De la materia de los sueños. In memóriam.

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Muere el creador de ‘Scooby-Doo’, Joe Ruby
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El responsable de dar vida a la mítica ficción ha fallecido a los 87 años por causas naturales




Los personajes de 'Scooby-Doo', la serie cuyo creador, Joe Ruby, ha fallecido (ARCHIVO)

EFE, LOS ÁNGELES
28/08/2020 08:40 | Actualizado a 28/08/2020 09:58

Joe Ruby, el creador de Scooby-Doo , murió este jueves en California (EE.UU.) a los 87 años por causas naturales, dejando como legado una serie de dibujos infantiles que ha trascendido generaciones con adaptaciones en televisión, cine, cómics y videojuegos.

Ruby fue el responsable de crear la mítica ficción junto a Ken Spears en 1969 para los estudios Hanna-Barbera, donde también trabajaron en formatos como Dynomutt y Jabberjaw, además de otras series que produjeron para la televisión estadounidense: Mister T, Alvin and the Chipmunks, y Superman.

Unos jóvenes Shaggy y Scooby-Doo (Warner Bros)

Ruby comenzó su carrera en la animación como técnico de Walt Disney Productions, hasta que fichó por Hanna-Barbera Productions, donde conoció a Spears.

Allí estrenaron en 1969, a través del canal CBS, la serie de animación Scooby-Doo, Where Are You!, en un momento en el que el público se quejaba de la violencia presente en los dibujos infantiles.

Misterios paranormales y fenómenos sobrenaturales protagonizaban las aventuras del grupo de amigos protagonista de una serie que algunos canales han emitido hasta la actualidad en todo el mundo, y que continuó con secuelas como The New Scooby-Doo Movies o The Scooby-Doo Show.

“Nosotros estábamos preocupados para que durara al menos una temporada”, aseguró Ruby en una entrevista reciente para el portal de fanáticos de la ficción ScoobyAddicts.

Ruby aseguró en una entrevista reciente que temía por que la serie de Scooby-Doo durara al menos una temporada


Aunque el año pasado celebró medio siglo de andadura, Scooby-Doo todavía conserva una gran base de seguidores que se engancharon a la pandilla formada por este gran danés y sus amigos humanos Norville “Shaggy” Rogers, Fred Jones, Daphne Blake y Velma Dinkley.

 

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James Stewart * 1908 + 1997

"Hollywood arroja demasiados elogios por cosas pequeñas que no dejaré que me atrapen, pero demasiados elogios pueden hacer que alguien se vuelva loco si no mira sus pasos".

James Stewart

James Maitland Stewart (Indiana, Pensilvania; 20 de mayo de 1908 – Beverly Hills, California; 2 de julio de 1997), popularmente conocido como James Stewart, y Jimmy Stewart especialmente en Estados Unidos, fue un actor de cine, teatro y televisión estadounidense ganador del Premio Óscar, famoso por su particular personalidad en la pantalla. Durante el transcurso de su carrera actuó en varias películas consideradas clásicos y fue nominado cinco veces al Premio Óscar, ganando una vez en competencia y recibiendo uno por su trayectoria. También tuvo una notable carrera militar alcanzando el grado de General de Brigada en la Fuerza aérea de los Estados Unidos.

James Stewart - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Documental: James Stewart biografía (nueva) (James Stewart biography)






Rear Window Official Trailer #1 - James Stewart, Grace Kelly Movie (1954) HD






Caballero sin Espada






The Philadelphia Story (1940)- "Oh C.K.Dexter Haven!"






Vertigo (1958) Restored Trailer - Alfred Hitchcock Movie







El invisible Harvey

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'Anatomía de un asesinato'

El invisible Harvey

Film

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Winchester '73 Official Trailer #1 - James Stewart Movie (1950) HD

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Alfred Hitchcock * 1899 + 1980

«Un buen drama es como la vida, pero sin las partes aburridas»

Alfred Hitchcock

Figura indiscutible del cine de misterio y de intriga, la capacidad del cineasta Alfred Hitchcock para aplicar recursos narrativos innovadores al servicio del suspense tuvo una importancia fundamental para el desarrollo del lenguaje cinematográfico moderno. Con un dominio excepcional de las técnicas cinematográficas, produjo películas que mantienen al espectador en un constante estado de tensión hasta el final de la proyección y que lo llevan a vivir apasionadamente lo relatado en la pantalla. El Mago del suspense supo unir tramas de gran solidez con imágenes de excepcional fuerza expresiva, concilió la calidad con el éxito comercial y legó una de las filmografías más brillantes e influyentes de la historia: su huella habría de percibirse en numerosas imitaciones y en la obra de realizadores tan distintos como el francés François Truffaut o los estadounidenses Brian de Palma y David Lynch.

Alfred Hitchcock nació el 13 de agosto de 1899 en Leytonstone, una población entonces cercana al neblinoso Londres de Sherlock Holmes, Jack el Destripador y Scotland Yard, y que hoy es un distrito del East End de la capital británica.

