 de marzo de 1887 - Simi Valley, de California, 31 de diciembre de 1980) fue un director de cine estadounidense. A lo largo de su trayectoria, dirigió más de un centenar de películas de los géneros más diversos, aunque destacó sobre todo como director de películas de aventuras.

Índice
Su carrera[editar]
Era hijo de Thomas Walsh, un sastre irlandés acomodado, y de una madre descendiente de emigrantes irlandeses con antepasados españoles, Elizabeth Brough.1 Como su contemporáneo Howard Hawks, Walsh era conocido por "no haber dejado jamás que la realidad estropeara una buena historia" y así Leonard Maltin describió la autobiografía del director como una «ficción divertida con eventualmente algunas concesiones a la verdad». Así pues, aunque cuenta que a finales de la década de 1870 su padre Thomas Walsh vino a los Estados Unidos emigrado en compañía de tres hermanos desde su tierra natal, Irlanda, no parece que haya que prestar mucho crédito a su afirmación de que lo hicieron al haberse fugado de la prisión donde estaban encerrados por los ingleses por actividades subversivas ni tampoco a la de que Raoul fue marinero en Cuba, vaquero del Oeste y trabajador en un circo; estos cuentos chinos recuerdan a los que muchos directores de Hollywood contaban entonces sobre sus orígenes, por ejemplo Michael Curtiz: maravillar no solo era bueno para el negocio, sino el negocio mismo.2

Lo cierto es que el inquieto Raoul Walsh tuvo una infancia feliz en Nueva York, donde fue amigo de la ilustre familia actoral Barrymore: John Barrymore recordó haber pasado mucho tiempo leyendo en la biblioteca de la familia Walsh en su juventud. Walsh estudió en el Seton Hall College, una prestigiosa universidad católica de Nueva York, y en 1909 comenzó su carrera en el mundo del espectáculo como actor de teatro (su hermano George Walsh fue también actor y lo introdujo en esa esfera); asistió a un curso de arte dramático con Paul Armstrong y fue un profundo conocedor de la obra de Shakespeare. Rápidamente se convirtió en intérprete cinematográfico, al trasladarse a Hollywood en Los Ángeles. Su carrera cinematográfica estuvo entonces vinculada a una de las primeras firmas norteamericanas, la Biograph Company, donde debutó como actor a las órdenes de David W. Griffith.

Cine mudo[editar]

Fotograma de El nacimiento de una nación (1915): Raoul Walsh en el papel de John Wilkes Booth.
En 1912 debutó en la dirección, con la película Life of Villa, en la que el revolucionario mexicano Pancho Villa se interpretó a sí mismo. Poco después dirigió una secuencia de otro filme muy similar, La vida del general Villa; esta vez, el personaje de Pancho Villa fue interpretado por Walsh.

En 1914 empezó a trabajar como asistente de dirección de D.W. Griffith, e interpretó el papel del asesino de Lincoln en el clásico El nacimiento de una nación (1915). Siguió con él incluso después de estrenar como director en 1916 His return ("Su retorno"). Su trabajo con Griffith llamó la atención de la Fox Film Company (futura 20th Century Fox), que lo contrató ese mismo año. Durante su época en el cine mudo, Walsh solía escribir los guiones de sus películas, y a menudo actuaba también en ellas como protagonista. Por esos años sirvió como oficial en el ejército de Estados Unidos durante la Primera Guerra Mundial.

Raoul Walsh contrajo matrimonio en 1916, con Miriam Cooper, actriz habitual de Griffith en títulos como Intolerancia, con la que adoptó a dos hijos, antes de divorciarse diez años más tarde. Posteriormente estaría unido a Lorraine Miller y Mary Simpson, ajenas al mundo del cine.3

Destacan entre sus obras de esta época una de las primeras películas de gángsters de la historia del cine, Regeneration (1915), así como una obra maestra indiscutible, la innovadora y espectacular El ladrón de Bagdad (1924), interpretada por Douglas Fairbanks y Anna May Wong, que alcanzó un enorme éxito por su desbordante fantasía y su imaginativa escenografía, cercana a veces al expresionismo del cine alemán. La película, además, experimentaba con el color tintando algunas de sus escenas. Bastante insólita en su filmografía, en general consagrada al cine de acción, es Evangeline (1919), basada en un poema de Longfellow, uno de los pocos filmes de su producción con pretensiones artísticas y que no tuvo demasiado éxito de público, todo lo contrario que su comedia romántica What Price Glory? (1926), uno de sus grandes éxitos. Por desgracia, muchas de sus películas mudas se han perdido irremisiblemente.

Cine sonoro[editar]

Raoul Walsh lee el periódico con el guionista Laurence Stallings (27 de octubre de 1918), al que tuvieron que amputar una pierna al ser herido en la I Guerra Mundial
Walsh fue uno de los 36 profesionales de la pantalla que en 1927 fundaron la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood junto con colegas como Cecil B. DeMille, actores como Harold Lloyd y Mary Pickford y productores como Jack Warner e Irving Thalberg. Su primer film sonoro fue El mundo al revés, comedia musical con Victor McLaglen. En los primeros días del sonoro dirigió para la Fox el primer western hablado, En el viejo Arizona (In Old Arizona, 1929), pero perdió un ojo cuando una liebre se cruzó en su camino mientras conducía buscando localizaciones para los exteriores de la película por las carreteras de California; el film tuvo que terminarlo Irving Cummings. Esto dio al traste con su carrera de actor y ya entonces tuvo que consagrarse en exclusiva a la dirección y el guion. Poco después dirigió, en el espectacular western histórico La gran jornada (The Big Trail, 1930), a un entonces desconocido Marion Morrison, a quien Walsh cambió su nombre por el de John Wayne.

Continuó trabajando para la Fox hasta 1935, y pasó luego un corto período en la Paramount, hasta 1939, año en que fue contratado por Warner Brothers, productora en la que permanecería hasta 1953 y con la que rodaría muchas de sus obras más recordadas, entre ellas varios clásicos del cine de gángsters, como Los violentos años veinte (1939), El último refugio (High Sierra, 1942) y Al rojo vivo (1949), la primera y la tercera protagonizadas por James Cagney y la segunda por Humprey Bogart e Ida Lupino.

También destacó en el western con obras maestras como Perseguido (Pursued, 1947); Juntos hasta la muerte (Colorado territory, 1949), Camino de la horca (Along the Great Divide, 1951); Tambores lejanos (Distant Drums, 1951), cuyo papel principal lo interpretó Gary Cooper; Los implacables (The tall men, 1955) y, precediendo a todas estas, una aparente película de aventuras que en realidad es una revisión histórica y desmitificadora sobre la figura del general Custer: Murieron con las botas puestas (They died with their boots on, 1941) protagonizada por Errol Flynn y donde el presunto héroe aparece como un joven ignorante, ambicioso y alocado.

Ya en la década de 1950, Walsh dirigió dos películas de aventuras marinas protagonizadas por Gregory Peck, Captain Horatio Hornblower (1951) y El mundo en sus manos (The World in His Arms, 1952).

Tras expirar su contrato con la Warner, Walsh continuó dirigiendo películas, entre ellas tres con Clark Gable: las ya citada The Tall Men (1955), Un rey para cuatro reinas (The King and Four Queens, 1956) y La esclava libre (Band of angels, 1957). Hay que añadir Los desnudos y los muertos (The Naked and the Dead, 1958), basada en la novela sobre la 2.ª Guerra de Norman Mailer; algunos consideran que su segunda parte, ya en el frente, llega a los niveles de su gran filme bélico, Objetivo Birmania.4

Se retiró en 1964, tras rodar su último film, Una trompeta lejana (A Distant Trumpet, 1964).

Walsh lanzó la carrera del actor Rock Hudson en Escuadrón de combate (1948) además de la de John Wayne y fuera de su importante obra cinematográfica compuso dos libros: la novela picaresca La cólera de los justos (1972) y un libro de recuerdos o autobiografía, Each man in his time ("Cada hombre en su tiempo", o "Medio siglo en Hollywood", según la traducción del editor francés, 1974).

Estilo[editar]
En el cine de Walsh destacan sus grandes virtudes narrativas: sabe llevar la acción como nadie; otra de sus virtudes es la concisión: es capaz de ofrecer todas las posibilidades de una situación en un mínimo de planos y secuencias. Walsh cultivó también la música y la pintura y fue un habitual colaborador en los guiones que dirigía. Para impedir que modificaran sus montajes rodaba pocas tomas.

Filmografía selecta[editar]

Raoul Walsh como John Wilkes Booth, asesino de Abraham Lincoln, en El nacimiento de una nación de David Wark Griffith
 
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Blake Edwards (1922-2010)

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William Blake Crump (Tulsa, Oklahoma, 26 de julio de 1922Brentwood, California, 15 de diciembre de 2010)12 fue un director, guionista, productor y actor de cine estadounidense.