Alfred Hitchcock. Biografía

Alfred Hitchcock - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Reportaje a Hitchcock






Notorious (1946) ORIGINAL TRAILER






Psycho Official Trailer 1960 HD






North by Northwest - Original Theatrical Trailer






Vertigo Official Trailer #1 - (1958) HD







Rebeca (1940)

Alfred Hitchcock - Rebecca | Trailer (English)

Trailer from the movie "Rebecca" (1940)

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Strangers On A Train (1951) Official Trailer - Alfred Hitchcock Movie HD

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The Birds (1963) [Trailer]

The Birds (1963) [Trailer]

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Siete escenas para admirar el genio de Hitchcock

Siete escenas para admirar el genio de Hitchcock

El éxito de la primera exposición que se organiza en España en torno a la figura del director británico nos recuerda algunas de sus mejores escenas Lee el ar...

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Muere Jirí Menzel, el director de la oscarizada 'Trenes rigurosamente vigilados'

Fue perseguido por el régimen comunista en Checoslovaquia tras la Primavera de Praga, en la que la Nueva Ola del cine tuvo gran protagonismo

Jirí Menzel, en una imagen de archivo, en Berlín, en 2007. Tobias Schwarz REUTERS



PHILIPP ENGEL
Barcelona
Lunes, 7 septiembre 2020



Jirí Menzel, el director de cine checo que murió el sábado a los 82 años, estaba a punto de regresar a nuestra cartelera. Pero no como cineasta, sino como coprotagonista de Sin olvido, una inusual película dirigida por Martin Sulik sobre los estragos del exterminio nazi en la antigua Checoslovaquia. La película entronca y cierra el círculo abierto por Trenes rigurosamente vigilados, su ópera prima como cineasta que, en 1966, también trataba la ocupación nazi con un enfoque tan fresco y original que, tras su paso por el Festival de Cannes, mereció el Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa. Eso dos años antes de que la Primavera de Praga pusiera más tristemente el foco sobre sus compañeros de la Nueva Ola Checa, el momento de mayor efervescencia creativa en el cine de su país.

En Sin olvido, Menzel encarna a un hombre cuyos padres fueron víctimas del holocausto. Leyendo un libro, descubre al SS que fue responsable de la masacre, y va en su búsqueda. Pero en su lugar se encuentra a su hijo, encarnado por un entrañable Peter Simonischek, el padre chistoso de Toni Erdmann (2016), una de las mejores comedias alemanas que se recuerdan. Además de su curioso planteamiento, que deriva en un viaje mano a mano entre el hijo de las víctimas y el del verdugo, la película tiene también toques de comedia, como la irresistible comedia que fue Trenes rigurosamente vigilados.
Basada en una novela entonces todavía inacabada de Bohumil Hrabal (traducida por Seix Barral), aquella película rodada en deslumbrante blanco y negro era la historia de un apocado aprendiz de jefe de estación al que le encargan la supervisión de esos trenes de "gran valor estratégico" para un Tercer Reich ya en pleno hundimiento.

En el microcosmos de la estación, hay elementos de la resistencia, hacia la que el protagonista se inclinará para tratar de conquistar a la chica, y demostrar su más que cuestionada hombría. Mucho antes de la no menos oscarizada La vida es bella (1997), pasó a la historia esta entrañable comedia de alcance tan popular como de gran calado cinéfilo, que introducía la risa en un tema espinoso. Menzel, que también fue un prolífico actor, siempre hizo cine pensando en llegar a todo el mundo, y manifestó su inquina contra del solipsismo intelectual.


PRIMAVERA DE PRAGA
Entraron los tanques soviéticos en Praga, y muchos cineastas, como Milos Forman o Ivan Passer, decidieron exiliarse. Pero Menzel se quedó, y le costó caro. Alondras en el alambre, una película que terminó en 1969, no pudo estrenarse hasta la caída del régimen comunista, logrando el Oso de Oro en la Berlinale de 1990. También era una comedia sobre un tema serio, nada menos que un campo de rehabilitación para "elementos burgueses" en los primeros años del comunismo checo. Menzel siempre plantó cara a los totalitarismos con una sonrisa, señal de inteligencia.
A pesar de todo, Menzel continuó desarrollando su accidentada y espaciada carrera, siempre a partir de textos ajenos, en un país fuertemente atenazado por la censura, a la que quitó hierro, en descocadas declaraciones a este diario cuando la Filmoteca Española, y la catalana, le dedicaron una completa retrospectiva para celebrar el medio siglo de Trenes rigurosamente vigilados: "No defenderé la censura. Pero se trabaja mejor dentro de unos límites. Cuando acabó el control del estado y todo el mundo pudo hacer lo que quería, rápidamente se vio que no había tanto genio reprimido. Muchos tontos quedaron al descubierto".

Entre la veintena de largos que dirigió, también destacan Crimen en el teatro (1968), Los hombres de la manivela (1969), Mi dulce pueblecito (1985) y Yo serví al rey de Inglaterra (2006), que marcó su sexta colaboración con Hrabal, esta vez para brindar un fresco histórico que, al contrario que el ferroviario de Trenes rigurosamente vigilados, estaba protagonizado por un arribista con grandes dotes de vigilancia.
Durante el pasado confinamiento, Bárbara Lennie recomendó Trenes rigurosamente vigilados como parte del ciclo programado por la Filmoteca Española, en colaboración con Filmin, para aliviar a los espectadores atrapados en sus casas. Sin duda la mejor medicina.

Muere Jirí Menzel, el director de la oscarizada 'Trenes rigurosamente vigilados'

Jirí Menzel, el director de cine checo que murió el sábado a los 82 años, estaba a punto de regresar a nuestra cartelera. Pero no como cineasta, sino como coprotagonista de Sin olv

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Ingrid Bergman * 1915 + 1982

"No hay forma de que el arte vaya más allá de la conciencia ordinaria como el cine lo hace, directamente a nuestras emociones, en el fondo en el crepúsculo del alma".

Ingrid Bergman

Ingrid Bergman (Estocolmo, 29 de agosto de 1915 - Londres, 29 de agosto de 1982) fue una actriz sueca galardonada con 3 premios Óscar —igualada por Meryl Streep en 2012 y sólo superada por Katharine Hepburn con cuatro estatuillas— y cinco Globos de Oro, además fue la primera ganadora del Premio Tony como mejor actriz. Considerada uno de los mitos del séptimo arte, según la lista realizada por el American Film Institute es la cuarta estrella más importante en la historia del cine.

Es probablemente una de las actrices más prolíficas del siglo XX, debido en parte a que desarrolló su carrera en cinco idiomas (sueco, alemán, inglés, italiano y francés) y actuó en cine, teatro y televisión en Suecia, Alemania, Estados Unidos, Canadá, Inglaterra, Italia, Francia, España e Israel. Falleció el día de su 67.º cumpleaños, tras librar una larga batalla contra el cáncer de mama.

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Documental: Ingrid Bergman biografía (nuevo) (Ingrid Bergman biography)






Casablanca (1942) Official Trailer - Ingrid Bergman, Humphrey Bogart, Movie HD






Anastasia 1956 Trailer HD | Ingrid Bergman | Yul Brynner






Spellbound Official Trailer #1 - Ingrid Bergman, Gregory Peck Movie (1945) HD






"Te querré siempre" (Viaggio in Italia) Ingrid Bergman, George Sanders (1954 ) - Trailer






Trailer The Bells of St Mary's -1945

Trailer The Bells of St Mary's -1945- (Re issue trailer)

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Autumn Sonata, Ingrid Bergman (1978) ORIGINAL TRAILER ( HD )

Autumn Sonata (1978) ORIGINAL TRAILER [HD 1080p]

The original trailer in high definition of the movie directed by Ingmar Bergman and starring Ingrid Bergman, Liv Ullmann, Lena Nyman. AKA: Höstsonaten Sonata...

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Ingrid Bergman in 'Murder on the Orient Express' (1974)

Ingrid Bergman in 'Murder on the Orient Express' (1974)

Ingrid Bergman in 'Murder on the Orient Express' (1974). Scene with Albert Finney as Hercule Poirot. Ms. Bergman got her 3rd Oscar for this role.

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Humphrey Bogart * 1899 + 1957

"La única cosa que uno le debe al público es una buena actuación "

Humphrey Bogart

(Nueva York, 1899 - Hollywood, 1957) Actor estadounidense. Combatió encuadrado en la marina de su país en la Primera Guerra Mundial. En 1935 actuó en la obra de teatro El bosque petrificado, cuya posterior versión en la gran pantalla le reportó un clamoroso éxito. Ello le permitió participar en El halcón maltés (1941), dirigida por John Huston. En sus siguientes películas, Casablanca(1942) y Pasaje a Marsella (1944), consolidó su imagen de tipo duro y frío, pero a la vez honesto y sentimental. En 1945 participó en Tener o no tener, en cuyo rodaje conoció a Lauren Bacall, con quien contrajo matrimonio poco después, y en 1951 obtuvo el Oscar por su interpretación en La reina de África. Rodó su última película, Más dura será la caída, en 1956, ya enfermo de cáncer de esófago, dolencia que le causó la muerte al año siguiente. Poco amigo de los convencionalismos de Hollywood, se erigió en portavoz del nutrido grupo de actores contrarios a la caza de brujas promovida por el senador McCarthy.