Índice
Biografía[editar]
Desde siempre, lo que llenaba a Edwards era escribir. Sus inicios como guionista fueron casi producto del azar. Una de sus novias de juventud le mostró un guion que estaba escribiendo para un programa de radio y, cuando quiso darse cuenta, Edwards lo había rehecho por completo. El jefe de la muchacha quedó tan impresionado con el trabajo de Edwards que se convirtió en su agente y le consiguió trabajo para escribir con regularidad para la radio. Como guionista, Edwards pasó de la radio a la televisión, que le sirvió de plataforma para alcanzar su meta, el cine.

Antes de escribir guiones para cine, mientras escribía para radio y televisión empezó su acercamiento al cine de la forma que le era más fácil: como extra. En 1942, dio sus primeros pasos en el cine como actor, en la película Diez héroes de West Point. Un drama bélico, dirigido por Henry Hathaway, en el que el argumento se traza en torno a un grupo de estudiantes de la academia militar West Point que han de acudir a sofocar una rebelión india. Además, en la trama se incluye un conflicto amoroso típico: dos hombres (John Sutton y Laird Cregar) enamorados de una misma mujer (la pelirroja Maureen O'Hara). La participación de Edwards en la película es bastante irrelevante, interpretaba un pequeño papel secundario y ni siquiera aparece mencionado en los créditos. De la misma manera, en 1946 también aparece en la película El extraño amor de Martha Ivers, dirigida por Lewis Milestone, interpretando un marinero recogido en autoestop por uno de los personajes principales.

Su primer guion para el cine fue el del western de 1948 dirigido por Lesley Selander: Imperio del crimen. El guion no lo escribió en solitario, sino que fue co-guionista junto con John Champion. Además de colaborar en el guion, ambos fueron productores de la película.

Su primera película como director fue Venga tu sonrisa de 1955. Es la primera película del equipo formado por Blake Edwards con Richard Quine. Ambos empezaron a colaborar en los inicios de sus respectivas carreras, cuando aún eran los dos novatos, actores que aspiraban a algo más. Entre 1952 y 1958 firmaron conjuntamente siete guiones para la Columbia Pictures. Cinco de las películas, las dirigiría Quine; las otras dos, Edwards. El último guion que escribieron conjuntamente ya no fue afrontado por la Columbia que cuatro años después cedió los derechos a la Universal Studios. Finalmente, en 1962, Quine dirigió La misteriosa dama de negro.

Su carrera abarca 50 años. Aunque, etiquetado para la historia como "director de comedias", Edwards se ha paseado por todos los géneros y algunos de sus melodramas se han convertido en verdaderos clásicos.

Como director de cine, su última película fue un indigno final: El hijo de la pantera rosa de 1993, con Roberto Benigni. En televisión fue una nueva adaptación para la televisión de Victor Victoria (1982) rodada en 1995. Después, dejó de dirigir aquejado de fatiga crónica. Edwards ha pasado a la historia del séptimo arte por: Desayuno con diamantes (1961) con Audrey Hepburn sobre la novela de Truman Capote; Días de vino y rosas (1963), o la comedia con Jack Lemmon, Lee Remick y Charles Bickford; y cuatro como Operación Pacífico (1959), con Cary Grant; The Party (El guateque en España y La fiesta inolvidable en Hispanoamérica) (1968), Victor Victoria', remedando el famoso film alemán de 1930 (de Reinhold Schunzel); y La pantera rosa (1963) y todas sus secuelas.

Como productor en cine, su últimas películas fueron La maldición de la pantera rosa y Mis problemas con las mujeres de 1983. En televisión, posteriormente, aún trabajo como productor ejecutivo en tres series. La última fue Julie cuya protagonista era su mujer.

El éxito comercial y recaudatorio de La pantera rosa fue de tal magnitud que marcó la carrera del director. Al año siguiente se rodó una secuela. Después, Edwards fue grabando una nueva secuela cada vez que tenía falta de liquidez. Además su prestigio le ha permitido incluir su nombre en el propio título: por ejemplo, Blake Edwards' son of the pink Panther.

Como director siempre se ha destacado que, por su experiencia previa como actor, dejaba mucho margen de acción a los actores. De hecho, esperaba a ubicar definitivamente las cámaras hasta después de los ensayos en el set de rodaje. Además, es fundamental la colaboración entre Blake Edwards y el compositor Henry Mancini, de cuyos frutos han salido muchas de las mejores bandas sonoras de la historia, siendo sólo un ejemplo, la célebre canción Moon River de Desayuno con diamantes. También fue importante en la carrera de Blake Edwards, el apoyo del productor Tony Adams, al que encontramos detrás de la financiación de muchas de sus películas.

Vida privada[editar]
Cuando su madre contrajo segundas nupcias con Jack McEdwards, entró a formar parte de una familia con grandes lazos con el mundo del cine:

Su padrastro, Jack McEdwards, fue asistente de dirección en siete películas entre 1936 y 1957.

Su abuelo político (el padre de Jack McEdwards), James Gordon Edwards, fue un notable director, guionista y productor estadounidense durante la época del cine mudo. Era el principal supervisor de la Fox Film Corporation y hombre de confianza de William Fox hasta el momento de su muerte en 1925. Rodó como director 56 películas en una década, entre 1914 y 1924, en 23 de estas, con Theda Bara, primera mujer fatal de Hollywood y primera gran estrella femenina del cine de EE. UU., como actriz principal (Salomé, de 1917).

En 1953 contrajo matrimonio con la actriz Patricia Walker, pero se divorciaron en 1967. Patricia no tuvo una gran carrera como actriz. Sólo trabajó en siete películas y, tras su boda, abandonó la interpretación. Patricia nunca trabajó a las órdenes de Edwards, sólo trabajó con él en Marino al agua, donde él era guionista, no director. Blakie y Pat tuvieron dos hijos Jennifer y Geoffrey Edwards. Jennifer ha trabajado con su padre en varias ocasiones (Diagnóstico asesinato, S.O.B.,...).

En 1969, dos años después de su divorcio, Blake Edwards contrajo matrimonio con Julie Andrews, con quien estuvo casado hasta su fallecimiento. Edwards dirigió a su esposa en siete ocasiones. Julie se había divorciado del productor Tony Walton también en 1967. De esta unión, Julie aportaba una hija Emma Walton. Julie y Blakie no tuvieron hijos propios en común, pero adoptaron a dos niñas vietnamitas, Amy y Joanna Edwards.

Entre las anécdotas de su vida siempre se cita el hecho de que fue compañero de piso de Mickey Rooney.

Por último, tres de sus cuatro hijos están vinculados con el cine. También su hijastra, Emma Walton, y una de sus nietas, Hannah Schneider (hija de Jennifer). Por ahora (2005), la filmografía de Hannah sólo cuenta con un título en el que aparece como actriz de reparto: Princesa por sorpresa 2 (The princess diaries 2: Royal engagement) de Garry Marshall. En esta película también intervienen la mujer de su abuelo, Julie Andrews, y su tía, Amy Edwards.