La figura de Humphrey Bogart se asocia indefectiblemente con todo un género: el cine negro. "En mis últimas 34 películas fui tiroteado en doce, electrocutado o ahorcado en ocho e hice de presidiario en nueve." Con estas palabras, Humphrey Bogart resumía en 1941, a la puerta del palacio de los mitos y a punto de entrar en la década más importante de su carrera, su trayectoria, forjada en su mayor parte en el cine de gángsters de los años 30. Un año antes, en 1940, había conocido una de las muertes más poéticas de su carrera: en El último refugio(1941), de Raoul Walsh, ante un imponente escenario montañoso, el gángster desesperado que durante tanto tiempo había interpretado caía abatido por la policía y su pasado moría bajo un amplio cielo desnudo. El Bogart que renació después sería otro. El Bogart de los años 40 fue el melancólico, el detective de rostro esculpido por el tiempo cuya sonrisa torcida en los labios pugnaba por salir para ocultar todo el dolor sufrido, la emoción a punto de desbordarse. Nadie como él supo jamás cómo no mostrar lo que sus ojos, a pesar de todo, traicionaban. El género ya existía antes de él, pero con Bogart, más que con cualquier otro actor, el cine negro llegó a ser lo que fue.

Biografia de Humphrey Bogart

Documental: Humphrey Bogart biografía (nueva) (Humphrey Bogart biography)






CASABLANCA (1942) - MEJORES MOMENTOS






Cómo se hizo "Los violentos años veinte" ( 1939 ) Humphrey Bogart ("The Roaring Twenties" making-of)






Maltese Falcon (1941) - Official Trailer - Humphrey Bogart






To Have and Have Not Official Trailer #1 - Humphrey Bogart, Lauren Bacall Movie (1944) HD






The Big Sleep Official Trailer #1 - Humphrey Bogart, Lauren Bacall Movie (1946) HD

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Key Largo Official Trailer #1 - Humphrey Bogart Movie (1948) HD

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Beat the Devil (1953) ORIGINAL TRAILER [HD )Humphrey Bogart

Beat the Devil (1953) ORIGINAL TRAILER [HD 1080p]

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Dark Passage Official Trailer #1 - Humphrey Bogart Movie (1947)

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The Big Sleep Official Trailer #1 - Humphrey Bogart, Lauren Bacall Movie (1946) HD

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The Treasure of the Sierra Madre (1948) Official Trailer - Humphrey Bogart

The Treasure of the Sierra Madre (1948) Official Trailer - Humphrey Bogart Movie

Starring: Humphrey Bogart, Walter Huston and Tim Holt The Treasure of the Sierra Madre (1948) Official Trailer - Humphrey Bogart Movie Fred Dobbs and Bob Cur...

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Muere Michael Lonsdale, el malo francés de James Bond

EFE
Lunes, 21 septiembre 2020 - 18:37


También trabajó con Orson Welles, François Truffaut, Luis Buñuel, Steven Spielberg o Alejandro Amenábar.


El actor francés durante el festival de Venecia, el pasado 6 de septiembre Afp


El actor francés Michael Lonsdale ha fallecido este lunes en París a los 89 años tras una vida dedicada al cine con papeles tan inolvidables como el villano Hugo Drax en la saga de James Bond, aunque también trabajó con Orson Welles, François Truffaut, Luis Buñuel, Steven Spielberg o Alejandro Amenábar.

El intérprete, nacido en la capital francesa en 1931, murió en su casa de París, según informó su familia a la revista semanal L'Obs.

Tras una infancia en Marruecos, Lonsdale comenzó a trabajar en el teatro en los años 50, aunque no tardó en introducirse en el cine, donde protagonizó grandes producciones internacionales como Moonraker, de la saga de películas de James Bond, o El nombre de la rosa, de Jean-Jacques Annaud.

Como hijo de un inglés, su bilingüismo le permitió trabajar indistintamente en ambas lenguas, lo que sin duda ayudó a propulsar su carrera.

La primera vez que se puso ante la cámara fue en 1962 de la mano de Orson Welles en El Proceso, donde interpretó a un sacerdote en la adaptación de la novela de Franz Kafka con Anthony Perkins y Romy Schneider.

Actuó además en películas como ¿Arde París?, de René Clement, El fantasma de la libertad, de Buñuel, Munich, de Spielberg, o De dioses y hombres, de Xavier Beauvois, película que obtuvo el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes.

En 2009 interpretó a Teón en Ágora, de Amenábar, padre de Hipatia de Alejandría, la protagonista que encarnó la actriz Rachel Weisz.

Culminó su larga trayectoria cinematográfica, en 2012, con Gebo y la sombra, de Manoel de ElAceitunoMisogino, con Jeanne Moreau y Claudia Cardinale.

El diario Le Monde lo destaca como un "cómplice irreductible de las vanguardias y de los autores contemporáneos, cuya aparición en éxitos de cartelera le permitió además convertirse en un rostro muy conocido del gran público".


En el teatro trabajó bajo la dirección de Claude Régy en 18 obras en las que interpretó textos de Marguerite Duras, Peter Handke o Luigi Pirandello. El encuentro con Duras dio pie a una mayor colaboración, y Lonsdale participó después en tres de sus películas, Détruire, dit-elle, Jaune le soleil e India song.

En varias ocasiones asumió papeles eclesiásticos sin esconder su propia devoción católica, lo que le llevó en 2002 a renunciar interpretar a un obispo en la película Amen, de Costa-Gavras, por su conocida postura antipapista.

Muere Michael Lonsdale, el malo francés de James Bond

El actor francés Michael Lonsdale ha fallecido este lunes en París a los 89 años tras una vida dedicada al cine con papeles tan inolvidables como el villano Hugo Drax en la saga de

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Lauren Bacall * 1924 + 2014

"En Hollywood, un acuerdo de divorcio equitativo significa que cada parte consigue el cincuenta por ciento de la publicidad. "

Lauren Bacall

(Betty Joan Weinstein Perske; Nueva York, 1924 - 2014) Actriz cinematográfica estadounidense. Desde la adolescencia desempeñó diversos oficios a la vez que estudiaba arte dramático. En 1943, la esposa de Howard Hawks vio la fotografía de Betty Joan Perske (nombre real de Lauren Bacall) en la portada de Harper's Bazaar, y comentó el descubrimiento con su marido; un mes más tarde, la futura actriz ya había firmado un contrato en Hollywood.

En su debut cinematográfico, Lauren Bacall apareció junto a Humphrey Bogart en Tener y no tener (1944), de Howard Hawks, y causó sensación tanto en el público como en la crítica. En los estudios publicitarios se la apodaba "La mirada", debido al sugestivo y elocuente parpadeo de sus ojos.

En 1945 contrajo matrimonio con Humphrey Bogart, junto al que aparecería en otras tres películas: El sueño eterno (1946), obra maestra del cine negro también dirigida por Howard Hawks, La senda tenebrosa (1947), de Delmer Daves, y Cayo Largo (1948), de John Huston. Su relación en la pantalla quedó inmortalizada por frases que se hicieron proverbiales, como «Si necesitas algo, silba» (de Tener y no tener, 1944). En su vida privada, la relación entre Lauren Bacall y Humphrey Bogart fue cálida e íntima; cuando el actor enfermó de cáncer, ella lo cuidó devotamente hasta su muerte, en 1957.

Tras aparecer en numerosos papeles secundarios durante los años 60, 70 y 80, Robert Altman la recuperó para su fallida Prêt-à-porter (1994), y en 1996 fue candidata al Oscar a la mejor actriz secundaria por El amor tiene dos caras, de Barbra Streisand. En 1979 habían aparecido sus memorias, tituladas Por mí misma, y en 1994 publicó Ahora, segunda parte de su autobiografía. Otros títulos destacados de su filmografía son El rey del tabaco (1950), Cómo casarse con un millonario (1953), Callejón sangriento (1955), Escrito sobre el viento (1957), La India en llamas (1959), Harper, investigador privado (1966), Asesinato en el Orient Express (1974), El celo (2000), Dogville (2003) y Manderlay (2005).

Biografia de Lauren Bacall

Las diosas de la pantalla: Lauren Bacall






Tener y no tener (1944) de Howard Hawks, Lauren Bacall, Humphrey Bogart






El sueño eterno (1946) de Howard Hawks, Lauren Bacall, Humphrey Bogart






Key Largo (1948) Lauren Bacall, Humphrey Bogart






ESCRITO SOBRE EL VIENTO (1956), Luren Bacall, Robert Stack, Rock Hudson






HARPER, INVESTIGADOR PRIVADO (1966) Lauren Bacall, Paul Newman

Harper (1966) - Paul Newman - Lauren Bacall

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How To Marry A Millionaire ,1953 - Lauren Bacall, Marilyn Monroe , Betty Grable

How To Marry A Millionaire -Powder Room-1953

Schatze Page, Loco Dempsey and Pola Debevoise (Lauren Bacall, Betty Grable, Marilyn Monroe) are three women on a mission: They all want to marry a millionair...

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Lauren Bacall en Asesinato en el Oriente Express

Lauren Bacall en Asesinato en el Oriente Express

Breve pero impresionante aparición, de lujo, de Lauren Bacall, "la estrella de la mirada" (los ojos más fascinadores de la historia del cine), en "Asesinato ...

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The Mirror Has Two Faces (1996) - Lauren Bacall - Barbra Streisand

The Mirror Has Two Faces (1996) - Lauren Bacall - Barbra Streisand

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Juliette Gréco * 1927 + 2020

Ce « Merci !» il s’adresse à mon public qui m’a tout donné, qui a fait de ma vie une sorte de rêve éveillé. Il m’a donné tous les bonheurs du monde. Je veux lui dire « merci ».

Juliette Gréco

Marie-Juliette Gréco (Montpellier, 7 de febrero de 1927-Ramatuelle, 23 de septiembre de 2020)1 fue una cantante y actriz francesa. Fue apodada por la prensa como «La musa de los existencialistas».