Filmografía[editar]
Como director[editar]
Cine[editar]
  1. 1955 - Venga tu sonrisa (Bring your smile along). Comedia musical protagonizada por Frankie Lane y Lucy Marlow.
  2. 1956 - He laughed last ("El que ríe el último"). Comedia no muy memorable protagonizada por Anthony Dexter.
  3. 1957 - El temible Mr. Cory (Mister Cory). Drama protagonizado por dos excelentes Tony Curtis y Charles Bickford, que supone el primer film notable de su director. Es la primera película en la que Edwards colabora con Henry Mancini, y el propio realizador demuestra una solidez a la hora de narrar que pone a la cabeza de los realizadores jóvenes del momento.
  4. 1958 - La pícara edad (This happy feeling). Comedia de enredo protagonizada por Debbie Reynolds, Curd Jürgens, John Saxon y Mary Astor. De éxito en su día, el film ha envejecido bastante, pero como mínimo todavía resulta agradable.
  5. 1958 - Vacaciones sin novia (The perfect furlough). Primera aparición en pantalla de la deliciosa pareja Tony Curtis- Janet Leigh en una comedia de apuntes bélicos y desarrollo clásico, pero que apunta muy buenas maneras. 2 nominaciones como Mejor comedia, una en los Globo de Oro y otra en los Golden Laurel.
  6. 1959 - Operación Pacífico (Operation Petticoat). Comedia militar de gran repercusión y ambientada según las convenciones del género en un submarino, que consigue resultados modélicos, además del encanto de sus protagonistas: Cary Grant, Tony Curtis y Dina Merrill.
  7. 1960 - Buenos tiempos (High time). Regular comedia musical protagonizada por un talludito Bing Crosby, nominada a un Óscar pero que pasó sin pena ni gloria.
  8. 1961 - Desayuno con diamantes (Breakfast at Tiffany's) Drama triste disfrazado de comedia romántica protagonizada por Audrey Hepburn y George Peppard. La película ganó ocho premios (ente ellos, dos Óscar) y obtuvo otras cuatro nominaciones (entre ellas, Blake Edwards estuvo nominado como Mejor director en los premios DGA).
  9. 1962 - Chantaje contra una mujer (Experiment in terror). Thriller dramático que afianzaba la carrera de Edwards, en una historia tan bien planteada como escrita, con elementos de suspense bien medidos y más que correctas interpretaciones de su trío protagonista: Glenn Ford, Lee Remick y Stefanie Powers. La cinta obtuvo una nominación para los Globo de Oro.
  10. 1962 - Días de vino y rosas (Days of wine and roses). La película ganó el Óscar a la mejor canción y estuvo nominada en otras cuatro categorías. Además, la película ganó otros 7 premios y cosechó 8 nominaciones más. Entre ellos, Blake Edwards obtuvo la Concha de Plata del Festival Internacional de Cine de San Sebastián y fue nominado como Mejor director en los Globo de Oro.
  11. 1963 - La pantera rosa (The pink panther). Comedia protagonizada por Peter Sellers, David Niven, Claudia Cardinale, Capucine, Robert Wagner y Herbert Lom en los papeles importantes. El guion optó a los premios WGA como Mejor guion de comedia.
  12. 1964 - El nuevo caso del inspector Clouseau / Un disparo en las sombras (A shot in the dark). Comedia protagonizada por Peter Sellers, Herbert Lom y Elke Sommer.
  13. 1965 - La carrera del siglo (The race). Disparatada y a ratos genial comedia, con escenas desternillantes, trabajado guion y mucha inventiva, de magníficas caracterizaciones de un reparto coral en el que sobresalen: Jack Lemmon, Tony Curtis, Natalie Wood o Peter Falk. La película ganó un Óscar, otros tres premios y 12 nominaciones (entre ella: Edwards fue nominado como Mejor director en el Festival Internacional de Cine de Moscú), y su arrollador éxito dio lugar a una serie de TV: "Los autos locos" ("Wally races") de la productora animada Hanna-Barbera en 1966, y a la imitación de la fórmula en dos films conocidos: "Aquéllos locos chalados en sus locos cacharros" (1967, de Ken Annakin con un reparto lleno de más estrellas todavía) y "El rally de Montecarlo" (en 1969).
  14. 1966- ¿Qué hiciste en la guerra, papi?. Excelente comedia antibelicista en la que fue la primera colaboración de Edwards con el notable actor James Coburn. Rodada en Italia, en la película intervenían actores como Giovanna Ralli o Sergio Fantoni.
  15. 1967- Gunn. Thriller de éxito localizado (sólo a nivel estadounidense), que a su vez se apropiaba de la popularidad de una serie de TV de escaso recorrido pero recordada por la canción de su presentación. Los actores que intervenían y los resultados del film son de segunda categoría.
  16. 1968- La fiesta inolvidable / El guateque (The party). Comedia loca protagonizada por Peter Sellers, Marge Champion y Claudine Auger.
  17. 1970 - Darling Lili (Darling Lili). Musical dramático de flojo tirón comercial, protagonizado por Julie Andrews y Rock Hudson. La canción Whistling away the dark de Mancini y John Mercer ganó el Globo de Oro. Además, la película obtuvo otras 6 nominaciones en otros premios (3 de ellas en los Óscar).
  18. 1971 - Dos hombres contra el Oeste (Wild Rovers). Drama y comedia se dan cita en este western crepuscular que representa uno de los títulos de los 70 que renovaron el género (protagonizado por dos perdedores sin suerte). Tanto William Holden como Ryan O’Neal, Karl Malden y Lynn Carlin están espléndidos.
  19. 1972 - Diagnóstico: asesinato (The Carey treatment). Thriller en clave de comedia que supuso un inesperado triunfo comercial, protagonizado por James Coburn y Jennifer O’Neill. El guion estaba firmado por Michael Crichton y Harriet Frank Jr., y logra situar a la película por encima de la media del género. También, la película fue nominada como Mejor película en los premios Edgar Allan Poe.
  20. 1974 - La semilla del tamarindo (The tamarind seed). Película romántica de sonado fracaso en las taquillas de todo el mundo, en la que la historia de amor se ancla en torno a una trama de espías, protagonizada por Julie Andrews, Omar Sharif. Silvia Syms fue nominada en los Premios BAFTA como Mejor actriz de reparto.
  21. 1975 - El regreso de la pantera rosa (The return of the pink panther).Protagonizada por Peter Sellers, Herbert Lom, David Niven y Dyan Cannon que no pertenece a la mejor época de la serie pero, aun así, la cinta ganó dos Premios BAFTA: Mejor comedia y Mejor actor (Peter Sellers). Además, obtuvo tres nominaciones a los Globo de Oro y una a los WGA.
  22. 1976 - La pantera rosa ataca de nuevo (The pink panther strikes again). Comedia protagonizada por Peter Sellers, Colin Blakely, Lesley Anne Down y Herbert Lom. La película obtuvo el BAFTA a la Mejor comedia y el guion se alzó con el WGA al Mejor guion adaptado. Además, la película cosechó otras cinco nominaciones en diferentes certámenes, y superaba en calidad a las entregas anteriores.
  23. 1977 - La venganza de la pantera rosa (The revenge of the pink panther).La película ganó el BAFTA a la Mejor comedia, pese a ser uno de los trabajos más flojos del director. Además, la banda sonora de Mancini ganó un Grammy.
  24. 1979 - 10, la mujer perfecta '(10). Comedia protagonizada por Bo Derek, a la que lanzó a la fama, Dudley Moore, al que convirtió en mini-mito de la comedia de los 80 y una Julie Andrews inaugurando su excelente madurez física. La obra no obtuvo ningún premio, pero cosechó un total de 8 nominaciones, entre ellas, 2 a los Óscar, y fue una de las películas más taquilleras del año.
  25. 1981 - Sois honrados Bandidos (S.O.B). Comedia de reparto coral cuyas cabezas visibles son Julie Andrews, William Holden y Robert Preston, ácida y con cierta polémica en su día por algunas escenas de desnudo pero bien planteada y mejor resuelta la película estuvo nominada al Globo de Oro como mejor comedia y, paradójicamente, Edwards a los Razzie como peor director. En Argentina, el título se tradujo como Se acabó el mundo.
  26. 1982 - Tras la pista de la pantera rosa (Trail of the pink panther). Comedia protagonizada por Peter Sellers y David Niven. Sellers había muerto en 1980, por lo que se aprovechó material de archivo (escenas que no se habían empleado en el montaje final de las anteriores películas de la saga). El resultado fue tan decepcionante como irregular, y algunos sectores de la crítica e incluso la industria reprocharon a Edwards el estreno del film.
  27. 1982 - Victor Victoria. Comedia musical protagonizada por Julie Andrews, James Garner, Robert Preston y Lesley Ann Warren. Muy aclamada y de enorme encanto, recolectó 9 premios (entre ellos, un Óscar) y otras nueve nominaciones.
  28. 1983 - La maldición de la pantera rosa (Curse of the pink panther). De casi nula repercusión, fue también interpretada por David Niven y las pocas escenas en las que aparece Sellers también son de archivo.
  29. 1983 - Mis problemas con las mujeres (The man who loved women). Burt Reynolds, Kim Basinger y Julie Andrews comparten cartel en una comedia dramática sobre el ego masculino, la crisis de identidad y las relaciones hombre-mujer.
  30. 1984 - Micki y Maude (Micki + Maude). Famosa comedia sentimental protagonizada por Dudley Moore, Amy Irving y Ann Reinking. Nominada al Globo de Oro, en la categoría de Mejor comedia o musical, Dudley Moore fue también nominado como Mejor actor de musical o comedia en los Globo de Oro, pero no se hizo con el galardón. Las crisis de pareja de un seductor nato, van de la comedia al drama.
  31. 1986 - Así es la vida (That's life!). Interesante historia sobre la descomposición de un matrimonio maduro, Jack Lemmon y Julie Andrews. La película no termina de aprovechar sus posibilidades, pero ello no evitó que los actores fuesen nominados al Globo de Oro y la canción a los Óscar. En Argentina, el título se tradujo como Esto es vida.
  32. 1986 - El gran enredo (A fine mess). Fallida comedia de enredo, de escaso éxito, protagonizada por Ted Danson y Howie Mandel. En Argentina, el título se tradujo como Un desparramo memorable.
  33. 1987 - Cita a ciegas (Blind date). Con esta cinta, Edwards recuperó el éxito comercial. Comedia de estructura clásica, protagonizada por Bruce Willis y Kim Basinger, resulta sólida y convincente aunque pudo ser excelente.
  34. 1988 - Sunset (Sunset). Comedia disfrazada de thriller que sufrió un batacazo en las taquillas, protagonizada por Bruce Willis, James Garner, Malcolm McDowell y Mariel Hemingway. La película ganó el Óscar al mejor diseño de vestuario. Edwards tuvo el dudoso honor de ser nominado como Peor director en los Razzies. Idéntica mala fortuna tuvo Mariel Hemingway que fue nominada como Peor actriz de reparto. En Argentina, el título se tradujo como Asesinato en Hollywood.
  35. 1988- Justine Case.
  36. 1989 - Peter Gunn (Peter Gunn). Película para televisión protagonizada por Peter Strauss, Peter Jurasik y Jennifer Edwards. Remake de la serie televisiva homónima de finales de los cincuenta en la que Edwards había trabajado. En 1967, ya había realizado otro remake titulado Gunn.
  37. 1989 - Skin Deep (Skin deep). Comedia de reparto coral cuya cabeza visible es el entrañable John Ritter.
  38. 1991 - Una rubia muy dudosa (Switch). Comedia protagonizada por Ellen Barkin. Este papel le valió una nominación a los Globo de Oro como Mejor actriz en musical o comedia. No muy afortunada.
  39. 1993 - El hijo de la pantera rosa (Son of the pink panther). Comedia protagonizada Roberto Benigni.
  40. 1995 - Victor/Victoria).
Televisión[editar]
  • 2 episodios de la serie Four Star Playhouse de CBS, emitida entre 1952 y 1956. (4 temporadas, 129 episodios).
  • Detective's Holiday, emitido el 4 de marzo de 1953. Sobre un guion de Frederick Brady, basado en una historia original de Octavus Roy Cohen. Fue la primera vez que, como director, se puso detrás de las cámaras.