Comenzó su carrera como actriz de teatro y radio, pero, muy pronto, siguiendo los consejos de Anne-Marie Cazalis y Jean-Paul Sartre, decidió cantar profesionalmente. Cita de Antony Beevor y Artemis Cooper.

Juliette Gréco - Wikipedia, la enciclopedia libre

es.wikipedia.org

Juliette GRECO : "Ma vie pour la chanson" La grande interview vérité






Juliette Gréco, le best of | Archive INA






Bonjour Tristesse (1958) - Juliette Greco






The Roots of Heaven - Juliette Gréco ( 1958 )






The night of the generals - Juliette Gréco

 

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Muere la actriz Yuko Takeuchi, la primera víctima de Sadako en ‘The Ring’
La actriz japonesa, protagonista de la serie 'Miss Sherlock' en HBO, tenía 40 años. Ha sido encontrada muerta en su casa de Tokio y se desconocen las causas.

Por Cinemanía
28 de septiembre de 2020

Muere la actriz Yuko Takeuchi, la primera víctima de Sadako en 'The Ring'

La actriz japonesa, protagonista de la serie 'Miss Sherlock' en HBO, tenía 40 años. Ha sido encontrada muerta en su casa de Tokio y se desconocen las causas.

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LA ESTRELLA MURIÓ EN 1955
65 años sin James Dean: lo que nos dijo la actriz que trabajó con él en 'Gigante'
Un Porsche 550 Spyder lo mató un 30 de septiembre de 1955. En 2015, Vanitatis habló con una de sus compañeras de rodaje y repasa lo que muchos de los que se cruzaron en su vida opinaban de él

James Dean, en una foto promocional de 'Al este del Edén'. (CP)



AUTOR
JOSE MADRID
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JAMES DEAN
30/09/2020


Un Pequeño Bastardo condujo a la estrella juvenil más grande de todas hacia la muerte pero también hacia la gloria. Así se apodaba el Porsche 550 Spyder que manejaba James Dean y que, tras chocar de costado con un Ford Custom Coupé que venía en dirección opuesta, le produjo la gravísima fractura de cuello por la que acabó falleciendo. Como ocurre con otros tantos mitos, aquel 30 de septiembre de 1955, ese coche con aura de maldito sembró la semilla de una leyenda que no se agota, eterno símbolo de la rebeldía y la insatisfacción juvenil, sempiterna imagen que a fuerza de ser repetida se ha convertido en cliché: la del actor y su cazadora roja, su tupé, su cara de efebo inconformista y despistado.

En 2015, Vanitatis consiguió, en exclusiva, unas declaraciones de la veterana actriz Noreen Nash, que compartió rodaje con él en la mítica 'Gigante' (1956): "Conocí a Jimmy a través de mi segundo marido, James Whitmore, que estudió interpretación junto a él". La actriz también es la autora de una de las frases más reveladoras del rodaje de la cinta de George Stevensacerca de la debatida sexualidad de Dean: "Elizabeth (Taylor) y Rock (Hudson) hicieron una apuesta sobre quién se lo llevaría antes a la cama. Yo pensaba que sería él, pero Elizabeth no lo tenía tan claro".

James Dean. (CP)

Noreen Nash, en una imagen de su juventud.





La veterana actriz, que hoy cuenta con 96 años y ha participado en un sinfín de producciones como secundaria, también recordaba que al director de la que sería la última película de Dean no le gustaban nada los susurros con los que recitaba cada diálogo: "Un día le gritó diciéndole que ese guion costaba mucho dinero. ¡Quiero escuchar bien esas palabras!, le dijo".

Noreen no es la única que tiene algo que decir acerca de Dean, ese chico nacido en Indiana en 1931 cuya madre murió cuando él apenas tenía nueve años; el tímido miope hijo de un médico que quiso ser actor y que para ello se mudó a Nueva York en cuanto le fue posible. Por ejemplo, a la hora de hablar de su infancia, de la que se han escrito miles de anécdotas, destaca quizá la que narró Elizabeth Taylor a un periodista a cambio de que la contase una vez que ella no estuviese en este mundo. "Cuando Jimmy tenía once años, comenzó a sufrir abusos por parte del pastor de su iglesia. Creo que aquello le persiguió durante el resto de su vida", contó la actriz de los ojos violetaaños antes de morir, en febrero de 2011.

Aunque casi todos los que coincidieron en un rodaje con él ya no están, muchos vivieron el tiempo suficiente para recordar su calidad como intérprete. Pese a las excelencias de su estilo, pronto se ganó cierta fama de intratable. Al fin y al cabo, venía del Actor's Studio y, como Brando o Clift, su estilo interpretativo suponía un punto y aparte con respecto a todo lo que se había hecho hasta entonces. Parte de esa diferencia radicaba en que cualquier personaje podía remover los cimientos sentimentales de aquel que lo encarnaba. Dean, un niño algo sobreprotegido debido a la muerte de su progenitora, tenía mucho que remover. "Leíamos juntos 'El Principito' y 'Romeo y Julieta'... Era terriblemente sensible", recordaba hace un par de años Arlene Martel, que compartió con él esos primeros años en una escuela de interpretación que acabaría pasando a la historia.