  • Indian taker, emitido el 28 de enero de 1954. Blake Edwards, además, escribió el guion de este capítulo.
  • 10 episodios de la serie Peter Gunn de la NBC emitida entre septiembre de 1958 y junio de 1962. (3 temporadas, 114 capítulos). Además de dirigir, Edward escribió el argumento de 21 episodios, el guion de 8 y produjo cinco.
  • The Kill. Primer episodio de la serie emitido el 22 de septiembre de 1958. Dirigió un guion propio.
  • Streetcar Jones. Segundo episodio de la serie, emitido el 29 de septiembre de 1958. Guion de Al C. Ward.
  • The Blind Pianist. Cuarto episodio de la serie, emitido el 13 de octubre de 1958. Guion de George W. y Judy George, basado en un argumento de George W. George y Edwards.
  • The Chinese Hangman. Emitido el 27 de octubre de 1958. Guion de Lewis Reed y Vick Knight que desarrolla un guion del propio Edwards.
  • Lynn's Blues. Emitido el 3 de noviembre de 1958. Coguionista junto con Lewis Reed.
  • Rough Buck. Emitido el 10 de noviembre de 1958. Guion de Tony Barrett.
  • Death House Testament. Emitido el 1 de diciembre de 1958. Guion de George y Gertrude Fass, basado en un argumento de George Fass y Edwards.
  • Let's Kill Timothy. Emitido el 19 de enero de 1959. Guion de Lewis Reed, basado en un argumento de Edwards.
  • The Comic. Emitido el 12 de octubre de 1959. Dirigió un guion propio.
  • The Briefcase. Emitido el 14 de diciembre de 1959. Guion de Lester Aaron Pine.
  • 1 episodio de la serie Mr. Lucky de la CBS, emitida entre octubre de 1959 y 1960. (1 temporadas, 34 episodios).
  • The Magnificent Bribe (primer episodio de la serie, emitido el 24 de octubre de 1959. Fue coguionista junto a Arthur A. Ross y, además, escribió el guion.
  • Serie: Julie.
  • Serie: The Dick Powell Show.
Como guionista[editar]
Cine[editar]
  1. 1948 - Imperio del crimen de Lesley Selander. (Edwards y John Champion).
  2. 1949 - Stampede de Lesley Selander. (Edwards y John Champion). Basado en una novela de Edward Beverly Mann.
  3. 1952 - Rainbow 'round my shoulder de Richard Quine. (Edwards y Richard Quine).
  4. 1953 - Marino al agua de Richard Quine. (Edwards y Richard Quine). Esta película fue la última en la que intervino la primera mujer de Edwards, la actriz Patricia Walker, que aparece en el papel de Susie. Patricia, una vez casada, dejó la interpretación.
  5. 1953 - Cruisin' down the river de Richard Quine. (Edwards y Richard Quine).
  6. 1954 - Drive a crooked road de Richard Quine. (Edwards y Richard Quine). Basado en una historia original de James Benson Nablo.
  7. 1955 - Mi hermana Elena (My sister Eileen) de Richard Quine. (Edwards y Quine). Basándose en una historia original de Ruth McKenney, desarrollada por Joseph Fields y Jerome Chodorov.
  8. 1955 - Venga tu sonrisa de Blake Edwards. (Edwards y Robert Quine).
  9. 1956 - He laughed last de Blake Edwards. (Edward y Richard Quine).
  10. 1957 - Operation Mad Ball de Richard Quine. (Edwards, Arthur Carter y Jed Harris). El guion fue nominado para los premios WGA en la categoría de mejor comedia.
  11. 1957 - El temible Mr. Cory de Blake Edwards, basándose en una idea original de Leo Rosten.
  12. 1958 - La pícara edad de Blake Edwards.
  13. 1962 - La misteriosa dama de negro de Richard Quine. (Edwards y Larry Gelbart). Basado en una historia original de Margery Sharp titulada The notorious tenant. El guion estuvo nominado en los premios WGA en la categoría de mejor comedia.
  14. 1963 - La pantera rosa de Blacke Edwards. (Edwards y Maurice Richlin). El guion estuvo nominado en los WGA.
  15. 1964 - A Shot in the Dark de Blake Edwards. (Edwards y William Peter Blatty.
  16. 1965 - La carrera del siglo de Blacke Edwards.
  17. 1967 - Gunn de Blake Edwards, (Edwards y William Peter Blatty).
  18. 1968 - The Party (El guateque en España y La fiesta inolvidable en Hispanoamérica) de Blake Edwards. (Edwards, Tom Waldman y Frank Waldman.
  19. 1970 - Darling Lili de Blake Edwards. (Edwards y William Peter Blatty).
  20. 1971 - Dos hombres contra el Oeste de Blake Edwards.
  21. 1974 - La semilla del tamarindo de Blake Edwards. El guion de Edwards se basa en la novela de Evelyn Anthony.
  22. 1975 - El regreso de la pantera rosa de Blake Edwards. (Edwards y Frank Waldman). El guion fue nominado en los premios WGA al Mejor guion adaptado.
  23. 1976 - La pantera rosa ataca de nuevo de Blake Edwards. (Edwards y Frank Waldman). El guion fue premiado con el WGA al Mejor guion adaptado.
  24. 1977 - La venganza de la pantera rosa de Blake Edwards. (Edwards y Ron Clark).
  25. 1979 - 10. La mujer perfecta de Blake Edwards. (Edwards y Tony Adams). El guion fue nominado a los premios WGA, en la categoría de Mejor guion original de comedia.
  26. 1981 - Sois hOnrados Bandidos de Blake Edwards. Edwards estuvo nominado en los WGA. Paradójicamente, también estuvo entre los candidatos a Peor guion en los Razzie.
  27. 1982 - Tras la pista de la pantera rosa. (Edwards y su hijo: Geoffrey Edwards).
  28. 1982 - Victor Victoria de Black Edwards. (Edwards y Hans Hoemburg). La película es un remake de la película alemana de 1933 Viktor und Viktoria de Rheinhold Schünzel, por tanto, el guion se basaba en el guion de ésta. El guion ganó el WGA al Mejor guion adaptado y el David di Donatello al mejor guion de película extranjera. Además, nominados al Óscar al mejor guion adaptado.
  29. 1983 - Mis problemas con las mujeres de Blake Edwards, (Edwards, Geoffrey Edwards, y Milton Wexler).
  30. 1983 - La maldición de la pantera rosa de Blake Edwards. (Edwards y Geoffrey Edwards).
  31. 1984 - Ciudad muy caliente (Hot City) de Richard Benjamin.
  32. 1986 - Así es la vida de Blake Edwards. (Edwards y Milton Wexler).
  33. 1986 - El gran enredo de Blake Edwards. (Edwards basándose en una historia original de Rodney Amateau).
  34. 1988 - Asesinato en Beverly Hills de Blake Edwards.
  35. 1989 - Skin Deep de Blake Edwards.
  36. 1989 - Peter Gunn de Blake Edwards.
  37. 1991 - Switch de Blake Edwards.
  38. 1993 - El hijo de la pantera rosa de Blake Edwards. El guion lo escriben Edwards, Madeleine y Steven Sunshine, basándose en una historia original de Edwards y en la biblia (caracteres) de la serie de Edwards y Maurice Richlin.
Televisión[editar]
  • 5 episodios de la serie Four Star Playhouse de la CBS, emitida entre 1952 y 1956. (4 temporadas, 129 episodios).
  • Welcome home, emitido el 20 de noviembre de 1952, dirigido por Robert Florey.
  • Trail's end, emitido el 29 de enero de 1953, dirigido por Robert Florey.
  • The hard way, emitido el 10 de septiembre de 1953, dirigido por Robert Aldrich.
  • The squeeze, emitido el 1 de octubre de 1953, dirigido por Robert Aldrich.
  • Indian taker, emitido el 28 de enero de 1954. Blake Edwards, además, dirigió este captítulo.
  • 8 capítulos de la serie Peter Gunn de la NBC emitida entre septiembre de 1958 y junio de 1962. (3 temporadas, 114 capítulos). Además de guionista, Edward escribió el argumento de 21 episodios, produjo 5 episodios y dirigió diez.
  • The kill. Primer capítulo de la serie, emitido el 22 de septiembre de 1958. Además de escribir el guion, lo dirigió.
  • The vicious dog. Emitido el 6 de octubre de 1958. El episodio lo dirigió David O. McDearmon.
  • The frog Emitido el 20 de octubre de 1958. El capítulo lo dirigió David O. McDearmon.
  • Lynn's blues Emitido el 3 de noviembre de 1958. Edwards fue coguionista junto a Lewis Reed. Además de escribir el guion, también dirigió el episodio.
  • Image of Sally. Emitido el 17 de noviembre de 1958. Edwards fue coguionista junto a Lewis Reed. El capítulo lo dirigió David O. McDearmon.
  • The Missing night watchman. Emitido el 26 de enero de 1959. El episodio lo dirigió Boris Sagal.
  • Murder on the migway. Emitido el 2 de febrero de 1959. Coguionista junto a P.K. Palmer. El episodio lo dirigió David O. McDearmon.
  • The comic. Emitido el 12 de octubre de 1959. Además de escribir el guion, lo dirigió.
Además, firmó la historia original de 21 capítulos:
  1. The rifle.
  2. The price is murder.
  3. Kidnap.
  4. The feathered doll.
  5. The family affair.
  6. Death Is a red rose.
  7. The wolfe case.
  8. Spell of murder.
  9. Send a thief.
  10. The maitre D'.
  11. The hunt.
  12. See no evil.
  13. The grudge.
  14. Edie finds a corpse.
  15. Pecos Pete.
  16. The blind pianist.
  17. The chinese hangman.
  18. Death house testament.
  19. Story let's kill Timothy.
  20. The man with the scar.
  21. Murder on the midway.
  • 1 capítulo de la serie Mr. Lucky de la CBS, emitida entre octubre de 1959 y 1960. (1 temporadas, 34 episodios).
  • The magnificent bribe (primer capítulo de la serie, emititdo el 24 de octubre de 1959. Fue coguionista junto a Arthur A. Ross y, además, dirigió el capítulo.
Productor[editar]
Cine[editar]
  1. 1948 - Imperio del crimen de Lesley Selander. (Producen Champion y Blake Edwards).
  2. 1949 - Stampede de Leslie Selander. (Producen Champion y Blake Edwards).
  3. 1962 - Chantaje contra una mujer de Blake Edwards. (Intervino también Don Peters como productor asociado).
  4. 1964 - El nuevo caso del inspector Clouseau de Blake Edwards. (Edwards Dick Crockett y Martin Jurow.
  5. 1965 - La carrera del siglo de Blacke Edwards.
  6. 1966 - ¿Qué hiciste en la guerra, papi? de Blake Edwards.
  7. 1966 - El nuevo caso del inspector Clouseau de Blake Edwards. (Edwards, Cecil F. Ford y Lelan Hayward).
  8. 1967 - Gunn de Blake Edwards. (Produce Owen Crump. Edwards participa como productor ejecutivo).
  9. 1968 - El guateque de Blake Edwards. (Produce Edwards y Ken Wales toma parte como productor asociado).
  10. 1970 - Darling Lili de Blake Edwards. (Produce Edwards y toman parte: Ken Wales, como productor asociado, y Owen Crump, como productor ejecutivo.
  11. 1971 - Dos hombres contra el Oeste de Blake Edwards. (Edwards, Ken Wales y Jerry Goldsmith).
  12. 1975 - El regreso de la pantera rosa de Blake Edwards. Edwards obtuvo el BAFTA a la Mejor Comedia.
  13. 1976 - La pantera rosa ataca de nuevo de Blake Edwards. Edwards obtuvo el BAFTA a la Mejor Comedia.
  14. 1977 - La venganza de la pantera rosa de Blake Edwards. Edwards obtuvo el BAFTA a la Mejor Comedia.
  15. 1979 - 10, la mujer perfecta de Blake Edwards. (Edwards y Tony Adams). La película fue nominada al Globo de Oro como Mejor película musical o comedia.
  16. 1981 - Sois hOnrados Bandidos de Blake Edwards. (Edwards y Tony Adams). La película estuvo nominada a los Globo de Oro como Mejor musical o comedia.
  17. 1982 - Tras la pista de la pantera rosa. (Edwards y Tony Adams).
  18. 1982 - Victor Victoria de Black Edwards. (Edwards y Tony Adams. Productor Ejecutivo: Gerald T. Nutting). Victor Victoria ganó el César a la Mejor película extranjera y estuvo entre las nominadas que optaron al Globo de Oro.
  19. 1983 - Mis problemas con las mujeres de Blake Edwards. (Edwards y Tony Adams. Productor Ejecutivo: Jonathan D. Krane y Gerald T. Nutting).
  20. 1983 - La maldición de la pantera rosa de Blake Edwards. (Edwards y Tony Adams. Productor Ejecutivo: Jonathan D. Krane y Gerald T. Nutting).
Televisión[editar]
  • 5 episodios de la serie Peter Gunn de la NBC emitida entre septiembre de 1958 y junio de 1962. (3 temporadas, 114 capítulos). Además de productor, Edward escribió el argumento de 21 episodios, el guion de 8 y dirigió diez.
  1. The blind pianist.
  2. The vicious dog.
  3. Streetcar Jones.
  4. The kill'.
  5. The chinese hangman.
Premios y reconocimientos[editar]
Edwards recibía el Oscar Honorífico a toda su carrera 2004