James Dean, junto a Natalie Wood y Sal Mineo en 'Rebelde sin causa'. (CP)




Tras triunfar en Broadway con la obra 'El inmoral', su participación en varios programas televisivos y en películas como '¿Alguien ha visto a mi chica?' (1952) lo llevaron hacia el que sería su gran valedor: el Elia Kazan que lo eligió para protagonizar 'Al este del Edén' (1955). En la película, su hiperactividad, su energía y su carácter misántropo no siempre serían bien recibidos por el resto del reparto. Con Raymond Massey, que encarnaba a su tiránico padre, casi llega a las manos. "Nunca sabes que va a hacer durante una escena. ¡Por favor, haz que lea sus líneas tal y como están escritas!", le gruñó un día el veterano actor al director de todo aquello.




¿Bisexualidad? ¿Amor con Pier Angeli?

James Dean y Pier Angeli, en una imagen de archivo.




Otra piedra en el rodaje: el que fuese su hermano en la cinta, Richard Davalos, aseguraba que el rol de Caín y Abel de la soleada California de los años 20 que ambos encarnaban casi traspasó los límites de la pantalla y los enemistó para siempre. "No sabía cómo tomarse las críticas duras. Compartir escena con él te podía poner de los nervios. Tenía instinto para perturbar. Al final, él y yo nos acabamos convirtiendo en lo que interpretábamos. Trabajar en esa película nos afectó. En mi caso me costó años superarlo", recordaba el intérprete. La fallecida Julie Harris, su interés amoroso en la cinta, recordaba en televisión conversaciones muy personales con él. A pesar de las historias sobre su bisexualidad, ella rememoraba lo que el joven le contó sobre el amor que sintió por Pier Angeli. "Un día me enseñó una especie de colgante egipcio, lo abrió y dentro llevaba un cabello de ella, del día que se conocieron. Me dijo que nunca había sentido nada parecido", aseguró.

El hecho es que Harris también llegó a hablar de las desavenencias de aquel Tom Sawyer, figura literaria a la que siempre le recordó, con Raymond Massey: "Siempre estaba intentando fastidiarle. Solo por diversión". Sin embargo, aquel jovencito embaucador y rebelde no tenía un corazón de hierro. La vulnerabilidad que dejaba entrever en pantalla era real, a veces dolorosamente real. Meses después de haber iniciado la relación con Pier Angeli, la madre de esta se opuso a que siguiese saliendo con él y la empujó a un matrimonio con Vic Damone. Cuentan las leyendas de Hollywood que el día en que se produjo la boda, en el exterior de la iglesia se podía escuchar el rabioso motor del coche de Dean, que había acudido hasta allí para ser testigo de cómo el amor de su vida se iba de la mano y con un vestido de novia a los brazos de otro.


"Nunca sonreía, no tenía modales"
Las consecuencias de aquel desamor también acabaron salpicando a aquellos que lo rodeaban. Tras rodar 'Rebelde sin causa' (1955) -su segunda película como protagonista y la que más simboliza la disconformidad de la generación de los que fueron jóvenes en la década de los 50-, en el rodaje de 'Gigante' (1956), estrenada después de su muerte, su maniaca hiperactividad chocó con la pulcritud y el clasicismo del otro protagonista de la cinta, el pétreo Rock Hudson. Si con Elizabeth Taylor la relación fue tan estrecha como para compartir un sinfín de confidencias, con Hudson la historia fue de mal en peor. George Stevens disfrutaba echando leña al fuego, alimentando la animosidad entre ambos. "Era duro estar a su lado. Nunca sonreía, no tenía modales.También era duro rodar una escena con él. Te la acababa robando", dijo Hudson.

James Dean posa junto a Little Bastard, el coche que lo llevó a la muerte.





"Trabajó duro para conseguir publicidad y siempre llevaba un fotógrafo consigo", reprochaba el director de la cinta, desmintiendo esa leyenda que asegura que el joven trataba de huir de la fama de Hollywood y de sus servidumbres. Pese a las críticas, tanto él como el resto del equipo vivieron con estupor y dolor la noticia de su muerte. Aquella tarde de septiembre en la que veían los últimos copiones de lo que se había rodado a lo largo del día, alguien llamó a Stevens por teléfono para contarle el accidente que le había costado la vida a Dean. El chico introvertido que simbolizó la rebelión juvenil había muerto y a él le tocó dar la noticia al resto de su equipo. Taylor se tuvo que ir a un rincón a llorar.

Fotografía del accidente publicada tras su muerte.



Probablemente fue ella el miembro del reparto que lo conoció mejor. Para el resto, pese a conocer su carácter juguetón y sus manías, era un desconocido. "Jimmy era Jimmy. Era imposible conocerle realmente bien. Pero eso forma parte de la fascinación que despertaba", dijo Carrol Baker, secundaria de lujo en la película. Dean se dirigía a las carreras de Salinas y había decidido, a última hora y de forma casual, que conduciría él mismo su Pequeño Bastardo para acostumbrarse a él. La muerte lo sorprendió en una carretera que aún hoy guarda vestigios (en forma de monolito) de sus últimos minutos de vida.

Aunque durante décadas han abundado los comentarios laudatorios sobre su figura, convertida en icono pop del siglo XX, probablemente la opinión más sentida acerca del Jimmy Dean que ha cautivado a generaciones la dio su gran amor, esa Pier Angeli que acabó con su vida a los 39 años tomándose un bote de pastillas. Cuentan que en su nota de su***dio, rezaba la siguiente frase: "Tengo un miedo horrible a envejecer; para mí, los cuarenta son el comienzo de la vejez... El amor ha quedado atrás, murió en un Porsche".

90 años de James Dean: lo que nos contó la actriz que trabajó con él en 'Gigante'

Un Porsche 550 Spyder lo mató un 30 de septiembre de 1955. En 2015, Vanitatis habló con una de sus compañeras de rodaje y repasó lo que muchos de los que se cruzaron en su vida opinaban de él

www.vanitatis.elconfidencial.com

 

[pilou12]

Quino * 1932 + 2020

«No es necesario decir todo lo que se piensa; lo que si es necesario es pensar todo lo que se dice.»

Quino

Quino es el gran caricaturista argentino, creador del querido personaje Mafalda y de muchas otras brillantes historietas de humor. Su marca distintiva es la crítica social sagaz, inteligente y siempre actual, con la que desde hace décadas viene encantando a niños y adultos de todo el mundo.

Quino nació como Joaquín Salvador Lavado el 17 de julio de 1932 en la ciudad de Mendoza, Argentina. Recibió el apodo desde chico para diferenciarlo de su tío Joaquín Tejón, pintor y dibujante publicitario, con quien a los 3 años descubrió su vocación. Sus dos padres eran españoles de Andalucía, pero ambos fallecieron cuando Quino era todavía un niño. Tras terminar la escuela primaria, el pequeño Joaquín decidió inscribirse en la Escuela de Bellas Artes de Mendoza, la que abandonaría años después para dedicarse exclusivamente a dibujar historietas.

En 1954, a los 18 años, Quino se instaló precariamente en Buenos Aires y deambuló por las redacciones de todos los diarios y revistas en busca de empleo. La revista Esto Es fue la que finalmente publicó su primera página de humor gráfico. En 1963, lanzó su primer libro, Mundo Quino, una recopilación de historietas humorísticas mudas.

El 29 de septiembre de 1964, apareció Mafalda por primera vez en la revista Primera Plana. Elsimpático personaje, originalmente creado para la publicidad nunca lanzada de una marca local de electrodomésticos, al final resultó un enorme éxito y aún hoy sigue siendo la historieta latinoamericana más vendida del mundo. A partir de 1965, Mafalda empezó a ser publicada en el periódico El Mundo y posteriormente en la revista Siete Días Ilustrados. Por decisión de Quino, la última historieta de Mafalda se imprimió el 25 de junio de 1973.

Tras dejar de dibujarla a Mafalda, Quino siguió creando historietas de humor, las que fueron compiladas en diversos libros y publicadas en una gran cantidad de periódicos y revistas de Latinoamérica y Europa.

A lo largo de su carrera, Quino ha generado una enorme repercusión en el extranjero y cosechado una gran cantidad de reconocimientos internacionales. En 2014, cuando se cumplieron sus 60 años como humorista gráfico y los 50 años de Mafalda, el dibujante fue galardonado por Francia con la Orden Oficial de la Legión de Honor, la distinción más importante que el gobierno francés otorga a extranjeros, y por España con el no menos valioso Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades.

Quino está casado desde 1960 con Alicia Colombo y no han tenido hijos. En 1976, por fuerza de un golpe militar en Argentina, ambos se exiliaron en la ciudad italiana de Milán. Actualmente viven entre Madrid y Buenos Aires. Lamentablemente, desde 2009 Quino debió encarar un retiro involuntario por problemas en la vista.

Breve biografia de Quino (criador da Mafalda) » Mi Buenos Aires Querido

Resumo da vida e obra do cartunista argentino Quino (1932-) * Mafalda e seus amigos * Outros quadrinhos de humor * Livros e filmes * Homenagens

mibuenosairesquerido.com

MAFALDA se queda HUÉRFANA al fallecer su CREADOR a los 88 años | RTVE






Homenaje a Quino






Entrevista a Quino, creador de Mafalda