Como director[editar]
Premios[editar]
Nominaciones[editar]
Antipremios[editar]
Como guionista[editar]
Premios[editar]
Nominaciones[editar]
Antipremios[editar]
Como productor[editar]
Premios[editar]
Nominaciones[editar]
 
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Howard Hawks (1896-1977)

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Howard Winchester Hawks (Goshen, 30 de mayo de 1896-Palm Springs, 26 de diciembre de 1977) fue un director, guionista y productor estadounidense. En su amplia filmografía, que incluyó cine negro, películas del oeste y comedias, entre otras, se cuentan numerosas películas premiadas con premios Óscar, entre otros galardones. Sin embargo, solo obtuvo una nominación y un Óscar honorífico en 1975.

Índice
Biografía[editar]
Nació el 30 de mayo de 1896 en Goshen (Indiana). Provenía de una de las familias más adineradas del mid west o medio oeste. Fue el mayor de los cinco hijos que llegaron a tener Frank Winchester Hawks (1865–1950), un rico fabricante de papel, y Helen Brown (1872–1952), hija de un próspero industrial. Por la rama paterna descendía de John Hawks, un inglés emigrado a Massachusetts en 1630.

En 1898 la familia se trasladó desde Goshen (Indiana) a Neenah (Wisconsin), donde el padre comenzó a trabajar para la compañía papelera de su suegro. Entre 1906 y 1909 la familia comenzó a pasar más tiempo en Pasadena (California) porque los fríos inviernos de Wisconsin minaban la frágil salud de la madre. Poco a poco comenzaron a pasar solo sus veranos en Wisconsin antes de mudarse permanentemente a Pasadena en 1910. Allí el padre empezó a trabajar como vicepresidente de una importante cadena californiana de hoteles; también tenían naranjales en Glendora. Los hijos comenzaron a asistir a su Escuela Primaria Politécnica, y aunque Howard era un estudiante promedio y sin excesivo interés por los deportes (hasta que descubrió la aviación y las carreras de coches), fue enviado después a la Academia Preparatoria Phillips de Exeter (New Hampshire) de 1913 a 1914, una institución elitista en la que seguramente fue aceptado, pese a su edad no adecuada, por la riqueza de su familia. Ya por entonces era un lector compulsivo de narrativa y un habitual espectador de los teatros cercanos a Boston.

Destacó como tenista, ganando a los dieciocho años el Campeonato Junior de Tenis de los Estados Unidos y en ese mismo año fue aceptado en la Universidad de Cornell (Ithaca, Nueva York), donde fue miembro de la hermandad Delta Kappa Epsilon y se especializó en ingeniería mecánica. Durante las vacaciones de verano de 1916, y gracias a sus conocimientos de arquitectura moderna, empezó a trabajar como ayudante de atrezzo en la industria cinematográfica para sacarse algún dinero (en los estudios Famous Players-Lasky, rama de producción de la Paramount) y quedó absolutamente prendado por este negocio; con el propósito de seguir en él intentó inútilmente traspasar su expediente a la Universidad de Stanford, así que tuvo que regresar a Cornell en septiembre.

Cuando Estados Unidos entró en la Primera Guerra Mundial se enroló en el ejército (abril de 1917), pero no llegó a viajar a Europa: su experiencia como experto en diseño de motores de aviación y automoción hacía más conveniente dejarlo en Estados Unidos y le ordenaron trabajar en Texas como instructor de vuelo. Empleó estas experiencias luego para sus futuras películas bélicas de aviación como The Dawn Patrol (1930). Para recompensar los servicios prestados recibió, como otros muchos estudiantes que habían dejado la universidad para enrolarse en la guerra, una titulación universitaria honorífica (1918), pero a fines de 1917 ya había vuelto a trabajar en Hollywood, ascendido a ayudante de dirección y bajo la protección de su amiga, la actriz Mary Pickford, en una película de Cecil B. De Mille. Su afición por la mecánica y las carreras de coches (su abuelo le había comprado un bólido con el cual corrió profesionalmente desde los diecisiete años hasta los veinte, y además había diseñado una avioneta) le hizo conocer allí a numerosas estrellas de entonces; en 1916, por ejemplo, entabló amistad con Victor Fleming, futuro director de Lo que el viento se llevó y por entonces director de fotografía. Fleming había sido mecánico de automóviles y aviador y ambos se conocieron al chocar durante una carrera. Este lo recomendó como ayudante en la película de Douglas Fairbanks en que trabajaba, In Again, Out Again, y ese fue su primer trabajo importante. Luego fue ayudante y asistente general en una de las cinco películas que por entonces dirigía Cecil B. De Mille (director del que dijo aprendió lo que no había que hacer, mientras que por el contrario admiraba y estudiaba las películas de "Jack" John Ford). Siguió con De Mille a fines de abril de 1917, cuando rodaba The Little American, y luego estuvo en The Little Princess, una película de Mary Pickford dirigida por Marshall Neilan. Según Hawks, como Neilan no se presentó a trabajar un día (estaba borracho), se ofreció a dirigir unas escenas él mismo y a Pickford le gustaron.

Hawks había comenzado, pues, a dirigir a los 21 años. De nuevo volvió a formar equipo con Pickford y Neilan en Amarilly de Clothes-Line Alley antes de unirse al Servicio Aéreo del Ejército de los Estados Unidos, desempeñándose, como se ha dicho, como instructor de vuelo en Texas. Salió del armisticio con la graduación de teniente segundo, sin haber participado en el servicio activo. Ansioso de volver a Hollywood, se mudó allí con su hermano Kenneth, que también era un excelente jugador de tenis (ganó a Bill Tilden) y había servido al igual que Howard en la Fuerza Aérea y se había graduado en la Universidad de Yale en 1919. Ambos amistaron de inmediato con el director Allan Dwan. Por desgracia su hermano apenas pudo hacer una película como director (Big time, de 1929) antes de fallecer en un accidente de aviación en 1930 en pleno rodaje de la segunda. Hawks consiguió su primer trabajo importante cuando usó la fortuna de su familia para prestarle fondos al jefe de estudio Jack L. Warner; este correspondió contratando a Hawks como productor para "supervisar" la realización de una nueva serie de comedias de solo un rollo protagonizada por el comediante italiano Monty Banks. Hawks declaró más tarde que él personalmente dirigió "tres o cuatro" de esos cortos, aunque no existe documentación que lo confirme. Las películas fueron rentables, pero Hawks se fue enseguida para formar su propia compañía de producción utilizando la fortuna y los contactos de su familia para asegurar la financiación. Esa productora, Associated Producers, fue una empresa conjunta entre Hawks, Allan Dwan, Marshall Neilan y el director Allen Holubar, y firmó un acuerdo de distribución con First National. La compañía realizó 14 películas entre 1920 y 1923; 8 fueron dirigidas por Neilan, 3 por Dwan y 3 por Holubar. Pero estos cuatro hombres se separaron en 1923 ("todos ellos se echaron novia, y ese fue el final"), precisamente el año en que Hawks decidió que quería dirigir en vez de producir.

Desde 1922 trabajaba como guionista para la Paramount e intervino en unos sesenta guiones, por lo general sin aparecer en los créditos. Vivía de alquiler con algunos ruidosos vecinos y amigos, casi todos machistas y temerarios: su hermano Kenneth Hawks, Victor Fleming, Jack Conway, Harold Rosson, Richard Rosson, Arthur Rosson y Eddie Sutherland. Durante este tiempo, Hawks conoció a Irving Thalberg, el productor vicepresidente de la Metro-Goldwyn-Mayer, al que los Hawks admiraban. En 1923 Thalberg sugirió a Jesse Lasky, presidente de Famous Players-Lasky, que contratara a Hawks como nuevo editor de producción. Hawks aceptó y fue puesto inmediatamente a cargo de más de 40 producciones, entre ellas adaptaciones de Joseph Conrad, Jack London, Rex Beache y Zane Grey. Hawks trabajó en los guiones de todas las películas producidas, pero solo salió por primera vez en los créditos como guionista en 1924 en Tiger Love. Firmó un nuevo contrato con Famous-Players en otoño de 1924, pero lo rompió para trabajar como guionista para Thalberg en MGM a cambio de que este le consiguiera un puesto de director antes de un año. En 1925, cuando Thalberg dudó sobre esta promesa, Hawks rompió su contrato con MGM y se fue. Por entonces Hawks admiraba y había estudiado la obra de los directores Ernst Lubitsch, John Ford y Leo McCarey.


Howard Hawks en 1929 o 1930
En 1930 Hollywood estaba agitado por la llegada del cine sonoro; muchas carreras de actores y directores se fueron al garete. Los estudios de Hollywood estaban empezando a contratar a actores y directores de teatro porque los creían más adecuados para las películas sonoras. A pesar de haber trabajado en la industria durante catorce años y de haber dirigido muchas películas exitosas, Hawks tuvo que demostrar de nuevo su valor. Haber abandonado la Fox no había ayudado a su reputación, pero Hawks nunca se retractó de sus peleas con los jefes del estudio; tras varios meses de paro reanudó su carrera con su primera película sonora en 1930. Era The Dawn Patrol, sobre una historia original de John Monk Saunders y (extraoficialmente) Hawks. Se ha dicho que Hawks pagó a Saunders para que pusiera su nombre a la película para ocultar su faceta de director que también hacía el guion. Fue su primera película sobre aviación y Hawks contrató con astucia a muchos de los expertos en aviación y camarógrafos que Howard Hughes usaba en otro proyecto sobre cine de aviación, entre ellos Elmer Dyer, Harry Reynolds e Ira Reed. Cuando Hughes se enteró, hizo lo que pudo para sabotear The Dawn Patrol; finalmente abandonó la demanda a fines de 1930, puesto que durante la batalla legal él y Hawks habían terminado por convertirse en buenos amigos. El rodaje finalizó a fines de mayo de 1930 y se estrenó en julio, estableciendo un récord de taquilla en la primera semana en el Winter Garden Theatre de Nueva York. Fue uno de los mayores éxitos de 1930. Con esta película se ganó el respeto de la industria y pudo pasar el resto de su carrera como director independiente sin la necesidad de firmar ningún contrato a largo plazo con estudios específicos.


Osgood Perkins y Paul Muni en Scarface, (1932)
Como Hawks no se llevaba bien con el ejecutivo de la Warner Hal B. Wallis, su contrato le permitió ser prestado a otros estudios. Por ejemplo, aceptó una oferta de dirección de Harry Cohn para Columbia Pictures. La película se estrenó en enero de 1931 y fue un éxito, aunque fue prohibida en Chicago. En 1930 Howard Hughes contrató a Hawks para dirigir Scarface, una película de gángsters basada en la vida del mafioso de Chicago Al Capone. La película se terminó en septiembre de 1931, pero la censura del Código Hays impidió que se lanzara como se había previsto; Hughes y Hawks llegaron a un acuerdo con la Oficina de Hays y la película se estrenó en 1932 tras otras películas fundamentales de gangsters como The Public Enemy y Little Caesar. Scarface fue la primera película en la que Hawks trabajó con el guionista Ben Hecht, quien se convirtió en un amigo y colaborador asiduo durante veinte años.

Regresó entonces a First National para cumplir su contrato, esta vez con el productor Darryl F. Zanuck; ahora quería hacer un filme sobre su pasión infantil: las carreras de autos. Hawks desarrolló el guion de The Crowd Roars con Seton Miller para su octava y última colaboración y empleó a verdaderos pilotos de carreras en la película, incluido el ganador en 1930 de las 500 millas de Indianápolis, Billy Arnold. La película fue estrenada en marzo y se convirtió en un éxito.

Más tarde, en 1932, dirigió Tiger Shark / Pasto de tiburones, protagonizada por Edward G. Robinson, una película sobre la pesca del atún. En estas primeras películas, Hawks creó el prototipo del "hombre hawksiano", que el crítico de cine Andrew Sarris describió como "formado por un profesionalismo instintivo". Tiger Shark demostró la habilidad de Hawks para incorporar pinceladas de humor en paisajes dramáticos, tensos e incluso trágicos. En 1933 firmó un contrato de tres películas para la Metro-Goldwyn-Mayer. La primera fue Today We Live (1933) sobre la Primera Guerra Mundial e inspirada en un cuento de su futuro amigo, el novelista William Faulkner. Las siguientes dos películas de Hawks para MGM fueron el drama de boxeo The Prizefighter and the Lady y Viva Villa!. Pero las interferencias del estudio en ambas películas llevaron a Hawks a abandonar su contrato de MGM sin completar ninguna de estas dos películas.

En 1934, Hawks fue a Columbia Pictures para hacer su primera comedia, Twentieth Century, protagonizada por John Barrymore y una prima lejana de los Hawks, Carole Lombard. Se basaba en una pieza teatral de Ben Hecht y Charles MacArthur y, junto con Sucedió una noche de Frank Capra, lanzada ese mismo año, se considera que es la película que define el género de la comedia de enredo. En 1935, Hawks hizo Barbary Coast con Edward G. Robinson y Miriam Hopkins. Hawks colaboró con Hecht y MacArthur en Barbary Coasty. En 1936, realizó la aventura de aviación Ceiling Zero con James Cagney y Pat O'Brien. También en 1936 Hawks comenzó a filmar Come and Get It, protagonizada por Edward Arnold, Joel McCrea, Frances Farmer y Walter Brennan; pero fue despedido por Samuel Goldwyn en medio del rodaje y la película fue terminada por William Wyler.

En 1938 Hawks hizo la comedia Screwing Up Baby / La fiera de mi niña para RKO Pictures, protagonizada por Cary Grant y Katharine Hepburn, calificada como "la comedia más loca de las comedias locas" por el crítico de cine Andrew Sarris. Grant interpreta a un paleontólogo miope que sufre una humillación tras otra debido al gafe de Hepburn, la cual hace de mujer hawksiana, esto es, mujer de carácter hombruno. Se trata de la aplicación de uno de los viejos recursos de la comedia clásica: la inversión de los géneros: hombres apocados y mujeres lanzadas. La dirección artística de Hawks giró en torno a la química natural entre Grant y Hepburn. Con Grant retratando al paleontólogo y a Hepburn como una heredera, los caracteres se suman al propósito de desintegrar la línea entre lo real y lo imaginario. Fue un fracaso de taquilla cuando se lanzó inicialmente y luego RKO despidió a Hawks por las extremas pérdidas; sin embargo, la película fue ganando con el tiempo y se ha convertido en un clásico, una de las obras maestras de Hawks. Hawks realizó luego el drama de aviación Only Angels Have Wings / Solo los ángeles tienen alas, protagonizado por Cary Grant (1939) para Columbia Pictures, protagonizado por Jean Arthur, Thomas Mitchell, Rita Hayworth y Richard Barthelmess.


Cary Grant, Rosalind Russell y Ralph Bellamy en Luna nueva (1940)
En 1940, Hawks regresó al género de la comedia screwball o comedia loca con His Girl Friday / Luna nueva, protagonizada por Cary Grant y Rosalind Russell. La película adaptaba el éxito de Broadway The Front Page de Ben Hecht y Charles MacArthur, ya filmada en 1931 y también refundida por esos mismos guionistas y trasplantada a la India de Rudyard Kipling en Gunga Din (1939). Sin olvidar la influencia que Jesse Lasky tuvo en su carrera temprana, en 1941 Hawks hizo Sargento York, protagonizado por Gary Cooper como un granjero pacifista por motivos religiosos que se convierte en un condecorado soldado de la Primera Guerra Mundial. Hawks dirigió la película y eligió a Cooper como favor específico para Lasky. Resultó ser la película de mayor recaudación de 1941 y ganó dos Premios de la Academia (mejor actor y mejor edición), además de valerle a Hawks su única nominación a mejor director. Más tarde en ese mismo año, Hawks trabajó con Cooper nuevamente para Ball of Fire, que también protagonizó Barbara Stanwyck. La película fue escrita por Billy Wilder y Charles Brackett y es una versión lúdica de Blancanieves y los siete enanitos. Cooper interpreta a un lingüista muy intelectual y casero que está escribiendo una enciclopedia con otros seis científicos, y contrata a Stanwyck en la calle para ayudarlos a incluir los modismos de la jerga moderna, que desconocen. En 1941, Hawks comenzó a trabajar en la película The Outlaw, producida (y luego dirigida) por Howard Hughes, basada en la vida de Billy el Niño y protagonizada por Jane Russell. Hawks completó el rodaje inicial de la película a principios de 1941; pero, debido a su perfeccionismo y a las batallas que hubo de sostener con el Código de Producción de Hollywood, Hughes continuó y concluyó la película y la montó hasta que en 1943 finalmente pudo ser estrenada sin que Hawks figurara en los créditos como director.


Hawks y Lauren Bacall, 1943
Después de la película Air Force sobre la Segunda Guerra Mundial en 1943, protagonizada por John Garfield, Hawks hizo dos películas con los amantes en la vida real Humphrey Bogart y Lauren Bacall. La primera fue To Have and Have Not / Tener y no tener (1944), también con la interpretación estelar de Walter Brennan, sobre una novela de Ernest Hemingway, del que Hawks era amigo íntimo; de hecho, había apostado con él sobre que podría hacer una buena película con el "peor libro" escrito por Hemingway. Hawks, William Faulkner y Jules Furthman colaboraron en el guion sobre un capitán de un barco pesquero estadounidense que trabajaba en la Martinica francesa, en pleno Caribe, con el cual se interferían varias situaciones de espionaje tras la caída de Francia en 1940. Bogart y Bacall se enamoraron en el set de la película y se casaron poco después. To Have and Have Not ha sido criticada por torpe y aburrida en general, pero ha sido alabada por su trama romántica y por su parecido a Casablanca. Se ha dicho que la mayor fortaleza de la película proviene de su atmósfera y del ingenioso diálogo que realmente juega con el poder seductor de Lauren Bacall. Hawks volvió a actuar en equipo con Bogart y Bacall en 1946 con The Big Sleep / El sueño eterno, basado en la novela policiaca homónima sobre el detective Philip Marlowe de Raymond Chandler.

Tráiler de Río Rojo (en inglés)
En 1948 Hawks hizo Red River / Río rojo, un western épico que recuerda al Mutiny on the Bounty / El motín del Bounty, protagonizada por un monumental John Wayne y por Montgomery Clift en su primera película. Un poco más tarde en ese año, Hawks rehízo su película anterior Bola de fuego como A Song Is Born, esta vez protagonizada por Danny Kaye y Virginia Mayo. Pero aunque esta versión sigue la misma trama, presta más atención a la música, incluyendo a leyendas del jazz como Tommy Dorsey, Benny Goodman, Louis Armstrong, Lionel Hampton y Benny Carter interpretándose a ellos mismos. En 1949, Hawks volvió a hacer equipo con [[Cary Grant en la comedia loca o screwball I Was a Male War Bride, también protagonizada por Ann Sheridan.

En 1951 Hawks produjo y, según algunos, dirigió además su única película de ciencia ficción, Thing From Another World / El enigma de otro mundo, sobre un relato de John W. Campbell. Según John Carpenter, quien dirigió una célebre refactura o remake posterior, es indudable que la dirigió: "Aclaremos el dato: fue dirigida por Howard Hawks, auténticamente dirigida por Howard Hawks: dejó que su editor, Christian Nyby, firmara la acreditación, pero el tipo de relación entre sus personajes masculinos, su camaradería, ese grupo de hombres que tiene que luchar contra el mal, todo eso es puramente hawksiano". Siguió a esta el western The Big Sky (1952), protagonizada por Kirk Douglas. Más tarde, en 1952, Hawks trabajó con Cary Grant por quinta y última vez en la comedia Monkey Business, que también protagonizaron Marilyn Monroe y Ginger Rogers. Grant interpreta a un científico (lo que recuerda a su personaje en Bringing up Baby / La fiera de mi niña) creador de una fórmula que aumenta su vitalidad. El crítico de cine John Belton llamó a la película Hawks "la comedia más orgánica". Su tercera película de 1952 fue una contribución a la "película ómnibus" O. Henry's Full House, que incluye diversos cuentos del famoso escritor O. Henry filmados por varios directores. El cortometraje de Hawks, "The Ransom of Red Chief", está protagonizado por Fred Allen, Oscar Levant y Jeanne Crain.


Marilyn en una mítica escena de Los caballeros las prefieren rubias (1953), que la cantante Madonna recrearía en su video musical de Material Girl.
En 1953, Hawks creó Gentlemen Prefer Blondes / Los caballeros las prefieren rubias, una comedia en la que Marilyn Monroe cantó el famoso número de "Los diamantes son los mejores amigos de una chica". La protagonizaban ella y Jane Russell como dos cabareteras en busca del éxito; según la crítica, es la única versión femenina del célebre género buddy film o "película de amigos". En 1955, Hawks se singularizó al cambiar completamente de registro y filmar una película atípica, el drama histórico Tierra de faraones, una sombría meditación sobre el poder y la ambición vacía en forma de epopeya de espada y desierto en el antiguo Egipto, protagonizada por Jack Hawkins como Keops, Alexis Minotis como el sumo sacerdote Hamar y Joan Collins como la intrigante segunda esposa del faraón Nélifer. La película fue la colaboración final de Hawks con su viejo amigo William Faulkner poco antes de la muerte del novelista. En 1959, Hawks volvió a trabajar con John Wayne en Río Bravo, también protagonizada por Dean Martin, Ricky Nelson y Walter Brennan como cuatro hombres de la ley que "defienden el fuerte" de la cárcel local, en la que un poderoso delincuente está esperando juicio mientras su familia trata de sacarlo. Sobre su carácter el crítico de cine Robin Wood ha dicho que si se le pidiera que eligiese una película que justificase la existencia de Hollywood, sería esta. Y es verdad que expone casi todas las virtudes del clasicismo cinematográfico estadounidense.

En 1962, Hawks hizo Hatari!, otra vez con John Wayne, quien interpreta a un cazador de animales salvajes en África. Los conocimientos de ingeniería mecánica de de Hawks le permitieron construir un híbrido de cámara y auto que le permitió filmar con brío las escenas de caza. También destaca la banda sonora de Henri Mancini, de la que se hizo justamente famosa El paseo del bebé elefante. En 1964, Hawks concluyó su última comedia, Man's Favorite Sport?, protagonizada por Rock Hudson ya que Cary Grant se descartó por creerse demasiado viejo para el papel, y Paula Prentiss. Hawks regresó luego a su infantil pasión por las carreras automovilísticas con Red Line 7000 (1965), con un joven James Caan en su primer papel principal.

Las dos últimas películas de Hawks fueron remakes de sus westerns. Refundió la Río Bravo protagonizada por John Wayne en 1966 dirigiendo El Dorado, añadiendo al mismo Wayne a Robert Mitchum y a James Caan; fue estrenada el año siguiente. Luego hizo Río Lobo con Wayne (1970). Aún tenía el proyecto de adaptar un texto de Ernest Hemingway y filmar Now, Mr. Gus, una comedia sobre dos amigos varones que buscan petróleo y dinero, pero falleció en diciembre de 1977 antes de completar este proyecto.

Hawks murió el 26 de diciembre de 1977 en Palm Springs (California), a la edad de 81 años, debido a complicaciones derivadas de una caída cuando tropezó con su perro. Cuando ya había pasado dos semanas en el hospital recuperándose de su conmoción cerebral, pidió que lo llevaran a su casa y falleció allí unos días después. Estaba trabajando con su último descubrimiento, la actriz Larraine Zax.

Tuvo tres matrimonios: el primero con Athole Shearer (1928-1940), el segundo con Nancy Gross (1941-1947) y el tercero con Dee Hartford (1953-1959). Su primera esposa era hermana de Norma Shearer.

Antes de entrar en el mundo del cine fue piloto de aeroplano y corredor de coches. En Red Line 7000 homenajea este mundo de las carreras de coches, y en Sólo los ángeles tienen alas ofrece una visión menos romántica y más realista del mundo de los aviones en los años 30.

Estilo cinematográfico[editar]

Howard Hawks
Hawks ha dirigido películas desde 1926 (The Road to Glory) hasta 1970 (Río Lobo); un total de 47, de casi todos los géneros, pues era sumamente versátil. Cuando dirigía poseía un control absoluto de todos los aspectos de la producción y la dirección, y también intervenía en todos los guiones. Su definición de una buena película es típica de su mente funcional: "Tres grandes escenas, ninguna mala". También dejó dicho que de los diez mandamientos del cine los nueve primeros eran "entretener, entretener y entretener". Definió al buen director como "el que no te molesta", es decir, el que no se sale del meollo de la escena. En sus propias palabras, su estilo de dirección se basa en "ser agradable y directo". Le gustaba subvertir los géneros, pues para él no los había puros: mezclaba escenas de distinto tipo. Se centraba mucho en los actores y se propuso tomar la menor cantidad de tomas para preservar así la naturalidad en la interpretación.

Aunque no simpatizaba con el feminismo, popularizó un arquetipo de mujer independiente y fuerte, algo que nunca se había hecho en la década de 1920 y por lo tanto se consideraba una rareza; acaso tenía en ello parte la inversión cómica de los roles sexuales. Sin puntos débiles, cuidaba el ingenio de sus diálogos y su fuerte era la habilidad narrativa y la dirección de actores, encontrar química entre ellos; en los filmes de Hawks domina intensamente la camaradería masculina y el sentido del honor. Orson Welles, en una entrevista con Peter Bogdanovich, dijo de Howard Hawks, en comparación con John Ford, "es una gran prosa; Ford es poesía". A pesar del trabajo de Hawks en una variedad de géneros de Hollywood, conservaba una sensibilidad independiente. El crítico de cine David Thomson escribió sobre Hawks: "Lejos de ser un manso proveedor de formas hollywoodenses, siempre eligió darles la vuelta. To Have and Have Not y The Big Sleep, aparentemente una aventura y un thriller, son realmente historias de amor. Rio bravo, al parecer un western donde todo el mundo usa sombrero de vaquero, posee diálogos de comedia. Sus comedias están ostensiblemente llenas de emociones fuertes, con los puntos de vista más sutiles sobre la guerra de sexos, y ofrecen un reconocimiento irónico de la incompatibilidad entre hombres y mujeres". David Boxwell argumenta que la mayor parte de la obra del cineasta ha sido acusada de ofrecer mero entretenimiento, un escapismo histórico y adolescente, pero los fanáticos de Hawks se regocijan viendo cómo su obra se evade de los corsés de la religiosidad, el conformismo doméstico, el patriotismo y el sentimentalismo propios de Hollywood.

Trabajó en 23 guiones, de los que, sin embargo, no dirigió: Quicksands, Tiger Love, The Dresmaker From Paris, The Road to Yeserday, Honesty - The Best Policy, Underworld (no acreditado), Viva Villa! (no acreditado), Test Pilot, Indianapolis Speedway, The Outlaw (no acreditado ni en el guion ni en la dirección) y The Thing From Another World (no acreditado ni en el guion ni en la dirección); el resto de sus guiones los dirigió él.

Produjo 21 películas: la primera es Quicksands, en 1923, para Jack Conway, que también escribió Corvette K-225, para Richard Rosson; el resto son producciones de sus propias películas, por lo que tuvo un control sobre ellas que no solían tener otros directores de Hollywood.

Considerado por la industria americana como un artesano, fueron los europeos de Cahiers du Cinéma los que “descubrieron” para los americanos los valores de Hawks hasta llegar a ser considerado como uno de los más grandes directores de cine de todos los tiempos. Hawks sobresalió en todos los géneros y, en los que tocó más asiduamente, consiguió obras maestras consideradas entre las mejores.

Género “Cine negro”: Criminal Code, Scarface; To Have and Have Not, en la que dignifica a Ernest Hemingway; The Big Sleep, novela de Raymond Chandler y guion de William Faulkner.

Comedias: Bringin Up Baby (La fiera de mi niña): maravillosa pareja protagonista formada por Cary Grant y Katharine Hepburn; His Girl Friday, segunda versión de Primera Plana, en la que cambia el personaje de hombre a mujer; Ball Of Fire, I Was a Male War Bride, Gentlemen Prefer Blondes.

Oeste: la saga de los ríos: Río Rojo, Río Bravo, Río Lobo (su última película). Además, Red Line 7000 (sobre carreras de coches), Hatari!, sobre captura de animales salvajes en África, Land of the Pharaohs, con una alta carga política, y hace una incursión en el género de terror / ciencia ficción con The Thing From Another World.

En dos ocasiones se copió a sí mismo: El Dorado, sobre Río Bravo y A Song Is Born, sobre Ball of Fire, en la que consiguió una vis cómica de Gary Cooper.

Se cuenta que John Ford, amigo de Hawks, después de haber visto Río Rojo y refiriéndose a John Wayne, dijo: "Nunca pensé que este hijo de p*ta supiera actuar"; de hecho, a partir de esta película, John Ford le da más profundidad a los personajes de Wayne, cosa que antes no había hecho, ya que eran totalmente planos.

Unas de sus premisas de trabajo era que la cámara siempre tenía que estar a la altura de los hombres, y que el espectador no debía ser consciente de su movimiento. Esto le proporcionaba un estilo en apariencia muy sencillo, pero a la vez muy difícil de ejecutar.

A pesar de haber hecho un puñado de las mejores películas de la historia del cine, no ganó ningún Óscar. Solo estuvo nominado en 1942 por El sargento York y recibió un Óscar honorífico por el conjunto de su carrera en 1975.

Filmografía[editar]
Artículo principal: Anexo:Filmografía de Howard Hawks
Como director[editar]
 
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